Museos del Mundo

El Museo de Orsay o Musée d´Orsay es uno de los museos más importantes de París y de Francia, junto con el Louvre o el Centro Georges Pompidou.

Convertido en el tercer museo más visitado de Francia, con 2.500.000 de visitantes, entre sus paredes, a la orilla del Sena, se encuentran principalmente obras del siglo XIX, sobre todo, obras dedicadas al impresionismo, el arte moderno y el contemporáneo, exhibiendo únicamente obras modernas de 1848 a 1914.

El Museo de Orsay nació como proyecto de restauración de la estación de trenes Gared'Orsay, construida en 1900 y casi en ruinas. Para realizar esa mimetización, integrando una fría estructura de hierro en un barrio elegante y en proximidades del Louvre y otros palacios, se encargó el proyecto a Lucien Magne, Emile Bénard y Victor Laloux (encargado de la restauración del Ayuntamiento de París). Se tardó dos años en realizar la construcción, hasta que un 14 de julio de 1900 se inauguró la estación y el lujoso hotel de Orsay.

Fue a partir de 1973 cuando se incorporó a la lista del Inventario suplementario de Monumentos Históricos, sin embargo, tuvo que ser a partir de 1977 cuando se tomó la decisión de convertir la estación en museo por iniciativa del presidente Valéry Giscard d'Estaing.

El museo, rehabilitado y diseñado por Gae Aulenti, se inauguró finalmente el 1 de diciembre de 1986, a cargo del Presidente de la República, François Mitterrand, siendo abierto al público el día 9 de ese mes. El Museo de Orsay consta de unas 80 salas o galerías con unas 4000 obras expuestas en permanencia, salas de exposiciones temporales, salón de actos, auditorio, cafés y restaurantes.

Desde el 2009, se están remodelando varias salas, siendo pintadas de diferentes colores y reorganizando las obras entre sus colecciones. Además, muchas de sus pinturas están siendo exhibidas fuera de Francia con el propósito de recaudar fondos para seguir mejorando año a año.

A modo de ejemplo, muchas de las obras vinieron a parar a exposiciones en España, concretamente, a Madrid en enero de 2010, gracias al patrocinio de la Fundación Mapfre, quien pagó 3 millones de euros por el préstamo.

El Museo de Orsay alberga muchas de las obras del fondo de armario del Louvre, desde pintura realista, impresionista y post-impresionista hasta escultura, artes decorativas (Art Nouveau y el movimiento Arts & Crafts), fotografía (Nadar, Gustave Le Gray, Regnault, Shaw...), cine y arquitectura, así como obras del Museo del Jeu de Paume (consagrado al impresionismo desde 1947) y el Museo de Arte Moderno.

Muchos de los mejores artistas están representados en el Museo de Orsay, tales como Jean-François Millet, Ingres, Édouard Manet, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Antonio de La Gándara o François Pompon, entre otros.

Entre las principales obras del Museo de Orsay y su colección podemos destacar:

“Baile en el Molino de la Galette”, de Pierre-Auguste Renoir
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Retrato de Madame Charpentier”, de Pierre-Auguste Renoir
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Olympia”, de Édouard Manet
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“La merienda campestre”, de Manet.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“El origen del mundo” de Courbet
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Los tejados rojos”, de Camille Pissarro.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“El circo”, de Georges Pierre Seurat.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“La fuente”, de Ingres.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Autorretrato con Cristo amarillo”, de Paul Gauguin
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Ta Matete”, de Paul Gauguin.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“La mujer de la cafetera”, de Paul Cézanne.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“Bodegón con cebollas”, de Paul Cézanne.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
“La iglesia de Auvers”, de Van Gohg

Página oficial del Museo de Orsay

El Museo de Orsay: París un recorrido diferente

Historia del Museo de Orsay

El IVAM o Instituto Valenciano de Arte Moderno surgió en 1986, pero fue inaugurado en 1989 quedando adscrito a la Consellería de Cultura, Educación y Ciència de la Generalitat Valenciana. Tiene como objetivo primordial la investigación y difusión del arte del siglo XX, contando entre sus paredes con un fondo de más 7.000 obras. Acercarse a Valencia y admirar toda la cultura que desborda este museo es casi una obligación.

La actividad artística de las últimas décadas es su fondo de armario, con una gran influencia en lo referente a la actualidad artística. Además, el IVAM organiza conferencias, cursos y talleres y tiene un importante servicio de publicaciones. Asimismo posee una completa biblioteca con más de veinticuatro mil volúmenes.

Desde sus inicios, el IVAM se vertebra entorno a la figura y la obra del escultor Julio González, síntesis entre el cubismo, el surrealismo y el constructivismo. A su vez, la Colección ha prestado especial atención a los orígenes del arte moderno (representado en el IVAM por la obra de Ignacio Pinazo, del cual posee la más importante colección pública de obras del pintor valenciano, y de Joaquín Sorolla) al debate sobre la abstracción durante los años 30, y a las diferentes corrientes de Informalismo y el Pop europeo y americano. Un lugar importante en la Colección lo ocupan los fondos dedicados al diseño gráfico, el fotomontaje y, principalmente, la fotografía de los grandes maestros del sigo XX, de los que el museo dispone de más de 2.500 títulos.

La colección fotográfica del IVAM se inicia con el mismo espíritu de la colección principal, que sigue un criterio fundamentalmente histórico, orientado a expresar y subrayar las características del arte moderno y contemporáneo, así como las aportaciones específicas de su desarrollo en la situación cultural española y muy concretamente la valenciana

En mayo del 2001 se presentó "Colección Permanente", una colección puesta en marcha desde 1984 que subraya las aportaciones y características del arte contemporáneo a través de 180 piezas, y que representa una pequeña parte de los fondos del museo.

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Osterreichische Galerie Belvedere, es uno de los museos más importantes de Austria, situado en el centro de la capital, Viena. Se encuentra en el Palacio Belvedere y desde hace unos años se le llama de manera más breve, Belvedere.

Dentro de la galeria, podemos encontrarnos arte de muchas épocas, desde la Edad Media hasta el Barroco del siglo XXI. En cualquier caso, hay que decir que se enfoca principalmente en pintores austriacos del fin de siglo y del modernismo.

Los artistas más representativos de la colección permanente de esta Galería son principalmente Klimt, Renoir y Monet.

Historia

Lukas von Hildebrandt construyó los Palacios de Belvedere entre 1714 y 1723, como residencia de verano para el príncipe Eugenio de Saboya, que se convirtió en sí mismo, una obra de arte del Barroco Y aquí fue donde después se albergaron cientos de obras de arte.

Se abrió en el año 1903 y se le llamó la Moderne Galerie y se centraba básicamente en la tendencia artística contemporánea vienesa.

Distribución de la Galería

En la actualidad se puede ver en el primer piso o el Belvedere inferior las obras más antiguas y también las exposiciones temporales y muestras especiales.

Las salas mantienen un estilo barroco que procede de la época en la que el príncipe Eugenio de Saboya, utilizaba el palacio para veranear.
Se pueden visitar obras pertenecientes al Clasicismo, la Edad Media y el Barroco. Está la Sala de los Mármoles, la Galería de los Mármoles, la Habitación de oro y la Sala de las Grotescas.

Cerca de aquí se encuentra otra zona del museo que alberga las muestras especiales y es la llamada Casa de la Naranja.

En el segundo piso o el Belvedere superior, se encuentran obras pertenecientes al Clasicismo, al Romanticismo y al Biedermeier. Esta última es una corriente que se desarrolló en la época de la Restauración en el Imperio Austriaco y el resto de Europa Central. Se encuentran obras de los artistas más importantes del siglo XIX. Salas como Terrena, del Carlone, de los Mármoles, la Capilla y la Escalera del Palacio son de un estilo barrio y son una auténtica obra de arte.

Merece la pena visitar los jardines del castillo. Están llenos de esculturas y fuentes y recorriéndolo nos recuerda al Palacio de Versalles. Sin duda, un buen lugar donde acabar la visita a este precioso palacio.

Obras más importantes

Son muchas las obras conocidas que se pueden encontrar en las diferentes salas de esta Galería y no sólo por ser más famosas sino por su gran calidad artística y relevancia histórica.

Sin duda, los cuadros del pintor austriaco Gustav Klimt son muy importantes, especialmente El beso. Pero también hay otro que causó sensación en el momento de su aparición y que se encuentra en esta Galería, “Judith y la cabeza de Holofernes”.

Claude Monet "Gartenweg" o "sendero del jardín"

Egon Schiele "Selbstporträt mit gesenktem Kopf" o "Autorretrato con la cabeza gacha"

Rudolf von Alt: "View of Stephansdom, from the Stock-im-Eisen" o "Vista de la Catedral de San Esteban, desde la Bolsa-im-Eisen"

Albin Egger-Lienz "La danza de la muerte de Anno Neun"

Hans Makart "Dame am Spinett" o "Mujer en el piano"

"Judith y la cabeza de Holofernes" es una obra del artista Gustav Klimt. Es un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 84 centímetros de alto y 42 de ancho y data del año 1901.

Son muchos los cuadros que se han pintado en torno a esta historia entre Judith y Holofernes. Klimt consigue dar una vuelta de tuerca a esta historia y le da un toque distinto y vanguardista de los que ya existían.

Judith era una bella dama bíblica, que cuentan que rescató a la ciudad de Betulia de ser destruida y asediada por Holofernes, general del rey asirio Nabucodonosor. Lo consiguió seduciendo y decapitando a Holofernes, tras una cena en la que acabó ebrio, llevando después la cabeza a sus conciudadanos.

Klimt presenta a esta mujer con una imagen erótica y sensual, una especie de femme fatale bíblica. La joven está representada semidesnuda, enseñando un pecho y el ombligo. El otro pecho se deja intuir por debajo de una delicada tela negra semi transparente.

En esta obra aparecen por detrás una decoración bizantina en tonos dorados. El oro también se observa en las joyas que adornan a la mujer y en el velo que cubre parte de su cuerpo.

Con la mano agarra la cabeza de Holofernes que aparece en la esquina inferior derecha. Apenas tiene protagonismo, lo que hace realzar la idea de mujer fatal que surgía en la Europa de principios del siglo XX. Se estaba produciendo una emancipación de la mujer, algo que los hombres consideraban una amenaza porque pensaban que podría derivar en una eliminación de lo masculino como pasa en este episodio bíblico.

Su rostro seductor, delicado y bello contrasta con el hecho de que ha decapitado a este hombre. Es la mezcla de seducción y destrucción. Además, Judith vence con su poder erótico y no por la fuerza, vence con la pasión. Es una unión entre muerte y sexualidad. Mujer sensual y misteriosa.

Es importante destacar el realismo con el que está realizado el rostro de la mujer, tanto que parece una fotografía. Este realismo será muy apreciado por las mujeres burguesas de la época, que fueron retratadas de manera excelente por Klimt. En cambio, ha eliminado la perspectiva, ya que, la figura se presenta en primer plano y renuncia al fondo.

Esta obra fue un escándalo en la burguesía judía de la época en Viena, ya que era la representación de una heroína bíblica que comete un crimen por placer, disfrutando de lo que hacía.

"El abrazo" es una obra del pintor austriaco Egon Schiele. Esta pintura es un óleo sobre lienzo de 100 centímetros de alto por 107 de ancho que data del año 1917.

El artista austriaco Egon Schiele es contemporáneo de Gustav Klimt y junto con otro artista Oskar Kokoschka forman lo que se ha llamado el expresionismo austriaco.
Estos artistas muestran un espacio que representa la trágica dimensión existencial del hombre que está en continuo conflicto entre la vida y la muerte.

El abrazo no podría tener mejor título que exprese lo que su autor quiso plasmar con sus pinceladas al dibujar a esta pareja que se funde en un apasionado abrazo. Su textura, la forma en la que está pintado recuerda mucho al que fue amigo del autor, Gustav Klimt.

En la obra aparecen un hombre y una mujer que se abrazan sobre una sábana arrugada blanca y lo que parece una manta. La forma en la que están abrazados recuerda a El beso de Klimt, amigo y protegido del artista.
El hombre es moreno, delgado y sus músculos y huesos están bastante marcados. Tiene una postura algo retorcida.
La mujer también parece delgada y tiene el pelo negro y muy largo y ondulado que cae sobre la almohada.

Probablemente, sea un autorretrato del artista que en ese momento estaba viviendo un momento de felicidad matrimonial. Por desgracia, su mujer murió de la gripe que asoló Europa y tres días después murió Schiele con tan sólo 28 años.

Habría que destacar la gran cantidad de texturas visuales que se plasman en la obra y que sin duda, dotan a la composición de un soporte expresivo muy grande.
Consigue utilizar un lenguaje expresivo y muy original que le da validez al universo pictórico de sus antecesores. Hay una gran tensión emotiva. Se podría decir que Schiele tiene una especie de obsesión erótica y muestra una realidad dramática del ser humano tanto desde el punto de vista físico como desde la moral. Tanto fue así, que hay quien tachó su pintura de pornográfica pero en realidad poseía una gran humanidad.