Museos del Mundo

La National Gallery o Galería Nacional de Londres, con casi 5 millones de visitantes al año, puede presumir de ser el principal museo de arte de la capital inglesa. Ubicada en la archiconocida zona de Trafalgar Square, entre sus paredes se muestran pinturas europeas desde el año 1250, provenientes de la colección nacional de arte del Reino Unido.

La colección permanente, con cerca de 2.500 pinturas, es propiedad del Estado británico, así que no tendrás que pagar por entrar a verlas, aunque en ciertas ocasiones, debido a la presencia de exposiciones especiales, la entrada puede costar algunas libras.

Fundada en 1824 por John Julius Argenstein, la National Gallery de Londres es a día de hoy, una de las galerías de arte de más renombre internacional. Poco a poco, y sin una colección inicial durante sus primeros años, se ha ido completando gracias principalmente a sus primeros directores, tales como el pintor Sir Charles Lock Eastlake, y se ha ido aumentando su rica colección permanente hasta los dos tercios de la actualidad en gran medida gracias a las donaciones privadas. E

Entre los siglos XVIII y XIX, la aristocracia británica fue indudablemente la más activa de toda Europa comprando obras maestras europeas, y paulatinamente, muchas de estas obras han ido ingresando en la National Gallery.

A pesar de no ser una de las pinacotecas más grandes del mundo, en la National Gallery podrás admirar algunas de las grandes obras maestras de la Historia de Arte, así como su evolución en estilos pictóricos desde el Renacimiento hasta el Postimpresionismo.

En un primer momento, la galería mostraba principalmente arte italiano y neerlandés, sin embargo, en los últimos años ha ido poco a poco aumentando sus obras de arte moderno. Además, podemos decir que es uno de los museos más homogéneos, ya que mientras que la mayoría de pinacotecas son ricas en algunos artistas y escasos en otros, la National Gallery se caracteriza por su variedad y calidad, dentro de la cual sólo se encuentran pinturas, ya que no hay ni esculturas ni objetos decorativos como ocurre en otros museos.

El edificio actual de la National Gallery, de estilo neoclásico, se construyó en 1838, tras diferentes cambios a lo largo de su historia por motivos expositivos. Fue diseñado por William Wilkins, siendo objeto de grandes ampliaciones a cargo de Edward Middleton Barry y Robert Venturi. Desde finales de 2007, la dirección de la Galería está en manos del prestigioso historiador del Arte, Nicholas Penny.

Entre las obras más conocidas de la galería, su máxima joya es La Venus del espejo de Velázquez. También destaca el famoso y más completo fondo de Renacimiento italiano que puede verse fuera de Italia. Sobresalen artistas italianos de renombre como Piero della Francesca, Rafael o Tiziano. Junto al Museo del Prado, la National Gallery montó una antológica exposición que se mostró en ambos museos.

Es ilustre el fondo holandés del siglo XVII que posee, gracias al impulso de la reina Victoria, con cuantiosas obras de Rembrandt. A pesar de que el número de pinturas españolas es escaso, son de una gran calidad, con piezas que van desde Velázquez hasta Goya.

EXPOSICIONES/ACTIVIDADES

- Corot to Monet: A fresh look at landscape from the Collection
Desde: 08/07/2009
Hasta: 20/09/2009

- The Making of a Spanish Polychrome Sculpture
Desde: 21/10/2009
Hasta: 24/01/2010

- The Sacred Made Real: Spanish Painting and Sculpture 1600 - 1700
Desde: 21/10/2009
Hasta: 24/01/2010

- Kienholz: The Hoerengracht
Desde: 18/11/2009
Hasta: 21/02/2010

 
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La Venus del espejo es un cuadro pintado por uno de los máximos exponentes de la pintura española, Diego Velázquez. Es una obra pintada mediante la técnica del óleo sobre lienzo.

Se desconoce si Velázquez pintó La Venus del espejo por propia iniciativa o si se trató de un encargo. Lo que si se sabe es que corresponde a la tercera etapa madrileña del artista y que posee influencias de su segundo viaje a Italia. En concreto, esta fechado ente 1651 y 1660. Se cree que la pintura se ejecutó durante una de las visitas de Velázquez a Roma.

"La Venus del espejo" representa a la diosa en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene su hijo Cupido. Como es de apreciar, se trata de un tema mitológico al que Velázquez da trato mundano. La Venus como una mujer. Algo que llama la atención al contemplar el cuadro es la cabellera morena de la diosa pintada por Velázquez a diferencia de los retratos anteriores en los que la Venus aparece siempre con cabellos rubios.

La presencia de Cupido hace pensar que la figura femenina es Venus claramente. Cupido “gordito” como es de costumbre representarlo, no tiene sus arcos y flechas característicos sino que porta en sus manos una cinta rosa de seda que cae sobre el marco.

Uno de los elementos importantes de la composición, es sin duda el espejo. El espejo dará mucho juego en el conjunto y conectará a la diosa con el espectador. Cupido sostiene este elemento en el que la diosa mira hacia afuera, al espectador de la pintura a través de su imagen reflejada en el espejo. Como es lógico, el espectador, a su vez, puede ver en el espejo el rostro de la diosa que de otra forma no podría contemplar al estar Venus de espalda. Algo a destacar en este punto es que el aspecto borroso del rostro de la diosa ha llevado a pensar que es una mujer fea o vulgar, una aldeana en vez de una diosa.

Los tonos empleados en La Venus del espejo son los rojos, blancos, y grises. Los colores suaves y delicados de la piel de Venus, contrastan con los grises oscuros y el marrón de la pared detrás de su cara. A través de la composición y la colocación de los cuerpos de la obra, las sábanas, el espejo…etc., Velázquez va conseguir la profundidad que muestra el cuadro. Otra de las técnicas empleadas por el pintor español y que dotarán de énfasis a las curvas del cuerpo de Venus, son la representación de los pliegues de las sábanas de la cama donde reposa la diosa.

Tanto la figura de Venus como la de Cupido fueron alteradas durante el proceso de recuperación de la pintura. En este aspecto, los rayos infrarrojos revelaron por ejemplo que Venus estaba originalmente más incorporada con su cabeza vuelta hacia la izquierda.

Finalmente hay que hablar de la modelo que le serviría de inspiración a Velázquez. A lo largo del tiempo se han propuesto diversas identidades para la modelo. Se pensó que podría ser la pintora italiana Lavinia Triunfi, que habría posado para el pintor en Roma. También se habla de que la pintura podría representar a una amante de Velázquez que se sabe que tuvo estando en Italia.
 

 
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El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck. Esta obra está considerada como una de las más notables y reconocidas del artista.

Datado en el año 1434, este cuadro esta realizado mediante la técnica pictórica del óleo sobre tabla y posee unas dimensiones de 82 centímetros de alto por 60 centímetros de ancho.

La obra que representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, es un fiel reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos de la época.

La obra es uno de los primeros retratos conservados de tema no hagiográfico, es decir, relativo a las vidas de los santos. La escena representa a la pareja de pie, en su habitación. El esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras ella apoya la izquierda en su abultado vientre, señal que recuerda a los embarazos. El significado más extendido entre los expertos es que el retrato representa la boda entre ambos.

Lo que más llama la atención del cuadro es el realismo que éste posee y que se puede apreciar en todos los objetos que aparecen pintados de forma minuciosa y que captan la luz y la textura de los mismos de una forma magistral. El cuadro aparece lleno de objetos y esto es algo que también debe resaltarse ya que la mayoría poseen un significado y otros sin embargo, están por estar y sin razón alguna. En este sentido muchos expertos coinciden en señalar que estos objetos buscan mostrar la riqueza de la joven pareja.

El experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky dice que el cuadro interpreta una alegoría del matrimonio y de la maternidad. Para razonar esta afirmación argumenta que el cuadro representa los papeles que tienen los personajes en el matrimonio. Giovanni Arnolfini tiene el poder y su esposa, Jeanne Cenami, mantiene una actitud sumisa.

Los ropajes con los que se cubren ambos muestran su alta posición en la sociedad a pesar de encontrarse en un tiempo veraniego y lucir ropa de abrigo.

En concreto, Jeanne Cenami lleva un vestido verde, el color de la fertilidad aunque no está embarazada, su postura tan solo se limita a delatar el vientre. No sólo utilizan la ropa para mostrar su riqueza, también la van a mostrar a través de la colocación de las naranjas. Esta fruta estaba considerara como un lujo en la época. Otro elemento de ostentación será la alfombra que hay junto a la cama y que procede de Anatolia.

Que aparezca la cama en el cuadro simboliza su pertenencia a la realeza y a la nobleza. Además de representar la pasión por los tejidos de color rojo que la cubren, también representa el lugar donde se nace y en el cual se muere.

Algo que se puede observar al contemplar el cuadro es que el matrimonio aparece descalzo. Los zuecos están esparcidos por el suelo y esto no es casual ya que representa el vínculo con el suelo sagrado del hogar y señal de que se celebra una ceremonia religiosa. Además en aquella época se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.

Sin duda el elemento que mejor muestra la minuciosidad que consigue el pintor es el espejo. Alrededor del espejo se pueden ver diez estaciones del Vía Crucis con lo que el artista nos está dando la clave de la representación del mismo.

Según los expertos, "El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" es el primer cuadro que usa como recurso pictórico el espejo. Posteriormente se podrá ver la aceptación y el éxito de esta técnica ampliamente repetida por diferentes pintores.

Para que fuese una boda como tal nos faltaría el sacerdote y el testigo pero Van Eyck no se olvidó de ellos. Ambos personajes aparecen reflejados en el espejo, un clérigo y el propio pintor que será el testigo de esta boda y que al firmar el cuadro pone de manifiesto la autoría del mismo y testifica al mismo tiempo la celebración del sacramento.

A parte de los zapatos en la parte baja de la escena, también se puede apreciar la presencia de un perro que no está ahí de adorno sino que tiene el significado de la fidelidad. A parte, le da un toque de gracia al cuadro y es de destacar el detalle minucioso conseguido por el pintor en el pelo del perro.
 

 
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El cuadro Los girasoles que se conserva en la National Gallery de Londres pertenece a una serie de cuadros con el mismo tema realizados al óleo por el pintor más destacado del Postimpresionismo, Vincent van Gogh. El expuesto en la galería inglesa concretamente, lo pintó durante su estancia en Arlés, Francia en el año 1888.

El artista holandés llevó a cabo cinco cuadros similares, tres con quince girasoles dentro de un jarrón y dos con un total de doce girasoles. El que se pude contemplar en la National Gallery es el primer jarrón con quince girasoles que pintó Van Gogh. Todos los lienzos de la serie poseen unas dimensiones similares de 93 centímetros de alto por 72 centímetros de ancho aproximadamente.

Según expertos, lo más posible es que Vincent Van Gogh se sintiera inspirado a pintar esta serie debido a su lugar de residencia. El sur de Francia, el sol y el calor sugestionaron al pintor a la hora de llevar a cabo estas obras que son tan reconocidas a nivel mundial y una de las más famosas del artista.

Aunque los cuadros de la serie son similares, no son idénticos y a parte de diferenciarse en el número de girasoles y en algunas tonalidades, también se diferencian por mostrar todas las etapas de la vida de estas plantas. Van Gogh pintaría tanto girasoles en flor como girasoles marchitándose.

En cuanto a los colores, éstos son suaves: amarillos, naranjas y ocres, que Van Gogh emplea en muchas tonalidades y que están aplicados con pinceladas muy fuertes que contribuyen a otorgar plasticidad a la pintura y al mismo tiempo, volumen a los girasoles que poseen cierto relieve. Para resaltar el amarillo de los girasoles se puede observar como Van Gogh introduce pintura verde y azul para los contornos y en algún caso para los fondos del cuadro.
 

 
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Las grandes bañistas de Paul Cézanne es un cuadro realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas dimensiones de 208 centímetros de alto por 251 centímetros de ancho.

La obra Las grandes bañistas de Cézanne fue pintado en 1906 y es la tela más grande pintada por el artista francés. Paul Cézanne trabajó durante siete años en esta obra en el estudio que tenía en Lauves.

Paul va a tratar en numerosas ocasiones el tema de los bañistas pero será en esta obra en la que preste una mayor atención y en la que más trabaje. Según los expertos, la muerte del pintor francés hará que el cuadro quede inacabado. Con su desaparición y su estilo en los últimos años, se anunciará el cubismo.

En esta composición se aprecian dos grupos de figuras de bañistas diferenciados. En el centro de ambos grupos se ve una mancha blanca y parece que una de las figuras acaricia a esa mancha por lo que se ha dicho que podía ser la figura de un perro.

Estos grupos están en primer plano y detrás de ellos se aprecia un río en el que se distingue una figura que podría estar nadando. Pero esta figura no compone el fondo ya que el pintor francés dibuja el otro lado de la orilla del río y a otras dos figuras en el centro de la composición y detrás de ellos, un castillo.

Algo que llama la atención en este cuadro son la forma que tienen los árboles y que encuadran a los grupos de bañistas de ambos lados. Los árboles aparecen inclinados formando una bóveda por encima de las cabezas de las bañistas.

En cuanto a los colores e intensidades, éstos están reducidos a tonos sobrios: el ocre, malva y verde o azul verdoso predominan la composición y dan sensación de frío.
 

 
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