Museos del Mundo

Locus Solus es la primera exposición que se organiza en el Museo Reina Sofía en torno a la figura y el legado del escritor Raymond Roussel (París, 1877 - Palermo, 1933), autor de una obra poética, novelística y teatral sin parangón en la historia de la literatura, tanto por la singularidad y exuberancia de su universo narrativo y visual como por la metodología que ideó y que, poco a poco, fue perfeccionando y complejizando.

Una metodología que se basaba en la exploración del potencial inventivo de la homonimia y del retruécano, todo ello desde la convicción de que una obra artística/literaria no necesita contener nada real, de que puede ser exclusivamente una combinación de objetos imaginarios.

La exposición muestra cómo el complejo y ambicioso proyecto estético-literario de Raymond Roussel, con su extraño equilibrio entre rigurosidad conceptual y delirio lingüístico, ha sido una fuente de inspiración fundamental tanto para numerosos artistas visuales (Salvador Dalí, Francis Picabia, Allen Ruppersberg, Rodney Graham…) como para autores de otros ámbitos y disciplinas pasando por la música y la investigación etnográfica.

De este modo, la obra de Roussel se utiliza como punto de partida para realizar una lectura oblicua y transversal de la historia del arte del siglo XX.

Creemos que antes de ésta exposición el escritor francés Raymond Roussel era un gran desconocido, pero fue uno de los maestros más singulares de los surrealistas que desarrolló nuevos paradigmas los cuales influyeron en el arte del siglo XX.

A esta influencia dedica el Museo Reina Sofía con esta exposición compuesta por aproximadamente trescientas piezas entre pinturas, fotografías, esculturas, instalaciones y vídeos además de numerosos libros y documentos originales que estará abierta hasta el 27 de febrero del 2012.

La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945 es un proyecto que engloba una gran exposición y una serie de actividades como cine, conciertos, propuestas escénicas y conferencias. Todo ello se celebra a lo largo de este último trimestre del año en La Casa Encendida de Madrid. 

Centrándonos en la exposición, decir que está abierta al público del 7 de octubre de 2011 al 15 de enero de 2012, que su entrada es gratuita y que en ella podréis encontraros con un fantástico recorrido por el arte de la época de la revolución rusa. 

En apenas 40 minutos, el que vaya a esta exposición será partícipe de un viaje que arranca con la energía artística de la vanguardia en época revolucionaria para acabar en el ocaso de una época, en la aniquilación de la creatividad rusa por parte de Stalin a finales de los años 30.

A lo largo de la muestra se pueden ver obras de artístas pictoricos como Rodchenco, manuscritos de poétas como Ajmátova o Mandelshtam hasta piezas del cine de vanguardia. 

Todo un lujo de exposición, breve y amena, que nos acerca en este octubre de 2011, el octubre de 1917 y los años que llegaron después. 

El Museo Reina Sofía de Madrid ofrece desde mañana 10 de mayo y y hasta el próximo 18 de septiembre, una retrospectiva de la artísta japonesa Yayoi Kusama (Nangano, 1929), a través de la cual el espectador puede disfrutar de lunares, espejos, falos y una gran variedad de colores.

Esta muestra, organizada en colaboración con la Tate Modern,  incluye  varias instalaciones de gran formato como I'm Here, but Nothing (2000), o una nueva representación del espacio infinito, en Infinity Mirrored Room - Filled with the Brilliance of Life (2011), montaje diseñado expresamente para esta ocasión.

 A través de esta magnífica exposición, el visitante podrá realizar un viaje en el tiempo y recorrer, a través de  diversos ambientes, toda la obra de Yayoi Kusama, de la mano de sus dibujos, pinturas, collages esculturas, instalaciones, películas y performances.

La artista protagonsita de esta exposición, Yayoi Kusama, para quienes no la conozcan,  es una de las creadoras japonesas vivas más relevantes del mundo, y un torrente de creatividad que ha intentado siempre romper moldes. Sin lugar a dudas, una retrospectiva de estas características, no te dejará indiferente. Así que, si vives en la capital o puedes escaparte hasta Madrid, aprovecha y visita este museo.

Este es el título de una exposición inter-disciplinaria que recorre el siglo XX y nuestro reciente siglo XXI, eligiendo el atlas de imágenes Mnemosyne como punto de partida.

Esa muestra estará abierta al público hasta el 28 de marzo del 2011, en el Edificio Sabatini, Planta 1 del

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La exposición Atlas no ha sido concebida para reunir maravillosas pinturas, sino para ayudar a comprender cómo trabajan algunos artistas –en relación con eventuales obras maestras– y cómo este trabajo puede considerarse desde el punto de vista de un método auténtico e, incluso, desde un conocimiento transversal, no estandarizado, de nuestro mundo.

En esta exposición no se ven las bellas acuarelas de Paul Klee, sino su modesto herbario y las ideas gráficas o teóricas que brotaron de él; no se ven los modernos “cuadrados” de Joseph Albers, sino su álbum de fotografías realizado alrededor de la arquitectura precolombina.

Tampoco las inmensas pinturas de Rauschenberg, sino una serie de fotografías reuniendo objetos tan modestos como heteróclitos; no se ven las magníficas pinturas de Gerhard Richter, sino una sección de montajes realizados para su Atlas de larga duración; no se ven los cubos minimalistas de Sol LeWitt, sino sus montajes fotográficos en las paredes de Nueva York.

Antes que las pinturas (como resultado del trabajo) han preferido, esta vez, las mesas (como espacios operativos, superficies de juego o realización del trabajo mismo). Y al caminar por la exposición se descubre que los supuestos “modernos” no son menos subversivos que los “posmodernos”, y que éstos no son menos metódicos y preocupados por la forma que los “modernos”. Constituye una nueva forma de contar la historia de las artes visuales alejada de los esquemas históricos y estilísticos de la crítica académica del arte.

Del 22 de septiembre al 28 de febrero del 2011 se viene exhibiendo las obras de Hans-Peter Feldmann (Edificio Sabatini, Planta 3) en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Este museo al igual que el famoso Museo del Prado, es uno d elos lugares muy visitados por los turistas amantes del arte que visitan Madrid.

Precisamente, esta exposición de Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes.

Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes, y ha seguido haciéndolo hasta hoy.

Por eso no es extraño que cuando empezó su carrera como artista, a finales de los años 60, cubriera la parte de atrás de sus pinturas con collages de fotos, o que más tarde hiciera unos libritos modestos con tapas de cartón e imágenes en offset de un mismo tipo de objetos: aviones, camas deshechas, rodillas de mujer, etc.

Los titulaba 2 imágenes (2 Bilder) o 7 imágenes (7 Bilder), según el número que contenían. También comenzó a recoger en las 36 imágenes de un carrete analógico, a la manera de fotos-fijas de cine; hechos triviales: un barco pasando por el río, la mujer de enfrente limpiando la ventana, dos chicas vistiéndose en la piscina.

Años más tarde expandió su reflexión en un libro y una serie de 101 retratos fotográficos que llamó 100 Years(100 años), en cada foto mostraba una persona, de entre ocho meses y un siglo. Las personas retratadas eran familia o amigos del artista.

Para él fue una manera de mediar con el paso del tiempo; para nosotros, la serie hace de bisagra entre la memoria personal y la colectiva, nos recuerda que el tiempo pasa para todos y cuando la recorremos, inevitablemente comparándonos con las personas retratadas de nuestra edad, repasamos 100 años, toda una vida.

Quizás la obra que mejor ejemplifique el espíritu de Feldmann sea su última instalación Shadow Play. Al entrar en el espacio, vemos la pared del fondo cubierta, de lado a lado, por imponentes sombras que se acercan y se alejan. En el centro, entre la pared y el espectador, encontramos unas mesas giratorias llenas de muñecos y objetos baratos que, iluminados por detrás, crean las sombras. En las mesas hay bastante desorden y se ven restos del montaje.

El truco está a la vista, pero la magia no desaparece. Según el artista, “en realidad es un montón de baratijas y desperdicios cuya acumulación crea en nuestros cerebros algo completamente nuevo durante un determinado tiempo: una sombra chinesca”.

Estas sombras nos transportan a la infancia donde cualquier imagen podía ser una ventana a otro mundo, porque el arte, como Feldmann dice, “es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí”.