Museos del Mundo

El Museo de Orsay de París rinde homenaje a la genialidad y el carácter  innovador y pionero de Edouard Manet (1832-1883) en una completa restrospectiva de su obra. Manet, pintor imbuido por su pasión por el arte y de carácter inseguro, rebelde e innovador, es para la Historia uno de los padres del Impresionismo, si bien un estudio detallado de su biografía y obra revela los aspectos menos conocidos para el público y son las claves de esta exposición: la influencia del romanticismo en sus primeros momentos y su mixtura con el realismo, su gran admiración por la pintura barroca española y concretamente por Velázquez y Goya, su compromiso político y su actitud “contradictoria” de participar en las vanguardias, escandalizar con algunas de sus  obras ( su "Olympia" (1863) o "La ejecución de Maximiliano I" (1867)) y tratar al tiempo de ser aceptado por la crítica y el público.

La exposición está compuesta por cerca de 200 obras, constituyéndose en una de las mayores retrospectivas dedicadas a Manet. Un gran esfuerzo de los organizadores que han logrado el préstamo de obras de numerosos museos del mundo, especialmente del Museo Thyssen Bornemisza de Madrid y de algunos grandes museos norteamericanos. El logro ha sido conseguir no sólo exponer los cuadros más famosos del pintor, sino también aquellas obras menos conocidas pero igualmente interesantes, un logro que no permite descubrir a uno de los grandes pintores de la modernidad. Así, Manet es uno de los primeros pintores en mostrarnos a la mujer en toda su diversidad, tanto la mujer de la calle como la mujer burguesa, todas protagonistas plenas, desafiantes ante el espectador. Manet actúa como un historiador, recogiendo las escenas de la vida cotidiana en las que plasma los nuevos cambios de la realidad social.

La muestra se inauguró el pasado 5 de abril en el Museo de Orsay de París y permanecerá abierta hasta el próximo 3 de julio de 2011.

El pintor Eugène Emmanuel Amaury Pineu Duval, que eligió presentarse bajo el nombre de Amaury-Duval a partir de 1833, se destaca entre los más famosos alumnos y más próximos seguidores de Ingres.

Como su maestro, Amaury-Duval es un retratista prolífico, género en el que demostró un gran talento, como lo indica el enigmático y atractivo retrato de Madame de Loynes, también conservado en el Museo de Orsay.

No obstante, su actividad no se reduce en captar los rasgos de sus más ilustres contemporáneos, y conocemos, de su mano, varias composiciones destinadas a capillas o a iglesias.

Precisamente, hay una obra del pintor que es una de las atracciones del Museo de Orsay, llamado El saludo angélico, también llamado La Anunciación, uno de los escasos grandes cuadros religiosos de caballete del artista, encargado por el Estado en 1856 y entregado en 1861.

Preocupado por asociar el color conforme a la línea preconizada por Ingres, Amaury-Duval realiza una pintura de delicado cromatismo. La composición simple, estructurada por las columnas de una pérgola en el fondo, seduce de inmediato los cronistas que vieron combinarse la influencia de Rafael junto con los pintores alemanes contemporáneos, conocidos bajo el nombre de Nazarenos.

Sensible a la simplificación monumental de las figuras y a la voluntaria actualización del decorado, el conservador del Museo del Luxemburgo se hace atribuir El Saludo angélico en cuanto fue entregado, con el fin de que su autor fuese dignamente representado en el seno de las colecciones nacionales.

El artista francés Jean-Leon Gérome estuvo durante tiempo estigmatizado como el emblema de un academicismo estéril, antes que la percepción del artista evolucionase profundamente a lo largo de las últimas décadas. Hoy está comprendido como uno de los grandes creadores de imágenes del siglo XIX.

Y Ud. tiene la oportunidad de ver su obra en el Museo de Orsay con esta exposición La Historia en Espectáculo hasta el 23 de enero del 2011 que te brinda la oportunidad de abordar todos los retos de su obra, de sus fuentes hasta su influencia: la plaza de Gerôme en la pintura francesa de su época, su concepción teatralizada de la pintura de historia, su compleja relación con el exotismo, su uso de la policromía en escultura, su papel de docente, su vinculación con el modelo antiguo, pero también cómo su personalidad cristaliza todo el combate anti-academicista de finales del siglo XIX, y por fin, el afán que suscitó acerca del público y de los coleccionistas americanos.

Más allá de la seducción inmediata y de su accesibilidad, es pues la doble identidad de esta obra, tan salvaje como popular, empujando la obsesión ilusionista hasta la extrañeza, que la hace hoy tan valiosa para los historiadores del arte y del público en general.

Jean-Leon Gerome (11 de mayo de 1824 – 10 de enero de 1904) fue un pintor y escultor francés exponente del estilo conocido como Academicismo, en la línea de Jean Auguste Dominique Ingres o Bouguereau. Los asuntos de su obra van desde la pintura histórica a la mitología griega, así como los temas orientalizantes y exóticos, muy en boga en la época, pasando por los géneros más tradicionales del retrato o el paisaje.

Con Léon-Gérome la tradición pictórica académica alcanzaría su máximo esplendor. El aritsta se formó bajo la tutela de Paul Delaroche, a quien acompañaría a Italia, donde visitaron Florencia, Roma, el Vaticano y las ruinas de Pompeya y Herculano.

Gran viajero, Gérôme realizaría varias excursiones hacia el este del Mediterráneo, además de las mencionadas estancias en Italia. Viajó también a Oriente, de donde traería buena parte de los objetos de su colección de los que se servía para montar sus composiciones. Fue también un gran aficionado al arte de la fotografía, en aquella época en ciernes, y haría un uso documental de sus instantáneas, no disimulado, como apoyo de sus pinturas.

El 17 de febrero se inaugura la muestra sobre Egon Schiele en el Belvedere, como se le llama al Osterreichische Galerie Belvedere en Viena con un centenar de autoretratos y retratos del artista.

A través de estas obras se puede comprender la evolución artística de Egon Schiele y su excepcional talento como retratista. En su breve vida realizó una obra gigantesca, centrada en la representación del ser humano.

Egon Schiele (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt y uno sus los alumnos aventajados quien junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.

Hasta el 24 de enero del 2011 se podrá observar la obra del pintor francés Jean-Leon Gerome en el Museo de Orsay de París.

Gerome estuvo durante tiempo estigmatizado como el emblema de un academicismo estéril, antes que la percepción del artista evolucionase profundamente a lo largo de las últimas décadas. Hoy está comprendido como uno de los grandes creadores de imágenes del siglo XIX.

La exposición brinda la oportunidad de abordar todos los retos de su obra, de sus fuentes hasta su influencia: la plaza de Gerôme en la pintura francesa de su época, su concepción teatralizada de la pintura de historia y su compleja relación con el exotismo.

Igualmente se expresa su uso de la policromía en escultura, su papel de docente, su vinculación con el modelo antiguo, pero también cómo su personalidad cristaliza todo el combate anti-academicista de finales del siglo XIX, y por fin, el afán que suscitó acerca del público y de los coleccionistas americanos.

Más allá de la seducción inmediata y de su accesibilidad, es pues la doble identidad de esta obra, tan salvaje como popular, empujando la obsesión ilusionista hasta la extrañeza, que la hace hoy tan valiosa para los historiadores del arte y del público en general.