Museos del Mundo

Osterreichische Galería Belvedere

Fri, 04 Dec 2009 16:37:25 +0100

Osterreichische Galerie Belvedere, es uno de los museos más importantes de Austria, situado en el centro de la capital, Viena. Se encuentra en el Palacio Belvedere y desde hace unos años se le llama de manera más breve, Belvedere.

Dentro de la galeria, podemos encontrarnos arte de muchas épocas, desde la Edad Media hasta el Barroco del siglo XXI. En cualquier caso, hay que decir que se enfoca principalmente en pintores austriacos del fin de siglo y del modernismo.

Los artistas más representativos de la colección permanente de esta Galería son principalmente Klimt, Renoir y Monet.

Historia

Lukas von Hildebrandt construyó los Palacios de Belvedere entre 1714 y 1723, como residencia de verano para el príncipe Eugenio de Saboya, que se convirtió en sí mismo, una obra de arte del Barroco Y aquí fue donde después se albergaron cientos de obras de arte.

Se abrió en el año 1903 y se le llamó la Moderne Galerie y se centraba básicamente en la tendencia artística contemporánea vienesa.

Distribución de la Galería

En la actualidad se puede ver en el primer piso o el Belvedere inferior las obras más antiguas y también las exposiciones temporales y muestras especiales.

Las salas mantienen un estilo barroco que procede de la época en la que el príncipe Eugenio de Saboya, utilizaba el palacio para veranear.
Se pueden visitar obras pertenecientes al Clasicismo, la Edad Media y el Barroco. Está la Sala de los Mármoles, la Galería de los Mármoles, la Habitación de oro y la Sala de las Grotescas.

Cerca de aquí se encuentra otra zona del museo que alberga las muestras especiales y es la llamada Casa de la Naranja.

En el segundo piso o el Belvedere superior, se encuentran obras pertenecientes al Clasicismo, al Romanticismo y al Biedermeier. Esta última es una corriente que se desarrolló en la época de la Restauración en el Imperio Austriaco y el resto de Europa Central. Se encuentran obras de los artistas más importantes del siglo XIX. Salas como Terrena, del Carlone, de los Mármoles, la Capilla y la Escalera del Palacio son de un estilo barrio y son una auténtica obra de arte.

Merece la pena visitar los jardines del castillo. Están llenos de esculturas y fuentes y recorriéndolo nos recuerda al Palacio de Versalles. Sin duda, un buen lugar donde acabar la visita a este precioso palacio.

Obras más importantes

Son muchas las obras conocidas que se pueden encontrar en las diferentes salas de esta Galería y no sólo por ser más famosas sino por su gran calidad artística y relevancia histórica.

Sin duda, los cuadros del pintor austriaco Gustav Klimt son muy importantes, especialmente El beso. Pero también hay otro que causó sensación en el momento de su aparición y que se encuentra en esta Galería, “Judith y la cabeza de Holofernes”.

Claude Monet "Gartenweg" o "sendero del jardín"

Egon Schiele "Selbstporträt mit gesenktem Kopf" o "Autorretrato con la cabeza gacha"

y el El abrazo

Rudolf von Alt: "View of Stephansdom, from the Stock-im-Eisen" o "Vista de la Catedral de San Esteban, desde la Bolsa-im-Eisen"

Albin Egger-Lienz "La danza de la muerte de Anno Neun"

Hans Makart "Dame am Spinett" o "Mujer en el piano"

Judith y la cabeza de Holofernes de Gustav Klimt

Thu, 03 Dec 2009 16:36:45 +0100

"Judith y la cabeza de Holofernes" es una obra del artista Gustav Klimt. Es un óleo sobre lienzo cuyas medidas son 84 centímetros de alto y 42 de ancho y data del año 1901.

Son muchos los cuadros que se han pintado en torno a esta historia entre Judith y Holofernes. Klimt consigue dar una vuelta de tuerca a esta historia y le da un toque distinto y vanguardista de los que ya existían.

Judith era una bella dama bíblica, que cuentan que rescató a la ciudad de Betulia de ser destruida y asediada por Holofernes, general del rey asirio Nabucodonosor. Lo consiguió seduciendo y decapitando a Holofernes, tras una cena en la que acabó ebrio, llevando después la cabeza a sus conciudadanos.

Klimt presenta a esta mujer con una imagen erótica y sensual, una especie de femme fatale bíblica. La joven está representada semidesnuda, enseñando un pecho y el ombligo. El otro pecho se deja intuir por debajo de una delicada tela negra semi transparente.

En esta obra aparecen por detrás una decoración bizantina en tonos dorados. El oro también se observa en las joyas que adornan a la mujer y en el velo que cubre parte de su cuerpo.

Con la mano agarra la cabeza de Holofernes que aparece en la esquina inferior derecha. Apenas tiene protagonismo, lo que hace realzar la idea de mujer fatal que surgía en la Europa de principios del siglo XX. Se estaba produciendo una emancipación de la mujer, algo que los hombres consideraban una amenaza porque pensaban que podría derivar en una eliminación de lo masculino como pasa en este episodio bíblico.

Su rostro seductor, delicado y bello contrasta con el hecho de que ha decapitado a este hombre. Es la mezcla de seducción y destrucción. Además, Judith vence con su poder erótico y no por la fuerza, vence con la pasión. Es una unión entre muerte y sexualidad. Mujer sensual y misteriosa.

Es importante destacar el realismo con el que está realizado el rostro de la mujer, tanto que parece una fotografía. Este realismo será muy apreciado por las mujeres burguesas de la época, que fueron retratadas de manera excelente por Klimt. En cambio, ha eliminado la perspectiva, ya que, la figura se presenta en primer plano y renuncia al fondo.

Esta obra fue un escándalo en la burguesía judía de la época en Viena, ya que era la representación de una heroína bíblica que comete un crimen por placer, disfrutando de lo que hacía.

El abrazo de Egon Schiele

Wed, 02 Dec 2009 16:21:49 +0100

"El abrazo" es una obra del pintor austriaco Egon Schiele. Esta pintura es un óleo sobre lienzo de 100 centímetros de alto por 107 de ancho que data del año 1917.

El artista austriaco Egon Schiele es contemporáneo de Gustav Klimt y junto con otro artista Oskar Kokoschka forman lo que se ha llamado el expresionismo austriaco.
Estos artistas muestran un espacio que representa la trágica dimensión existencial del hombre que está en continuo conflicto entre la vida y la muerte.

El abrazo no podría tener mejor título que exprese lo que su autor quiso plasmar con sus pinceladas al dibujar a esta pareja que se funde en un apasionado abrazo. Su textura, la forma en la que está pintado recuerda mucho al que fue amigo del autor, Gustav Klimt.

En la obra aparecen un hombre y una mujer que se abrazan sobre una sábana arrugada blanca y lo que parece una manta. La forma en la que están abrazados recuerda a El beso de Klimt, amigo y protegido del artista.
El hombre es moreno, delgado y sus músculos y huesos están bastante marcados. Tiene una postura algo retorcida.
La mujer también parece delgada y tiene el pelo negro y muy largo y ondulado que cae sobre la almohada.

Probablemente, sea un autorretrato del artista que en ese momento estaba viviendo un momento de felicidad matrimonial. Por desgracia, su mujer murió de la gripe que asoló Europa y tres días después murió Schiele con tan sólo 28 años.

Habría que destacar la gran cantidad de texturas visuales que se plasman en la obra y que sin duda, dotan a la composición de un soporte expresivo muy grande.
Consigue utilizar un lenguaje expresivo y muy original que le da validez al universo pictórico de sus antecesores. Hay una gran tensión emotiva. Se podría decir que Schiele tiene una especie de obsesión erótica y muestra una realidad dramática del ser humano tanto desde el punto de vista físico como desde la moral. Tanto fue así, que hay quien tachó su pintura de pornográfica pero en realidad poseía una gran humanidad.

El beso de Gustav Klimt

Tue, 01 Dec 2009 17:07:01 +0100

"El beso" es una obra muy conocida del artista austriaco Gustav Klimt que se encuentra en la Österreichische Galerie Belvedere. Es un óleo sobre tela con unas medidas de 180 centímetros de ancho por 180 de alto, que data del año 1907-8.

Su título original en alemán es Der Kuss y es casi con seguridad la obra más conocida de este pintor austriaco. Esta pintura llena de colorido es una tela muy decorada a base de mosaicos con figuras geométricas y estampados floreados con un fondo dorado. Se podría decir que sigue los cánones del Simbolismo.

En el centro del cuadro aparecen un hombre y una mujer que se funden en un abrazo mientras él le besa en la mejilla mientras le sujeta la cara cariñosamente. Ella con los ojos cerrados, tiene su rostro dirigido al espectador pero el hombre no, ya que tiene la cabeza girada hacia ella.
El tiene el pelo negro y la piel morena mientras que ella es pelirroja y tiene la piel más pálida pero los labios y las mejillas las tiene sonrosadas.

Hay una gran variedad cromática que van desde los dorados y amarillos hasta los verdes, rojos, rosas, azules, blancos, naranjas e incluso negros.
La mujer parece envuelta en un manto colorido de figuras en forma de círculos pero sobre todo son las flores las que abundan en su pelo y que cuelgan de ella. Él, en cambio, tiene figuras rectangulares y ambos están sobre lo que parece un suelo de flores.

Se han realizado diversas interpretaciones de este lienzo, una de ellas es la de Julio Vives Chillida que apostó por una representación simbólica del momento en que Apolo besa a la ninfa Dafne, que se está convirtiendo en laurel. Este es un relato de la metamorfosis de Dafne que está en la obra de Ovidio. Esto ayuda a darle un sentido metafórico al cuadro.

Klimt hizo un friso en el comedor del Palacio Stoclet de Bruselas, en el que la metamorfosis se consume y se produce el nacimiento de un nuevo laurel, algo que sin duda, le da mayor veracidad a esta interpretación.

Una obra llena de colorido que muestra una mezcla de pasión y dulzura que se refleja en el rostro de ella, en la forma en la que él le besa. Una obra imprescindible para conocer a su artista y a todo lo que representa.

Rijksmuseum de Amsterdam

Mon, 02 Nov 2009 23:04:02 +0100

El Rijksmuseum o Museo Nacional de Ámsterdam es sin duda, uno de los más importantes de Europa. Especialmente, por una razón: posee la colección más famosa de pinturas del Siglo de Oro holandés y una gran colección de arte asiático y egipcio.

Este museo está dedicado al arte, la artesanía y la historia. Además de pinturas también posee esculturas y numerosos grabados.

El Rijksmuseum se fundó en 1800 y su primera sede fue el Palacio de Frederik Hendrik en Huis ten Bosh, cerca de La Haya. Era conocido como la Galería Nacional de Arte.

Se trasladó a Ámsterdam ocho años después de su fundación por orden del rey Luis Bonaparte, dentro de la política cultural diseñada por Napoleón para los países cercanos a Francia, como era el caso de Holanda.

La colección se instaló en unas salas del Palacio Real y se limitaba a los fondos procedentes de La Haya y otros cuadros que pertenecían a Ámsterdam, como el conocidísimo cuadro de Rembrandt, la Ronda de noche.

Durante el siglo XIX, el museo cambió varias veces de ubicación, ya que, la colección se fue ampliando y fue necesario más espacio para albergar tantas obras y de tanta calidad artística.

Fue en 1885 cuando se trasladó al lugar que ocupa actualmente. Un edificio impresionante que mezcla el estilo gótico y el renacentista. Fue construido por Pierre Cuypers, un arquitecto holandés, que lo decoró con referencias a la historia del arte holandés.

Está situado en la llamada Plaza de los museos, cerca del Museo de van Gogh y del Stedelijk. Tiene una planta rectangular de 135 metros en su lado mayor. La estructura se dispone alrededor de dos patios simétricos, ocupado el centro por las entradas.

Este museo alberga obras de artistas tan importantes como Rembrandt, Vermeer, Heemskerck Hals, van Leyden, Ruysdael, van Scorel, di Cosimo y van Rijn, entre otros muchos.

Desde el 2003 el museo se encuentra en obras de restauración y renovación. Un proyecto, que están llevando a cabo dos arquitectos españoles, Cruz y Ortiz.

El Rijksmuseum merece la pena visitar por albergar obras de gran calidad de artistas holandeses pero también extranjeros como Goya y maestros italianos del Renacimiento y Barroco.

La ronda de noche de Rembrant

Mon, 02 Nov 2009 23:00:11 +0100

La ronda de noche es una de las pinturas más conocidas del artista holandés Rembrandt. Es un óleo sobre lienzo pintado entre 1640 y 1642 y tiene unas dimensiones de 359 centímetros de alto por 438 de ancho.

Su nombre original fue La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg. La obra fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar la sede de la milicia.

En esta pintura podemos ver la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da la orden de marchar al alférez Willen van Ruytenburch, indicándoselo con la mano.

Detrás, están los miembros de la Compañía que pagaron unos cien florines al pintor para aparecer en el cuadro. Esto era un auténtico honor, ya que, suponía un reconocimiento público de su labor en la milicia.

Es de suponer que los dos oficiales pagarían más por tener un lugar privilegiado en el cuadro, especialmente el capitán Cocq. Además, está el teniente de la compañía, que al tener una estatura muy baja, Rembrandt intentó realzar su figura poniendo un tono amarillo a su uniforme.

Llama la atención la presencia de tres niños corriendo y un perro, por no ser de la misma temática que el resto de la escena. Pero es la niña la que se considera una figura clave por ser la única femenina. Aparece como un rayo de luz en mitad de la penumbra, ya que, parece que las sombras no pueden tocarla.

Rembrandt utiliza el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre penumbra y luz. A pesar del realismo con el que está concebida la obra, la luz no se presenta de forma uniforme sino que ilumina a ciertos personajes y deja a otros en la sombra.

Los tonos del lienzo son principalmente, los tierras y ocres. Aunque hay que destacar el rojo, los blancos, amarillos y negros de algunos trajes.

Sin duda, una obra tremendamente realista por la verosimilitud con la que están representados los personajes y el movimiento que se siente al observarlos, aunque las figuras no sean totalmente nítidas. Los rostros, los gestos y las actitudes están captados de una manera extraordinaria, y a pesar de que, en su momento, pasó desapercibido para la crítica, hoy en día, es una de las obras más importantes.

La lechera de Vermeer van Delft

Mon, 02 Nov 2009 22:52:47 +0100

La lechera es una obra del artista holandés Johannes Vermeer van Delft. Pintado entre 1658 y 1660, es un óleo sobre lienzo de 45,4 centímetros de alto por 41 de ancho.

El único personaje es una mujer. Una criada que Vermeer quiere presentar como alguien humilde, trabajadora y concentrada en sus tareas diarias.

La mujer está vertiendo leche de una jarra sobre un cuenco, con la cabeza agachada. Parece aceptar, de una manera natural, su destino sirviendo a otros.

Hay más elementos que merecen la pena resaltar. El bodegón, situado en primer término, está formado por un cesto con pan, algunos panecillos, un cuenco de barro con leche y una jarra. Algunos expertos, señalan que los panecillos son una alusión a la eucaristía, y la leche a la pureza.

Además, aparece una ventana, algo habitual en la pintura de Vermeer que sobre todo pintaba interiores, donde la ventana suele aparecer a la izquierda, por la que entra la luz que ilumina la estancia. Una habitación humilde, que se percibe en las grietas y agujeros de las paredes.

La luz tiene una importancia vital en esta pintura, ya que, inunda la estancia. Algo que el artista lo representa con la técnica del pointillé, a base de puntos, que en este caso, dan una sensación de puntos de luz.

En cuanto a los colores de “La lechera”, destaca especialmente el amarillo y el azul del vestido y que además, son los colores holandeses. También hay ocres, grises, marrones y blancos.

Vermeer normalmente presenta a la mujer como un vehículo para criticar los vicios de la sociedad holandesa de aquella época pero en este cuadro se la presenta como un modelo a seguir, por sus virtudes y ensalza la figura de la criada.

Están todos los elementos característicos de su estilo: el juego de luces y sombras, los colores, la perspectiva lineal y el realismo.

Una obra sencilla, íntima y bella, donde la iluminación de sus pinceladas y la sensibilidad del artista se plasman en cada detalle de la misma. Pintura, que por suerte, fue apreciada desde el principio pagando un precio muy elevado para la época.

Los síndicos de los pañeros de Rembrandt

Mon, 02 Nov 2009 21:26:20 +0100

Los síndicos de los pañeros es una obra del artista holandés Rembradt. Con fecha de 1662, es un óleo pintado sobre lienzo con unas medidas de 191,5 centímetros de alto y 279 de ancho.

Esta pintura se realizó para la Corporación de Fabricantes de Paños de Ámsterdam y en ella aparecen cinco síndicos y un empleado de la Corporación. El síndico era una persona encargada de garantizar la calidad de los tejidos fabricados por el gremio. Eran elegidos por un año y se reunían tres veces a la semana. Eran miembros de una cofradía o comisión y pertenecen a distintas confesiones.

El personaje que aparece en el centro del cuadro, delante del libro de contabilidad, es Willen van Doeyemburg, el síndico que preside la mesa. A su alrededor, se encuentran los demás síndicos. Todos vestidos de negro, con cuellos blancos y sombreros de ala ancha y con un semblante serio, como queriendo expresar la importancia de su trabajo a través del gesto.

Sus nombres: Jacob van Loon, Volckert Jansz., Aernout of of the Meye y Jochem the Neve. Al fondo, de pie, está Frans Hendricksz, el empleado de la Corporación, vestido también de negro y cuello blanco pero sin sombrero.

Los colores son básicamente el negro, rojo y ocres. Es habitual en los cuadros del artista ver los contrastes entre zonas de luz y de sombra que en este caso aumenta por el negro de los trajes y el blanco de los cuellos.

Una curiosidad de la obra: Rembrandt lo firmó en dos sitios: una en el tapete y otra en la pared.

A través de rayos X se descubrió los cambios que hizo el artista durante el tiempo que tardó en realizar la obra, lo que es una muestra del interés que tenía para que les gustara a sus clientes y saliera bien.

Una vez más, Rembradt recurre a los retratos colectivos, de los que se convirtió en todo un experto. A través de sus obras conseguía mostrar las diversas clases sociales y religiosas de Ámsterdam.

El molino de Wijk bij Duurstede de Jacob Ruysdael

Mon, 02 Nov 2009 20:54:11 +0100

La obra de El molino de Wijk bij Duurstede es del pintor holandés Jacob Ruysdael. Es un óleo sobre lienzo pintado en el año 1670 que tiene unas medidas de 83 centímetros alto y 101 de ancho.

El autor fue un conocido paisajista de la época y este por tanto, uno más de sus maravillosos paisajes. En él aparece un río, un molino, una iglesia y varios barcos.

El cielo juega un papel muy importante y especialmente dramático debido a la gran cantidad de nubes que hay y al hecho de que ocupe las dos terceras partes del cuadro. Un cielo que, anuncia tormenta aunque no hay rayos que lo evidencien.

El río que se puede ver es la desembocadura del Rin en Wijk bij Duurstede. Esto se puede reconocer gracias a que el artista lo quiso dejar claro pintando el castillo y la iglesia de St.Maarte.

Jacob Ruysdael, solía pintar la naturaleza de una manera mucho más impresionante de lo que era en realidad, dando un aspecto mucho más dramático a sus obras.

Los paisajistas holandeses del siglo XVII, a diferencia de siglos anteriores, utilizaban puntos de vista muy bajos, lo que permite que salga mucho más cielo. Además, esta forma de pintar hace que ciertos elementos destaquen más. Es el caso del molino en este cuadro, en el que éste aparece en lo alto parece que se le está dando una especial importancia.
La gama cromática es impresionante: azules, verdes, ocres, grises, blancos, marrones y negros.

Sin duda, el pintor consigue acercar al espectador la naturaleza más pura y lo hace ensalzando aquellos aspectos de la misma que considera más interesantes. Como ya hemos señalado, los pintores de la época exageraban los paisajes que pintaban pero, sin duda, Ruysdael conseguía hacerlo de una manera extraordinaria.
Gracias a esto consiguió ser uno de los paisajistas más importantes de los Países Bajos y de la historia de la pintura.

El infanticidio de Belén de Cornelis van Haarlem

Mon, 02 Nov 2009 20:25:59 +0100

El infanticidio de Belén es una obra del pintor Cornelis van Haarlem. Data del año 1590 y tiene unas medidas de 245 centímetros de alto y 358 de ancho.

Era habitual en él pintar retratos, y temas mitológicos y bíblicos. De hecho, este cuadro representa la escena evangélica de la masacre de los recién nacidos de Belén por orden de Herodes. El pintor ha querido representar este suceso bíblico con un gran dramatismo.

Esta escena destaca por su dramatismo y expresividad. Con un castillo de fondo, la Judea del siglo I, representada al fondo con la arquitectura renacentista. Destaca especialmente el enorme arco del fondo.
Delante se pueden ver protagonistas las decenas de cuerpos que aparecen. Cuerpos atléticos en su mayoría, que se presentan con violentas contorsiones. La tensión de los personajes y la perspectiva forzada caracterizan el arte holandés del siglo XVII.

El manierismo se evidencia en la descomposición de algunos rostros que son alargados o desencajados para mostrar una expresión de angustia, llanto o dolor.
Hay que destacar el “soldado” que aparece en el centro de la obra que agarra a un niño. Esto es un ejemplo de cómo predomina la estética sobre el realismo.

En cuanto a los colores hay que decir que no se corresponde exactamente con la realidad sino que se intenta plasmar una emoción determinada. Los tonos son fríos, artificiales, algo extraños. Verdes, blancos, amarillos, marrones, algún rojo, azul o rosa. Pero especialmente, contrasta el color de unos cuerpos de tonos más naturales con otros que son casi blancos, como si fueran estatuas.

El artista formó parte de un grupo de pintores llamados “Los manieristas de Haarlem”. Cabe destacar de él su preferencia por el desnudo y los temas que permiten un tratamiento sensual.

El alegre bebedor de Frans Hals

Mon, 02 Nov 2009 20:02:01 +0100

El alegre bebedor es una obra del artista neerlandés Frans Hals. Lo pintó entre 1967 y 1628 y tiene unas medidas de 81 centímetros de alto y 66,5 de ancho.

Esta obra es considerada como uno de los grandes descubrimientos de la historia de la pintura por su movimiento, la vitalidad del personaje y por su pincelada, casi impresionista.

Es un retrato individual en el que el personaje mira de frente y saluda con su mano derecha. En la otra mano sostiene una copa de vino que tiende hacia el espectador. Es un hombre de mediana edad, vestido con la ropa de la época: un chambergo amplio con los puños y el cuello blancos. Además, lleva un medallón con la efigie del príncipe Mauricio de Orange. No se sabe quién es.

El personaje transmite simpatía y cercanía con el espectador. Tanto es así, que nos acerca la copa de vino como haciéndonos partícipes de su borrachera. No sólo la forma en la que está pintado el cuadro sino el tamaño al natural, parece que sea más real. Esto era algo habitual en el Barroco: buscar una ilusión en el espectador creando objetos que se “salgan” del cuadro.

Los colores son más bien claros: ocres, marrones, blancos y amarillos que contrastan el único toque oscuro del cuadro: el sombrero negro. Las luces están muy trabajadas y dan la impresión de realismo gracias a sus brillos y su fuerza.

Un retrato que transmite vitalidad, optimismo y parece que los elementos están visualmente muy cerca, intentando romper el límite del cuadro hacia delante.

Pinceladas rápidas, en las que se puede apreciar perfectamente los trazos donde no son importantes los detalles sino la esencia del personaje. Hals intentaba reflejar en sus cuadros la personalidad de quien retrataba, plasmar su alma. Fue uno de los grandes retratistas de su tiempo, como Rembrandt y Velázquez.

La carta de amor de Vermeer

Mon, 02 Nov 2009 19:45:56 +0100

La carta de amor es una pintura del artista holandés Johannes Vermeer. Es un óleo sobre lienzo que tiene un tamaño pequeño, 44 centímetros de alto y 38,5 de ancho. Su fecha aproximada data de 1669-70.

En la obra se observa a dos mujeres: una está sentada con un laúd en su mano izquierda. En la otra, sostiene una carta que le ha entregado la otra mujer, la sirvienta, que se encuentra de pie.

La mujer de la casa es joven y va bien vestida, con un traje de la época de color amarillo y remates en blanco que demuestra que es de clase pudiente. Parece que estaba tocando el laúd y deja de tocarlo cuando se acerca la sirvienta para entregarle la carta de amor.

En primer plano, se puede observar una especie de pasillo con una cortina y una silla con lo que parecen unas partituras a la derecha y una especie de mapa en la izquierda.

Esto crea una sensación al espectador de estar viendo una escena privada, íntima y personal, ya que lo primero que se ve es una puerta abierta y las protagonistas están al fondo, lo que da mayor profundidad de espacio.

El tipo de suelo, en damero (ajedrezado) es algo habitual es las obras de Vermeer y de otros pintores holandeses del siglo XVII. Este elemento le da tridimensionalidad a la imagen.

El hecho de que estén iluminadas y que el primer plano esté en sombra, les da más protagonismo a ellas y profundiza la escena.

Se ha interpretado cada elemento del cuadro y se ha dado una simbología determinada. Por ejemplo, el instrumento que sostiene la dama es el laúd, que en el siglo XVI se consideraba un símbolo de amor. Hay unos zuecos tirados en el suelo que significa amor ilícito y la escoba o el cesto representan lo doméstico, como si ese tema lo hubiera dejado abandonado. La chimenea y el cuadro de la marina también representan las pasiones amorosas.

Los colores son muy variados: destacan el amarillo del traje de la mujer pudiente y el azul de la sirvienta. También hay blancos, marrones, naranjas y tonos oscuros en la parte de la sombra.

Un cuadro muy realista en cuanto a la calidad de la pintura ya que la perspectiva parecen totalmente reales, casi parece que estamos dentro espiando a las dos mujeres.

La novia judía de Rembrandt

Mon, 02 Nov 2009 19:35:35 +0100

La novia judía es una obra del artista holandés Rembradt pintada en 1666. Es un oleo sobre lienzo de 121,5 x 166,5 cm.

En el cuadro aparecen dos personas: un hombre en la izquierda y una mujer joven a la derecha. Ambos están vestidos con ropajes que demuestran que son de clase alta. El hombre abraza a la chica con su brazo alrededor del hombro y con la otra mano (la más visible al espectador) toca suavemente el pecho de ella. Mientras, la mujer le agarra su mano de una forma muy cariñosa. Ella tiene muchas joyas que adornan su atuendo: pendientes, un collar, pulseras y anillos.

Se han dado diversas interpretaciones sobre la identidad de la pareja pero hoy en día realmente se desconoce.

El nombre actual de la pintura: La novia judía se le dio a principios del siglo XIX. Un coleccionista de arte de Ámsterdam identificó el tema como el de un padre judío que le regala a su hija un collar el día antes de su boda.

Esta interpretación ya no es aceptada y todavía no se sabe a ciencia cierta quiénes son. Esta ambigüedad se debe a la falta de contexto anecdótico y sólo deja claro un tema universal como lo es el amor en una pareja.

Las especulaciones sobre la pareja fueron tantas que incluso se llegó a decir que era el hijo de Rembrandt y su novia.

También se ha pensado en que fueran parejas del Antiguo Testamento como Abraham y Sarah o Boaz y Rut. Quizás lo más probable sean Isaac y Rebekah por cómo son descritos en el Génesis 26:8, algo que además se aprecia en un dibujo que hizo el artista sobre el mismo tema.

Los colores son amarillos, verdes, marrones, negros y sobre todo el tono que más destaca es el rojo del vestido de la mujer.

Respecto a la relación que tenía Rembrandt con los judíos hay que decir que en el Amsterdan del siglo XVII, la población sefardí se estableció en la ciudad. Allí vivió el pintor y absorbió parte de la cultura judía. Una cercanía que plasmó en sus obras e hizo escenas del Antiguo Testamento, en las que pintaba textos en hebreo y sus personajes tenían atributos judíos.

Retrato de Anna Codde de Maerten van Heemskerck

Mon, 02 Nov 2009 19:12:32 +0100

El cuadro Retrato de Anna Codde es del artista holandés Maerten van Heemskerck y data del año 1529. Es un óleo sobre tabla cuyas medidas son 84,5 centímetros de alto y 65 centímetros de ancho.

Esta obra tiene como protagonista absoluta a Anna Codde. La mujer aparece hilando con una de las herramientas que se utilizaban en la época para hilar. Con una mano gira la rueda de madera y con la otra sujeta el hilo.

Su vestimenta está acorde con la labor que está realizando y el tiempo en el que se pintó el cuadro, en el siglo XVI.

Lleva un vestido con las mangas muy abullonadas y de color marrón rojizo. El corpiño negro y los puños y en el cuello hay tonos blancos. Además, lleva una especie de cofia de la época en blanco.

Además, de la mujer y de la máquina de hilar, se puede observar parte de la estancia en la que está situada la acción.

Los colores de la obra son más bien oscuros: marrones, negros, ocres y verdes fuertes. Los únicos puntos de luz del cuadro se sitúan en las manos y la cara de la hilandera donde predominan los tonos rosados y blancos. También los puños, el cuello, la cofia y el hilo están en color blanco, probablemente para destacar así con mayor luminosidad el trabajo de la mujer.

El estilo manierista flamenco del artista se observa en este retrato. Algo que aprendió de manera indirecta porque no podía viajar a Italia hasta que por fin lo consiguió. Su estética sofisticada y ornamental hacía que pintara las figuras de manera alargada que recordaban a Tintoretto y a El Greco.

Esta obra demuestra que Marten van Heemskerck era uno de los mejores retratistas del siglo XVI. Además, era un gran pintor religioso, famoso por sus pinturas de las Siete Maravillas del Mundo.

María Magdalena de Jan van Scorel

Mon, 02 Nov 2009 19:02:04 +0100

La obra de María Magdalena es del pintor holandés Jan van Scorel. Es un óleo sobre madera de 67 centímetros de alto y 76,5 centímetros de ancho.

En el cuadro aparece María Magdalena con un paisaje de fondo amplio y luminoso. A su derecha hay un tronco de árbol y al otro lado y detrás hay montañas y una arboleda. La mujer tiene la mirada fija en el espectador, algo muy habitual en la época. Va vestida con unos ropajes muy recargados y decorados. Lleva una túnica de colores que llama especialmente la atención.

El vestido es de color azul oscuro con mangas largas y tiene un remate de perlas cruzadas. Debajo lleva una camisa blanca de tela muy fina. El vestido lleva letras hebreas bordadas en el corpiño y estaban orientadas a evocar sus orígenes en Magdala en Tierra Santa.

Tiene el pelo rubio, algo habitual en la época. Además, lleva en las manos un tarro de ungüento que hace referencia a los relatos bíblicos, donde se limpió y ungió los pies de Cristo.

Los colores son muy variados sobre todo en María Magdalena: azules, rojos, anaranjados, blancos, amarillos, etc. Mientras que en el paisaje predominan los verdes, grises y blancos.

A este artista se le atribuye la introducción del arte del Alto renacimiento italiano en los Países Bajos. Grandes maestros han ejercido una gran influencia en su técnica. Viajó por toda Europa y fue aprendiendo y pintando nuevas obras a su paso por distintas ciudades. A su vuelta a los Países Bajos se estableció en Utrecht y comenzó se carrera como pintor y maestro. Fue un políglota gracias a sus múltiples viajes y dejó una gran riqueza de retratos y retablos.

Paisaje de invierno con patinadores de Hendrick Avercamp

Mon, 02 Nov 2009 18:56:30 +0100

La obra Paisaje invernal con patinadores sobre hielo es del pintor holandés Hendrick Avercamp. Mide 77,5 centímetros de alto y 132 de ancho. Data del año 1609.

Es un paisaje, género que se independizó como tal en el siglo XVII en los Países Bajos precisamente.

Era muy habitual en Avercamp pintar muchos cuadros de paisajes nevados. La mayor parte de las veces representa el horizonte muy alto, como en esta obra, de tal manera que tiene un campo de visión más amplio en el que puede explayarse más al dibujar.

En esta obra aparecen diversos grupos de personas divirtiéndose en el hielo: patinando, practicando jockey o simplemente jugando. Hay muchos tipos de personas: adultos, niños, parejas, familias, personas solas, etc.

También se observan varias casas, una iglesia y algunos árboles. De esta forma se puede ver claramente que se trata de un pueblo o una ciudad pequeña.

Es un plano muy general que da un aspecto de inverno, por la nieve y esa especie de neblina que envuelve toda la imagen y que da sensación de frío.

En cuanto a los colores son bastante variados pero no son muy luminosos. Abundan los blancos, grises, azules, naranjas y amarillos. También hay algún rojo, negro o verde, sobre todo para los trajes de la gente.

Una curiosidad: Avercamp solía pintar en sus cuadros de paisajes a una persona orinando. ¿Te atreves a encontrar el de esta obra?

Además, su firma aparece en un cobertizo. ¡A ver si la encuentras!

Tríptico del becerro de oro de Lucas van Leyden

Mon, 02 Nov 2009 18:46:37 +0100

El Tríptico del becerro de oro es del pintor Lucas van Leyden. Es un óleo sobre tabla del año 1530 cuyas medidas son de 92,5 centímetros de altura y 127 de ancho.

Lucas van Leyden destacó entre los primeros miembros de la pintura de género holandesa y está considerado uno de los mejores grabadores de la historia del arte.

Con tan sólo 13 años ya hizo su primer grabado y a lo largo de su vida realizó más de 200 grabados, diseños para xilografías, etc. La mayoría eran de temática religiosas o alegóricas.

Este tríptico es una demostración más del sentido monumental que le da el artista a sus obras en la composición de las figuras. Utiliza normalmente la perspectiva aérea para abarcar de esta manera, mayor superficie. Aún así, es curiosa la minuciosidad con la que están dibujados los ropajes y la caracterización de los personajes que aparecen en sus obras.

Esta obra relata la historia de los Hijos de Israel, encabezados por Moisés, de Egipto a la tierra prometida. Cuando alcanzaron el Monte Sinaí, levantaron el campamento. Moisés subió a la montaña y allí se recibió de Dios los Diez Mandamientos.

Cuanto más tiempo estuvo Moisés en el monte, los israelitas fueron perdiendo la fe en Dios. Aunque estaba prohibido, hicieron un ídolo, un becerro de oro. Todos comenzaron a celebrarlo: comían, bebían, bailadan y hacían el amor.

Esto es lo que refleja esta obra que parece divirse no sólo en tres por ser un tríptico sino en dos partes. La inferior es donde se puede ver a todo tipo de personas en lo que parece una celebración y en la parte superior la gente está corriendo hacia el monte donde destaca un cielo gris y turbulento.

Los colores destaca los verdes, grises y azules del paisaje en la parte superio, y colores más llamativos como el de los ropajes de los personajes: rojos, blancos, amarillos, marrones, en la parte inferior.

Giuliano de Sangallo de Piero di Cosimo

Mon, 02 Nov 2009 18:20:23 +0100

Esta obra es un retrato a Giuliano da Sangallo del pintor italiano Piero di Cosimo. Es un óleo sobre madera que se realizó entorno al año 1500. Su tamaño original es de 47,5 centímetros de alto por 33,5 de ancho.

Este cuadro de Piero de Cosimo tiene como personaje protagonista a Giuliano de Sangallo, que en la década de 1470 fue el principal arquitecto de Florencia. De hecho, diseñó varios edificios importantes de Lorenzo de Medici. No sólo era arquitecto también era tallista, ingeniero militar y escultor.

En este retrato, Giuliano, está representado detrás de un parapeto cubierto por una tela de rayas. En él hay dos herramientas de su oficio: la pluma y el compás.

Este cuadro está al lado de otro del mismo artista que retrató al padre de Giuliano de Sangallo, Francesco Giamberti, también arquitecto y músico.
Normalmente se retrataba a parejas casadas pero también se realizó algunos retratos masculinos.

Giuliano encargó el cuadro tras la muerte de su padre y lo añadió al suyo. La pluma y el compás se añadieron más tarde a la imagen.

Las rayas pintadas en la parte inferior al cuadro forman una línea con el retrato del padre, pareciendo una continuación de las dos obras.

En cuanto a la variedad cromática destaca sobre todo el negro del traje y el sombrero del retratado. El cuello de la camisa es blanco y su pelo es grisáceo por las canas.

En el paisaje destaca especialmente el azul del cielo y las montañas en tonos ocres y verdes oscuros.

La tela de rayas de colores es roja y naranja básicamente, que es lo que más color da en la obra.

Museo Hermitage de San Petersburgo

Mon, 05 Oct 2009 14:46:28 +0200

El Hermitage de San Petersburgo (Rusia), es uno de los mejores museos de antigüedades del mundo, siendo considerada la segunda pinacoteca más completa tras el Museo del Prado.

Toda su colección se recopila alrededor de 6 edificios cercanos a la orilla del río Neva, de entre los cuales destaca el Palacio de Invierno, principal residencia oficial de los antiguos zares. Los otros cinco inmuebles del complejo arquitectónico del Museo Hermitage tienen una menor importancia pero de ellos podemos recalcar el gran valor del Palacio Menshikov o el Edificio del Estado Mayor.

El museo, tal y como se conoce hoy día, forma parte de los Museos Estatales desde 1917, a partir de varias colecciones privadas que los zares fueron adquiriendo a lo largo de los siglos.

Actualmente, entre sus paredes alberga más de 3 millones de obras, abarcando todo tipo de temáticas, desde antigüedades romanas y griegas, hasta cuadros y esculturas de Europa Occidental, arte oriental, piezas arqueológicas, arte ruso, joyas o armas. El Museo del Hermitage se expande año tras año gracias a muchas colaboraciones con diversos museos en el extranjero, como las exposiciones del Guggenheim Hermitage en Las Vegas (EE.UU.), el museo Hermitage Amsterdam (Holanda) o las salas londinenses del Hermitage en la Somerset House (Reino Unido).

La película “El arca rusa” de Aleksandr Sokúrov, nos lleva en un viaje por el interior del museo, a su historia y a su contenido, rodada en una sola toma de hora y media de duración, sin cortes (plano secuencia).

El Museo del Hermitage tiene una gran historia, sobre todo, relacionada al Palacio de Invierno, donde alcanzó el poder e hizo establecer su residencia la emperatriz Catalina la Grande tras su golpe de estado en Rusia.

En el año 1764, Catalina se hizo en Berlín con una colección de 225 cuadros de pintura holandesa y flamenca, comenzando a decorar el palacio con todo tipo de obras de arte provenientes de Europa Occidental y comprando todo tipo de obras en venta. Los diplomáticos rusos en Europa estaban encargados u obligados a comprar todo tipo de objetos y obras de arte para llevar al Palacio de Invierno.

Durante esta época se adquirieron la mayoría de obras del Museo, y en una carta enviada por Catalina a Milchor Grimm, contaba que además de cuadros de grandes pintores como Rafael, su colección privada, una de las más grandes de Europa, contaba con 38.000 libros, más de 10.000 esculturas y cerca de 10.000 dibujos y grabados.

En 1815, cuando el Zar Alejandro I de Rusia entró con sus tropas en París, compró una gran cantidad de obras para el Hermitage. En 1837, un gran incendio en el Palacio de Invierno destrozó gran parte de su interior. Por eso y para evitar que el fuego se extendiera al pequeño Hermitage, desmontaron todas las conexiones entre los dos palacios.

En 1852, el emperador Nicolás I de Rusia convirtió el Hermitage en un Museo Imperial, tras comprobar que en el resto de Europa empezaban a afianzarse el sistema de Museos estatales. La inauguración oficial ocurrió el 5 de febrero de ese mismo año, aunque sus puertas sólo abrieron a las clases altas.

Desde 1904, el Palacio de Invierno dejó de ser residencia imperial, hasta que en 1914, durante la Primera Guerra Mundial, el Hermitage pasó a ser un Hospital, y las colecciones, para su seguridad, fueron trasladadas a Moscú. No volvieron hasta el año 1924.

En 1941, cuando las tropas alemanas entraron en Rusia, se inició la mayor evacuación de obras de arte de la historia, sólo por detrás de la ocurrida durante la Guerra Civil Española en el Museo del Prado. Miles de voluntarios embalaron más de un millón de obras, para trasladarlas en tres trenes hasta Sverdlovsk, en los Urales. Dos de ellos llegaron a su destino, pero el tercero no pudo salir debido a que comenzó el asedio nazi sobre la ciudad. Al final de la Segunda Guerra Mundial, el museo volvió a abrir sus puertas al público, con las obras evacuadas que volvieron a ser colocadas en su lugar de origen.

El Ejército Rojo a su vuelta de Berlín se trajo numerosas obras que acabaron en el Hermitage, sobre todo de obras impresionistas y postimpresionistas de colecciones privadas. El gobierno ruso prohibió por ley la devolución de obras en caso de que se demuestre que los dueños financiaron económicamente al régimen nazi.

Consulta las obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

HEBE de Antonio Canova

Fri, 02 Oct 2009 14:41:29 +0200

Hebe es una escultura del artista italiano Antonio Canova. Este escultor neoclásico es el que mejor plasmaba la belleza ideal y esto ha quedado reflejado en sus obras de incomparable calidad artística y reconocidas a nivel mundial.

Sus humildes orígenes obstaculizaron su formación como artista y que le condujo a otros oficios hasta su traslado a Venecia donde comenzó a estudiar escultura.

Las esculturas de Hebe hacen alusión a motivos clásicos y mitológicos. Este es el caso de Hebe, escultura de gran belleza realizada en mármol y metal. El metal se aprecia en los objetos que la figura mitológica porta en sus manos, una jarra y una copa que dotan al conjunto de un aspecto novedoso y alejado de las esculturas neoclásicas tradicionales.

Hebe fue esculpida por las manos del artista italiano a partir de 1805. La escultura representa a hija de la juventud, Hebe, joven fruto de la unión de los dioses Zeus y Hera. Según la mitología, Hebe era la encargada de servir el néctar de los Dioses y es la personificación de la juventud por ello Antonio Canova la representaría con una jarra y una copa, mostrando así su función en el mundo de los dioses la de “copera” según el lenguaje mitológico.

La figura de Hebe posee unas dimensiones de 162 centímetros, la diosa de la juventud aparece con un pie adelantado y semidesnuda. Antonio Canova esculpe la parte inferior de la diosa, de la cintura a los pies, con una ligera tela anudada a la cintura y cuyos pliegues dejan vislumbrar las piernas y la figura de Hebe que aparece con el cabello recogido según los peinados típicos de la época.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA MADONNA LITTA de Leonardo da Vinci

Fri, 02 Oct 2009 14:31:09 +0200

La Madonna Litta es una obra surgida de los pinceles y técnica del pintor italiano del Renacimiento, Leonardo da Vinci. Esta obra que posee unas dimensiones de 42 centímetros de alto por 33 centímetros de ancho y esta realizada mediante la técnica pictórica del temple sobre tabla. Posteriormente fue transferida a tela.

Según los expertos, el encargo de La Madonna Litta corrió a cuenta de los Visconti durante la estancia de Leonardo da Vinci en Milán. Posiblemente esta obra fue pintada en el año 1480.

El cuadro representa a una Virgen con el Niño. Del original se hicieron numerosas réplicas y copias de otros pintores renacentistas. Aunque los expertos en arte coinciden a la hora de atribuir la obra a Leonardo da Vinci, algunos autores no se muestran del todo convencidos y señalan que alguna parte de la pintura podría haber salido de los pinceles de Boltraffio, uno de los alumnos de Leonardo. Sustentan esta frase al contemplar los perfiles de las figuras que no se corresponde con la técnica de Leonardo.

Aunque su encargo inicial como ya apuntamos anteriormente correspondió a la familia Visconti, en concreto a Pirro Visconti Borromeo, después pasó por herencia a la familia de los Litta.

En cuanto a los aspectos pictóricos contemplamos en "La Madonna Litta" o "La Virgen de la Leche a María dando el pecho a su hijo". La figura de María se encuentra de perfil mirando a su hijo. Lo que más llama la atención de ella son sus coloridos ropajes. Un manto azul intenso y un vestido interior de color rojo.

El niño por su parte, aparece desnudo mamando del pecho de su madre. Con una de sus manos sostiene uno de los pechos y con la otra a un pequeño pájaro. La mirada del bebé que presenta el pelo rizado se dirige hacía el espectador.

Por último hay que mencionar el fondo de la composición en la que se aprecian dos ventanas simétricas colocadas a los dos lados de la cabeza de la Virgen y a través de las cuales se vislumbra un cielo azul con nubes claras y los perfiles de lo que podría ser un paisaje montañoso.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LAS TRES GRACIAS de Antonio Canova

Fri, 02 Oct 2009 14:22:07 +0200

La escultura Las tres Gracias es una obra del escultor italiano Antonio Canova. A pesar de no haber realizado estudios artísticos debido a los escasos recursos económicos de su familia, Canova alcanzaría un gran prestigio y fama en el mundo del arte tras su traslado a Venecia.

"Las tres Gracias" es una de las obras más reconocidas del pintor italiano. Estas figuras encarnan y representan el desnudo femenino de una manera perfecta que pone de manifiesto la destreza artística de Canova. Además la representación de Las tres Gracias va más allá porque el escultor consigue reflejar en esta composición mitológica el mundo interior de las Gracias.

Según la mitología griega, las Gracias eran las diosas de la belleza y la fertilidad. Tres son las que están más consideradas en el mundo mitológico y cuyos nombres son: Aglaya, Eufrósine y Talía. Según los expertos, Las Gracias también estaban asociadas con el inframundo y los misterios eleusinos.

Antonio Canova realizará Las tres Gracias en mármol, material al cual se le asociará e identificará a lo largo de su carrera como escultor.

Las tres Gracias es una escultura de mármol de acabado y pulido perfectos. Con este material Canova conseguirá encarnar la belleza ideal de las Gracias de forma sencilla pero muy cuidada y que sigue el gusto artístico de la época. Las tres Gracias se representan apoyadas sobre un solo pie y agarrándose entre ellas se forma suave.

El color del mármol es exquisito y hace que la composición escultórica arroje una luz, ligereza y elegancia característica de Canova. En esta línea se inscriben otras dos creaciones ampliamente extendidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, esculpida como una Venus, sobre un diván y el conjunto Teseo y el minotauro.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MADONNA BENOIS de Leonardo da Vinci

Fri, 02 Oct 2009 14:09:13 +0200

El cuadro Madonna Benois, también conocido con el nombre de Virgen con el Niño y flores, es una de las obras más conocidas del pintor renacentista Leonardo da Vinci. Esta composición está realizada mediante la técnica pictórica del óleo sobre tabla y posee unas dimensiones de 48 centímetros de alto por 31 centímetros de ancho.

La mayoría de los expertos coinciden en señalar que "La Madonna Benois" fue pintada en el periodo comprendido entre 1478-82. Al mismo tiempo, estos expertos consideran que fue la primera obra que el pintor italiano llevaría a cabo sin la ayuda de su maestro Verrocchio, su primera obra como pintor renacentista independiente. El nombre de esta obra esta ligado al nombre de la familia que tenía esta obra.

El cuadro representa a una Virgen de gran belleza y al Niño. Ambas figuras están pintadas al detalle y con gran destreza. El niño aparece sobre el regazo de la Virgen que mira a éste mientras sostiene pequeñas ramitas de flores.

La escena representada es muy natural y se aleja de las composiciones de la época referidas a Madonnas. La Virgen y el niño intercambian miradas cómplices sin involucrar al espectador en la composición ya que la pintura hace alusión a momentos íntimos y privados entre una madre y un hijo. Leonardo da Vinci consigue así lo que se propone, conseguir un espacio natural y alejado de composiciones artificiales y poses.

Según se aprecia al contemplar la obra, el centro de la composición lo ocupará una pequeña flor con la que se divierten y juegan madre e hijo.
En cuanto a los colores y las tonalidades del cuadro, es visible el empleo de la técnica del claroscuro en esta composición. Mediante esta técnica de iluminación se consigue volumen en las figuras al oscurecerlas. Leonardo dejará a La Madonna Benois inacabada como haría con gran cantidad de sus composiciones.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

JOVEN CON SOMBRERO DE PLUMAS de Tiziano

Fri, 02 Oct 2009 14:01:23 +0200

El pintor italiano Tiziano es el autor del cuadro Joven con sombrero de plumas. Se estima que fue ejecutado alrededor de 1536-1538 mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo. Este cuadro posee unas dimensiones de 96 centímetros de alto por 75 centímetros de ancho y responde al estilo renacentista italiano.

Según los expertos en arte, la mujer representada en esta obra que pintó Tiziano sería Elleonora Gonzaga, esposa del duque Francesco Maria della Rovere. Se desconoce el motivo real y tema de esta obra, aunque todo apunta que responde a una alegoría matrimonial.

El cuadro muestra el retrato de una mujer ataviada con un sombrero y de ahí el nombre del cuadro. Una tela oscura le tapa uno de los hombros y una tela blanca viste parte de su pecho. La parte que queda descubierta está tapada con el brazo de la propia retratada.

Un collar y una pulsera son los otros dos elementos que lleva puesto esta mujer que aparece retratada sobre un fondo negro destacando sólo la tela blanca que cubre su piel y el color de ésta. Este impacto de luz que provoca el fondo neutro elegido por Tiziano resalta su belleza y su sensualidad y le da a las telas una gran importancia en el cuadro.

Investigaciones realizadas sobre el cuadro han evidenciado que esta modelo fue pintada en un primer momento sin el sombrero.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

TESEO Y EL MINOTAURO de Antonio Canova

Fri, 02 Oct 2009 13:49:10 +0200

Datada en 1781-1783, Teseo y el Minotauro es una escultura hecha en mármol por el artista Antonio Canova. Esta composición posee unas dimensiones de 145,4 x 158,7 x 91,4 centímetros.

Con Teseo y el Minotauro, Antonio Canova evidencia su unión al neoclasicismo. Esto es posible tras su instalación en Roma y el contacto con artistas de la época que le hicieron conocer los principios neoclásicos y las obras romanas de tanta importancia para la época.

Teseo y el Minotauro es un encargo realizado en 1781 por Girolamo Zulian. El tema elegido no le fue impuesto por nadie sino que fue el propio artista quien lo eligió libremente. Según la mitología clásica, Teseo se presentó voluntario para ser entregado al Minotauro ya que se consideraba capaz para derribar al monstruo, algo que consiguió y le hizo salir triunfante del laberinto y regresar a Atenas.

Canova quiso representar en esta obra el momento posterior en el que Teseo mata al Minotauro. Un momento que según expertos en arte, se puede interpretar como el triunfo de las virtudes humanas frente a las fuerzas de la naturaleza y al Minotauro en concreto.

En esta composición se unen Teseo y el Minotauro formando un bloque en el cual ambas figuras son totalmente reconocibles. Teseo aparece sentado sobre la bestia mostrando su triunfo. Su cuerpo es robusto y fuerte en el que se puede comprobar la importancia del cuerpo humano para época y la representación de la belleza masculina.

Otro de los aspectos a destacar de esta obra es la textura del conjunto. Antonio Canova consigue que Teseo y el Minotauro abandonen la frialdad del mármol a través de la utilización de la piedra pómez tras el acabado de la obra.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MADONNA CONNESTABILE de Rafael Sanzio

Fri, 02 Oct 2009 13:37:49 +0200

La Virgen y el niño, obra también conocida con el nombre de Madonna Connestabile, es una obra del pintor renacentista Rafael Sanzio. La Virgen y el niño data de 1502 y según los expertos podría estar inacabada.

El pintor italiano ejecutó este cuadro mediante la técnica pictórica del óleo sobre tabla. Algo que llama la atención de este cuadro, son las reducidas dimensiones que presenta: 17,5 centímetros de alto y por 18 centímetros de ancho, un tamaño de las composiciones de la época.

El nombre del cuadro proviene de la familia Connestabile de Perugia. Posteriormente, la adquiriría el zar Alejandro II de Rusia quien se la regaló a su esposa. Debido a la mala conservación de la obra, esta tabla fue pasada de tabla a lienzo y es cuando se descubrió que en la obra original, el espacio que ocupa ahora un libro, estaba representada una granada.

En primer plano la pintura representa a la Virgen María sosteniendo al Niño Jesús mientras lee un libro. Rafael representa al Niño jugando con el lomo del libro. La Virgen se cubre con un manto azul y lleva puesto también un vestido de color rojo. Ambos colores van a destacar en todo el cuadro. El rostro de la Virgen es sereno y al mismo, se presenta con una actitud meditativa y pensativa.

En la parte del fondo se puede apreciar un paisaje con montañas, algún árbol y un lago pero no muestra muchos detalles y se aleja de una elaboración profunda y detenida.

En "La Virgen y el niño", se manifiestan las influencias de Perugino sobre Rafael Sanzio. Es muy probable y según señalan los expertos, La Virgen y el niño es la última obra que pintó el artista italiano en Umbría. Después de Umbría se trasladará a Florencia.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

RETRATO DE DAMA EN AZUL de Paul Cézanne

Wed, 30 Sep 2009 19:30:51 +0200

Retrato de dama en azul fue obra del pintor francés Paul Cézanne y pertenece al estilo Neo-Impresionista. Dama en azul es un cuadro pintado al óleo sobre lienzo del año 1898 y posee unas dimensiones de 88,5 centímetros de alto por 72 centímetros de ancho.

Los expertos en arte coinciden en señalar que la modelo que retrata Cézanne en este cuadro es madame Brémond, el ama de llaves del pintor francés. Los mismos expertos apuntan que la mujer podría haber posado para Cézanne en el estudio de la rue Boulegon de Aix.

La mujer retratada en este cuadro esta vestida con un traje azul y un sombrero. El traje que lleva puesto es elegante y resalta la figura femenina de madame Brémond. Ésta aparece apoyada en una mesa que está cubierta con un mantel muy colorido con tonalidades que destacan al contemplar el cuadro.

En cuanto a la técnica del cuadro, se aprecia que Cézanne emplea el color fluidamente con una pincelada rápida pero segura que poco a poco configura la composición y crea su volumen. El pintor francés busca la forma de las figuras y el desarrollo de la composición a través del color.

Con este color, las tonalidades brillantes y su pincelada, Paul Cézanne se anticipa a la pintura fauvista.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

JUDITH de Giorgione

Wed, 30 Sep 2009 19:24:39 +0200

Judith, es obra del pintor italiano Giorgione. Este cuadro ejecutado mediante la técnica pictórica del óleo sobre tabla esta datado en el año 1503 y pertenece al estilo renacentista italiano.

El pintor italiano Giorgione será uno de los reconocidos maestros en insertar la figura en el paisaje, una de las técnicas más perseguidas que aportó la época pictórica del Cinquecento al arte. También se aprecia en "Judith" la destreza de Giorgione al ubicar los elementos de la composición en planos sucesivos y que ayudan a la correcta interpretación de la perspectiva. El cuadro posee unas dimensiones de 144 centímetros de alto por 66,5 centímetros de ancho.

El cuadro representa a la heroína bíblica Judith. Giorgione pinta esta figura en primer plano pisando la cabeza de Holofernes. Su cabeza se dirige a contemplar esta escena y además aparece apoyada en un muro sujetando una espada. Judith presenta en su cara un gesto de serenidad absoluto. Aparece tapada con un vestido que deja descubierta la pierna con la que pisa la cabeza de Holofernes su pelo está recogido.

Esta escena se encuadra en un paisaje situado en el fondo de la composición y que cuyos colores siguen la línea misma línea cromática que la escena que está situada en primer plano. Colores suaves entre los que se incluyen: el marrón, el amarillo y el salmón.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

SAN SEBASTIÁN de Tiziano Vecellio

Wed, 30 Sep 2009 19:19:54 +0200

Tiziano Vecellio pinta San Sebastián en 1575 mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo. Perteneciente al estilo renacentista italiano, este cuadro posee unas dimensiones de 210 centímetros de alto por 115 centímetros de ancho.

Existen varios motivos que justifican la representación de San Sebastián, una de ellas la epidemia de peste que asoló Europa durante el Renacimiento y que provocó que San Sebastián se convirtiera en uno de los santos más representados. Otra de las razones que justifican este cuadro es según los expertos el interés por el estudio de la anatomía masculina en la época.

En esta obra del pintor italiano se ejemplifica la evolución de su estilo y "San Sebastián" provocó que Tiziano se encumbrara como el pintor más representativo del Renacimiento en Venecia. Es un cuadro culminación de su carrera artística que dejará huella e influencia en generaciones de artistas posteriores.

Muchos han hablado sobre el gesto ambiguo que tiene San Sebastián en este cuadro. Su gesto se posiciona entre el dolor y el placer alejándole de su condición de mártir. Sin embargo, todos coinciden en señalar que Tiziano busca con esta obra narrar los martirios que sufrió San Sebastián y que no a pesar de éstos, no acabaron con su vida. Los críticos en arte coinciden en señalar que Tiziano se inspiró en uno de los hijos de Laoconte y de Apolo de Belvedere para realizar la figura de San Sebastián.

Las pinceladas de Tiziano son fluidas y se puede apreciar una economía del color que ha provocado que numerosos especialistas la consideraran que San Sebastián es una obra inconclusa y posiblemente se tratara de un estudio preparatorio.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL ALMUERZO de Velázquez

Wed, 30 Sep 2009 19:09:56 +0200

El Almuerzo es un cuadro de Diego Velázquez pintado en 1617 y perteneciente al estilo barroco español. Este óleo pintado sobre lienzo posee unas dimensiones de 108 centímetros de alto por 102 centímetros de ancho.

"El almuerzo", muestra una escena cotidiana. Este tipo de escenas serán habituales en el pintor durante la temporada en que éste trabajó en Sevilla, como por ejemplo: la Vieja friendo huevos o El Aguador de Sevilla.

Aparecen tres hombres que representan las tres edades del hombre: adolescente, adulto y anciano. Están sentados alrededor de una mesa que tiene alimentos y bebida encima de un mantel blanco: un plato de mejillones, un vaso de vino y pan.

En cuanto a la expresión de las figuras se aprecia que los dos hombres situados a la derecha presentan alegría en sus rostros y dirigen su mirada hacia el espectador, mientras que el anciano que esta en la parte izquierda se muestra alejado de la interacción con el espectador y atento a la comida que esta sobre la mesa.

Los colores oscuros que emplea Velázquez en El almuerzo es una característica que le acompañara en su etapa sevillana. Una técnica que desarrollará y que llega a su conocimiento gracias a los cuadros que provenían de Italia.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LES PARAU PARAU de Paul Gauguin

Wed, 30 Sep 2009 17:59:51 +0200

Les Parau, parau es un cuadro de Eugène Henri Paul Gauguin datado en 1891. Esta obra surge tras la decisión del pintor francés postimpresionista de salir en busca de nuevas perspectivas y abandonar las tradiciones culturales europeas. Por ello se marcha hasta Tahití. Les Parau, parau es un ejemplo de este experimento y posee una dimensiones de 62,5 centímetros de alto por 92,5 centímetros de ancho.

Los cuadros que el artista francés pintó en Tahití se alejan de la representación fiel de los objetos y del detalle, y se sumergió en la pintura primitiva polinesia. Sus representaciones van a ser imágenes características de la zona: sus gentes, sus tradiciones, cultura, paisajes…etc. Es por esto por lo que sus composiciones van a estar llenas de color, un color que en gran parte viene dado por el paraíso natural que posee la isla.

En "Les Parau, parau" (título que se traduce al castellano como conversación), se puede contemplar a un grupo de aborígenes sentados sobre la hierba mientras mantienen una conversación. Son mujeres que representan la belleza y los rasgos típicos de esta isla oceánica de piel y pelo moreno y que además, se visten con telas de colores llamativos.

El paisaje en el cual se inserta la escena es un paisaje lleno de vida y color, un paisaje vegetal muy verde que se corresponde con la naturaleza presente en Tahití y que tanto atrajo e inspiró a Paul Gauguin.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

JOVEN EN CUCLILLAS de Miguel Angel

Wed, 30 Sep 2009 17:44:31 +0200

Joven en cuclillas es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel. La composición tiene unas dimensiones de 54 centímetros de alto. El "Joven en cuclillas" perteneció a los Médici aunque posteriormente pasó a otras manos hasta acabar finalmente en el museo Hermitage de San Petesburgo.

La autoría de esta composición no estaba del todo clara y los expertos no coincidían en señalar a Miguel Ángel como el escultor y padre de Joven en cuclillas. Sin embargo, a raíz de las investigaciones de Anny E.Popp se comprobó que efectivamente Miguel Ángel sería el autor de esta escultura.

La ejecución de esta escultura coincide con el año en el que Miguel Ángel se marchó de Roma, temporada comprendida entre 1530 y 1534.

La escultura representa a un joven desnudo, doblado sobre sí mismo cogiéndose un pie con las manos. Tiene el pelo rizado y son perfectamente visibles los rasgos de su cara a pesar de tener otras partes inacabadas que hacen que de esta composición una escultura incompleta e inacabada.

No hay consenso entre los expertos en arte al determinar el significado de la figura de mármol Joven en cuclillas. Cada crítico señala una simbología diferente entre las que se distinguen algunas como la posibilidad de que el joven en cuclillas de Miguel Ángel sea un guerrero o un prisionero.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

COMBATE DE TIGRE Y BUFALO de Henri Rousseau

Wed, 30 Sep 2009 17:37:22 +0200

La pintura Combate de tigre y búfalo es obra del pintor francés Henri Julien Félix Rousseau, llamada también "El aduanero Rousseau”. Este pintor está considerado como uno de los máximos referentes del arte Naif.

Esta obra de Rousseau, un pintor autodidacta, fue pintada en 1891. En sus composiciones y en Combate de tigre y búfalo se aprecia claramente la búsqueda de lo exótico y la primacía de la imaginación sobre lo real. Otra de las características de este célebre artista es el carácter poético de sus composiciones.

Las influencias en las obras de Rousseau a la hora de pintar el exotismo provenían de diversas fuentes: de los relatos sobre junglas que contaban los soldados franceses que habían vuelto de México y del ansia de descubrimiento de tierras lejanas y vírgenes por parte de los europeos que junto con la imaginación de Rousseau, formaban elementos claves en sus representaciones.

En Combate de tigre y búfalo se aprecia una sugerente composición llena de color, vida y fantasía. A falta de una formación artística, Rousseau consigue a través de sus colores una destreza compositiva que suple la ausencia de técnica pictórica.

Este cuadro representa el momento en el cual un tigre atrapa a un búfalo y que Rousseau inserta dentro de un paisaje vegetal con diferentes especies. Una vez más, la falta de técnica y clases le hizo declarar a Rousseau que la naturaleza había sido su único maestro. Sus característicos paisajes al óleo y la representación de animales son fruto de sus frecuentes visitas a jardines y colecciones de animales disecados.

Combate de tigre y búfalo presenta una exuberante vegetación, en algunos casos casi totalmente irreal e inventada por la imaginación de Rousseau. Dentro de esa escena vegetal y llena de color es donde el artista inserta el combate animal entre un tigre y un búfalo.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

CASAS DE CAMPESINOS EN AUVERS de Vincent Van Gogh

Wed, 30 Sep 2009 17:12:29 +0200

Casas de campesinos en Auvers es un cuadro del pintor neerlandés postimpresionista Vincent van Gogh. Esta obra nace tras su traslado al pueblo de Auvers en 1890 tras abandonar el manicomio de Saint-Rémy, lugar en el que estuvo internado un año debido a sus problemas mentales.

Durante sus estancia en Auvers la pintura se convirtió en una de sus obsesiones, pintaba cuadros sin cesar en el campo o en las calles del pueblo. En estas obras se refleja esa ansiedad y esa obsesión a través de una pincelada impulsiva. El estilo pictórico de esta época muestra el declive de Van Gogh que moriría dos años después y al mismo tiempo, resalta y contrasta con épocas anteriores del pintor.

En su época de Auvers el pintor neerlandés se centró el la representación de paisajes, temas rústicos y rurales. Casas de campesinos es exactamente eso, la represtación de un paisaje rural de Auvers. Concretamente, Van Gogh pinta una casa de campesinos. Sus cuadros de esta etapa están llenos de color y de trazos que no se paran en detalles para representar una paisaje reflejo de la realidad sino que los trigales, casas y árboles están representados con una pincelada rápida que llena de movimiento y de ritmo la composición.

"Casas de campesinos" es uno más de las decenas de cuadros que salieron de los pinceles de Van Gogh y que seguían la misma línea, la representación de paisajes de la zona. Para el pintor esta forma de pintura y esta técnica pone de manifiesto el rápido paso del tiempo.

Consulta más obras del Hermitage de San Petersburgo o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

NATIONAL GALLERY DE LONDRES

Mon, 31 Aug 2009 17:04:04 +0200

La National Gallery o Galería Nacional de Londres, con casi 5 millones de visitantes al año, puede presumir de ser el principal museo de arte de la capital inglesa. Ubicada en la archiconocida zona de Trafalgar Square, entre sus paredes se muestran pinturas europeas desde el año 1250, provenientes de la colección nacional de arte del Reino Unido.

La colección permanente, con cerca de 2.500 pinturas, es propiedad del Estado británico, así que no tendrás que pagar por entrar a verlas, aunque en ciertas ocasiones, debido a la presencia de exposiciones especiales, la entrada puede costar algunas libras.

Fundada en 1824 por John Julius Argenstein, la National Gallery de Londres es a día de hoy, una de las galerías de arte de más renombre internacional. Poco a poco, y sin una colección inicial durante sus primeros años, se ha ido completando gracias principalmente a sus primeros directores, tales como el pintor Sir Charles Lock Eastlake, y se ha ido aumentando su rica colección permanente hasta los dos tercios de la actualidad en gran medida gracias a las donaciones privadas. E

Entre los siglos XVIII y XIX, la aristocracia británica fue indudablemente la más activa de toda Europa comprando obras maestras europeas, y paulatinamente, muchas de estas obras han ido ingresando en la National Gallery.

A pesar de no ser una de las pinacotecas más grandes del mundo, en la National Gallery podrás admirar algunas de las grandes obras maestras de la Historia de Arte, así como su evolución en estilos pictóricos desde el Renacimiento hasta el Postimpresionismo.

En un primer momento, la galería mostraba principalmente arte italiano y neerlandés, sin embargo, en los últimos años ha ido poco a poco aumentando sus obras de arte moderno. Además, podemos decir que es uno de los museos más homogéneos, ya que mientras que la mayoría de pinacotecas son ricas en algunos artistas y escasos en otros, la National Gallery se caracteriza por su variedad y calidad, dentro de la cual sólo se encuentran pinturas, ya que no hay ni esculturas ni objetos decorativos como ocurre en otros museos.

El edificio actual de la National Gallery, de estilo neoclásico, se construyó en 1838, tras diferentes cambios a lo largo de su historia por motivos expositivos. Fue diseñado por William Wilkins, siendo objeto de grandes ampliaciones a cargo de Edward Middleton Barry y Robert Venturi. Desde finales de 2007, la dirección de la Galería está en manos del prestigioso historiador del Arte, Nicholas Penny.

Entre las obras más conocidas de la galería, su máxima joya es La Venus del espejo de Velázquez. También destaca el famoso y más completo fondo de Renacimiento italiano que puede verse fuera de Italia. Sobresalen artistas italianos de renombre como Piero della Francesca, Rafael o Tiziano. Junto al Museo del Prado, la National Gallery montó una antológica exposición que se mostró en ambos museos.

Es ilustre el fondo holandés del siglo XVII que posee, gracias al impulso de la reina Victoria, con cuantiosas obras de Rembrandt. A pesar de que el número de pinturas españolas es escaso, son de una gran calidad, con piezas que van desde Velázquez hasta Goya.

EXPOSICIONES/ACTIVIDADES

- Corot to Monet: A fresh look at landscape from the Collection
Desde: 08/07/2009
Hasta: 20/09/2009

- The Making of a Spanish Polychrome Sculpture
Desde: 21/10/2009
Hasta: 24/01/2010

- The Sacred Made Real: Spanish Painting and Sculpture 1600 - 1700
Desde: 21/10/2009
Hasta: 24/01/2010

- Kienholz: The Hoerengracht
Desde: 18/11/2009
Hasta: 21/02/2010

Consulta las obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA VENUS DEL ESPEJO de Velazquez

Mon, 31 Aug 2009 16:43:30 +0200

La Venus del espejo es un cuadro pintado por uno de los máximos exponentes de la pintura española, Diego Velázquez. Es una obra pintada mediante la técnica del óleo sobre lienzo.

Se desconoce si Velázquez pintó La Venus del espejo por propia iniciativa o si se trató de un encargo. Lo que si se sabe es que corresponde a la tercera etapa madrileña del artista y que posee influencias de su segundo viaje a Italia. En concreto, esta fechado ente 1651 y 1660. Se cree que la pintura se ejecutó durante una de las visitas de Velázquez a Roma.

"La Venus del espejo" representa a la diosa en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene su hijo Cupido. Como es de apreciar, se trata de un tema mitológico al que Velázquez da trato mundano. La Venus como una mujer. Algo que llama la atención al contemplar el cuadro es la cabellera morena de la diosa pintada por Velázquez a diferencia de los retratos anteriores en los que la Venus aparece siempre con cabellos rubios.

La presencia de Cupido hace pensar que la figura femenina es Venus claramente. Cupido “gordito” como es de costumbre representarlo, no tiene sus arcos y flechas característicos sino que porta en sus manos una cinta rosa de seda que cae sobre el marco.

Uno de los elementos importantes de la composición, es sin duda el espejo. El espejo dará mucho juego en el conjunto y conectará a la diosa con el espectador. Cupido sostiene este elemento en el que la diosa mira hacia afuera, al espectador de la pintura a través de su imagen reflejada en el espejo. Como es lógico, el espectador, a su vez, puede ver en el espejo el rostro de la diosa que de otra forma no podría contemplar al estar Venus de espalda. Algo a destacar en este punto es que el aspecto borroso del rostro de la diosa ha llevado a pensar que es una mujer fea o vulgar, una aldeana en vez de una diosa.

Los tonos empleados en La Venus del espejo son los rojos, blancos, y grises. Los colores suaves y delicados de la piel de Venus, contrastan con los grises oscuros y el marrón de la pared detrás de su cara. A través de la composición y la colocación de los cuerpos de la obra, las sábanas, el espejo…etc., Velázquez va conseguir la profundidad que muestra el cuadro. Otra de las técnicas empleadas por el pintor español y que dotarán de énfasis a las curvas del cuerpo de Venus, son la representación de los pliegues de las sábanas de la cama donde reposa la diosa.

Tanto la figura de Venus como la de Cupido fueron alteradas durante el proceso de recuperación de la pintura. En este aspecto, los rayos infrarrojos revelaron por ejemplo que Venus estaba originalmente más incorporada con su cabeza vuelta hacia la izquierda.

Finalmente hay que hablar de la modelo que le serviría de inspiración a Velázquez. A lo largo del tiempo se han propuesto diversas identidades para la modelo. Se pensó que podría ser la pintora italiana Lavinia Triunfi, que habría posado para el pintor en Roma. También se habla de que la pintura podría representar a una amante de Velázquez que se sabe que tuvo estando en Italia.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

RETRATO DE GIOVANNI ARNOLFINI Y SU ESPOSA de Jan van Eyck

Mon, 31 Aug 2009 16:30:13 +0200

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck. Esta obra está considerada como una de las más notables y reconocidas del artista.

Datado en el año 1434, este cuadro esta realizado mediante la técnica pictórica del óleo sobre tabla y posee unas dimensiones de 82 centímetros de alto por 60 centímetros de ancho.

La obra que representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, es un fiel reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos de la época.

La obra es uno de los primeros retratos conservados de tema no hagiográfico, es decir, relativo a las vidas de los santos. La escena representa a la pareja de pie, en su habitación. El esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras ella apoya la izquierda en su abultado vientre, señal que recuerda a los embarazos. El significado más extendido entre los expertos es que el retrato representa la boda entre ambos.

Lo que más llama la atención del cuadro es el realismo que éste posee y que se puede apreciar en todos los objetos que aparecen pintados de forma minuciosa y que captan la luz y la textura de los mismos de una forma magistral. El cuadro aparece lleno de objetos y esto es algo que también debe resaltarse ya que la mayoría poseen un significado y otros sin embargo, están por estar y sin razón alguna. En este sentido muchos expertos coinciden en señalar que estos objetos buscan mostrar la riqueza de la joven pareja.

El experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky dice que el cuadro interpreta una alegoría del matrimonio y de la maternidad. Para razonar esta afirmación argumenta que el cuadro representa los papeles que tienen los personajes en el matrimonio. Giovanni Arnolfini tiene el poder y su esposa, Jeanne Cenami, mantiene una actitud sumisa.

Los ropajes con los que se cubren ambos muestran su alta posición en la sociedad a pesar de encontrarse en un tiempo veraniego y lucir ropa de abrigo.

En concreto, Jeanne Cenami lleva un vestido verde, el color de la fertilidad aunque no está embarazada, su postura tan solo se limita a delatar el vientre. No sólo utilizan la ropa para mostrar su riqueza, también la van a mostrar a través de la colocación de las naranjas. Esta fruta estaba considerara como un lujo en la época. Otro elemento de ostentación será la alfombra que hay junto a la cama y que procede de Anatolia.

Que aparezca la cama en el cuadro simboliza su pertenencia a la realeza y a la nobleza. Además de representar la pasión por los tejidos de color rojo que la cubren, también representa el lugar donde se nace y en el cual se muere.

Algo que se puede observar al contemplar el cuadro es que el matrimonio aparece descalzo. Los zuecos están esparcidos por el suelo y esto no es casual ya que representa el vínculo con el suelo sagrado del hogar y señal de que se celebra una ceremonia religiosa. Además en aquella época se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.

Sin duda el elemento que mejor muestra la minuciosidad que consigue el pintor es el espejo. Alrededor del espejo se pueden ver diez estaciones del Vía Crucis con lo que el artista nos está dando la clave de la representación del mismo.

Según los expertos, "El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" es el primer cuadro que usa como recurso pictórico el espejo. Posteriormente se podrá ver la aceptación y el éxito de esta técnica ampliamente repetida por diferentes pintores.

Para que fuese una boda como tal nos faltaría el sacerdote y el testigo pero Van Eyck no se olvidó de ellos. Ambos personajes aparecen reflejados en el espejo, un clérigo y el propio pintor que será el testigo de esta boda y que al firmar el cuadro pone de manifiesto la autoría del mismo y testifica al mismo tiempo la celebración del sacramento.

A parte de los zapatos en la parte baja de la escena, también se puede apreciar la presencia de un perro que no está ahí de adorno sino que tiene el significado de la fidelidad. A parte, le da un toque de gracia al cuadro y es de destacar el detalle minucioso conseguido por el pintor en el pelo del perro.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LOS GIRASOLES de Vincent Van Gogh

Mon, 31 Aug 2009 16:14:31 +0200

El cuadro Los girasoles que se conserva en la National Gallery de Londres pertenece a una serie de cuadros con el mismo tema realizados al óleo por el pintor más destacado del Postimpresionismo, Vincent van Gogh. El expuesto en la galería inglesa concretamente, lo pintó durante su estancia en Arlés, Francia en el año 1888.

El artista holandés llevó a cabo cinco cuadros similares, tres con quince girasoles dentro de un jarrón y dos con un total de doce girasoles. El que se pude contemplar en la National Gallery es el primer jarrón con quince girasoles que pintó Van Gogh. Todos los lienzos de la serie poseen unas dimensiones similares de 93 centímetros de alto por 72 centímetros de ancho aproximadamente.

Según expertos, lo más posible es que Vincent Van Gogh se sintiera inspirado a pintar esta serie debido a su lugar de residencia. El sur de Francia, el sol y el calor sugestionaron al pintor a la hora de llevar a cabo estas obras que son tan reconocidas a nivel mundial y una de las más famosas del artista.

Aunque los cuadros de la serie son similares, no son idénticos y a parte de diferenciarse en el número de girasoles y en algunas tonalidades, también se diferencian por mostrar todas las etapas de la vida de estas plantas. Van Gogh pintaría tanto girasoles en flor como girasoles marchitándose.

En cuanto a los colores, éstos son suaves: amarillos, naranjas y ocres, que Van Gogh emplea en muchas tonalidades y que están aplicados con pinceladas muy fuertes que contribuyen a otorgar plasticidad a la pintura y al mismo tiempo, volumen a los girasoles que poseen cierto relieve. Para resaltar el amarillo de los girasoles se puede observar como Van Gogh introduce pintura verde y azul para los contornos y en algún caso para los fondos del cuadro.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LAS GRANDES BAÑISTAS de Paul Cézanne

Mon, 31 Aug 2009 16:08:39 +0200

Las grandes bañistas de Paul Cézanne es un cuadro realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas dimensiones de 208 centímetros de alto por 251 centímetros de ancho.

La obra Las grandes bañistas de Cézanne fue pintado en 1906 y es la tela más grande pintada por el artista francés. Paul Cézanne trabajó durante siete años en esta obra en el estudio que tenía en Lauves.

Paul va a tratar en numerosas ocasiones el tema de los bañistas pero será en esta obra en la que preste una mayor atención y en la que más trabaje. Según los expertos, la muerte del pintor francés hará que el cuadro quede inacabado. Con su desaparición y su estilo en los últimos años, se anunciará el cubismo.

En esta composición se aprecian dos grupos de figuras de bañistas diferenciados. En el centro de ambos grupos se ve una mancha blanca y parece que una de las figuras acaricia a esa mancha por lo que se ha dicho que podía ser la figura de un perro.

Estos grupos están en primer plano y detrás de ellos se aprecia un río en el que se distingue una figura que podría estar nadando. Pero esta figura no compone el fondo ya que el pintor francés dibuja el otro lado de la orilla del río y a otras dos figuras en el centro de la composición y detrás de ellos, un castillo.

Algo que llama la atención en este cuadro son la forma que tienen los árboles y que encuadran a los grupos de bañistas de ambos lados. Los árboles aparecen inclinados formando una bóveda por encima de las cabezas de las bañistas.

En cuanto a los colores e intensidades, éstos están reducidos a tonos sobrios: el ocre, malva y verde o azul verdoso predominan la composición y dan sensación de frío.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

ALEGORIA DEL TRIUNFO DE VENUS de Angelo Bronzino

Mon, 31 Aug 2009 16:03:22 +0200

La obra Alegoría del triunfo de Venus fue realizada por Angelo Bronzino, pintor oficial de los Médicis entre 1540- 1550. El cuadro, ejecutado al óleo sobre tabla, posee unas dimensiones de 146 centímetros de alto por 116 centímetros de ancho y está considerada como una composición manierista.

Estudiosos de la pintura de Bronzino han señalado que esta obra fue encargada al pintor con el objetivo de que fuese entregada como obsequio a Francisco I rey de Francia. Algo que indica que podría ser un regalo a la realeza es la riqueza que desprende la pintura.

"La Alegoría del triunfo de Venus" representa a esta diosa girando su cabeza para dar un beso a Cupido y sosteniendo una manzana en su mano izquierda. Estos gestos nos van a evidenciar el tema central del cuadro: el amor prohibido, el erotismo, la envidia y los celos.

Bronzino estaba considerado como el pintor idóneo para representar alegorías debido a su frialdad y falta de sentimientos en sus obras. Estas características le van a situar dentro de la corriente manierista. Otro de los aspectos que es importante señalar acerca de este pintor es que a parte de pintor, Bronzino fue poeta.

En cuanto a los personajes, es preciso detenerse en ellos y hablar de su papel y representación dentro del cuadro. Según los expertos, éstos cumplen las siguientes funciones dentro del cuadro:

Venus, personaje central de la escena esta acompañada de su animal de compañía, la tórtola. En la obra besa a Cupido en los labios y con esta acción resalta la lujuria y el incesto.

En su mano izquierda agarra una manzana dorada. Cupido también adquiere gran importancia en la composición al responder al beso de Venus. Su pequeña mano derecha agarra el pecho izquierdo de Venus, su madre.

En la parte derecha aparece un niño que va a representar la locura. Tiene pétalos de rosas en sus manos y da la impresión de que va a arrojarlos sobre Venus mientras se besa con Cupido. En uno de sus pies lleva una pulsera de cascabeles. Detrás del niño que simboliza la locura está el engaño. Esta figura tiene la cara de una doncella aunque su cuerpo no es el todo humano ya que acaba en forma de serpiente y con cola de escorpión.

Con una de sus manos ofrece a Cupido y Venus un panal. Un hombre de avanzada edad en el fondo del cuadro representa el tiempo. Para confirmar la identidad de este personaje se ha dibujado un reloj de tiempo.

A la izquierda y en la parte superior está el olvido. Posiblemente el personaje quiere esconder la verdad y destapar la escena de lujuria de la composición. Finalmente, en el lado izquierdo y cerca de Cupido están los celos. Éstos están representados por un hombre se tira del pelo.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

BANISTAS EN LA GRENOUILLERE de Claude Monet

Mon, 31 Aug 2009 14:47:04 +0200

El cuadro Bañistas en la Grenouillère es una obra impresionista del pintor francés Claude-Oscar Monet ejecutada mediante el estilo pictórico del óleo sobre lienzo.

Según los expertos, este cuadro fue pintado en el año 1869 cuando Monet trabajaba con Renoir en Bourgival. En la obra "Bañistas en la Grenouillère" se aprecia el estilo informal de los paisajes franceses impresionistas, en los que él era uno de los máximos representantes.

En esta pintura, se representa La Grenouillère, que era un balneario de Francia muy frecuentado por Monet y Renoir. De las numerosas visitas de Monet a este espacio, surge el interés del pintor en hacer una obra de este paisaje. En concreto, y debido a las peculiaridades del entorno, Monet se interesará en captar la luz del natural en una zona dominada casi por completo por la sombra debido a la densa vegetación del entorno.

La obra de las Bañistas en la Grenouillère presenta a una serie de figuras subidas sobre una barca en la parte central de la composición. Lo que más destaca del cuadro es la pincelada rápida que inunda todo el cuadro.

A parte de la barca central, hay otras barcas que flotan sobre el agua. En la parte del fondo, que es la zona más soleada de todo el cuadro, se aprecia lo que pueden ser bañistas creadas con trazos rápidos y cortos pero seguros aunque casi sin definir.

Finalmente es de destacar los reflejos que Monet pinta en el agua y las diferentes iluminaciones empleadas. El color que más sobresale es el verde con diversos matices y tonalidades.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

SALOME CON LA CABEZA DE JUAN BAUTISTA de Caravaggio

Mon, 31 Aug 2009 14:42:22 +0200

El cuadro Salomé con la cabeza de Juan Bautista es un óleo del pintor Caravaggio. Esta obra que pertenece a la época Barroca posee unas dimensiones de 116 centímetros de alto por 140 centímetros de ancho.

Según los expertos, Salomé con la cabeza de Juan Bautista está datado en 1906, formaba parte de la colección de cuadros de Carlos III de España y era una de sus pinturas preferidas.

Estos expertos también coinciden en señalar que este cuadro fue realizado para Alof de Wignacourt perteneciente a la Orden de Malta, algo que también quedaría reflejado en la biografía que escribió Giovanni Bellori en 1672.

Sin embargo, a pesar de este encargo, el cuadro nunca llegó a su destino puesto que la barca en la que fue llevado a Malta fue detenida por el Reino de Nápoles y el cuadro quedó en posesión de la corona napolitana hasta que años más tarde se Carlos III de España lo recuperó y lo llevó hasta su corte.

En el cuadro "Salomé con la cabeza de Juan Bautista" se aprecian las características pictóricas de Caravaggio. Se trata de un cuadro muy oscuro, de hecho, el fondo es negro y en la composición destaca la ausencia de luz que sólo se ve en el centro-derecha del conjunto y, en concreto, en la piel blanca de las figuras. En cuanto a los colores y los tonos, el más destacable es la tela roja que cubre a Salomé.

Este cuadro según la tradición y la historia, presenta la escena de Salomé, una mujer de gran belleza, que tras bailar para su padrastro, éste se ofreció a concederle el premio que ella deseara. La joven pidió, siguiendo el consejo de su madre, la cabeza de Juan Bautista. Ésta le fue entregada en bandeja de plata.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

SANSON Y DALILA de Rubens

Mon, 31 Aug 2009 14:29:12 +0200

Sansón y Dalila es un cuadro del pintor Peter Paul Rubens. Esta obra está ejecutada mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y posee unas dimensiones de 185 centímetros de alto por 205 centímetros de ancho. Según los expertos, el pintor flamenco pintó Sansón y Dalila alrededor entre los años 1609 y 1610.

Este cuadro representa un episodio del Antiguo Testamento, en concreto la historia de Sansón y Dalila. Peter Paul Rubens pinta el momento cuando después de dormirse en el regazo de Dalila, un siervo le está cortando el pelo a Sansón. Es decir, le está cortando su poder lo que conlleva su arresto por parte de los soldados que son representados al fondo de la parte derecha de la pintura.

Esta escena está iluminada por cuatro puntos de luz que están a su ver representados en el cuadro. Hay un brasero en el extremo izquierdo de la composición, una vela que sujeta una anciana, una lámpara de aceite de difícil percepción bajo estatua del fondo del cuadro y una antorcha en las manos de uno de los soldados que espera en la puerta del fondo para apresar a un debilitado Sansón.

La figura de Sansón está pintada y modelada de manera escultural. Se puede apreciar que se ha tomado como referencia a las estatuas clásicas y las obras de Miguel Ángel, el experto en esta materia. Otra de las influencias que vemos que ha tomado Rubens y que ha empleado en esta composición es el claroscuro característico de Caravaggio.

Por su parte, en la figura de Dalila destaca la actitud de pasividad de desprende la joven. Lo más destacable es su indiferencia sosteniendo en su regazo a Sansón, un héroe débil y rendido. Un vestido en dos tonos, blanco y rojo, cubre la figura de la joven. La tela roja es el color que más destaca en la composición. También destaca el color de la piel de Dalila que se ve al mostrar su hombro de forma sensual.

Los expertos han considerado a "Sansón y Dalila" como una de las mejores obras de estilo Barroco que mejor une la pintura flamenca e italiana dando lugar a una composición magistral.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

VENUS Y MARTE de Botticelli

Mon, 31 Aug 2009 14:21:02 +0200

El cuadro Venus y Marte es una de las obras más destacadas del pintor italiano Sandro Botticelli. Esta pintura está ejecutada mediante la técnica del temple y del óleo sobre tabla de álamo y posee unas dimensiones de 69 centímetros de alto por 173 centímetros de ancho.

Según los expertos, esta pintura fue encargada con motivo de una boda dentro de la familia Vespucci en el año 1483. Algo que llama la atención a primera vista es el formato apaisado del cuadro. Seguramente la forma donde estuviese colocado determinaría el formato de este cuadro, ya que no es adecuado para la representación de las seis figuras pintadas, el formato casi deforme al ser muy pocas para un marco apaisado.

El tema de "Venus y Marte" es el poder del amor. Ambos dioses aparecen tumbados en un prado mirándose. Venus aparece vestida con un vestido blanco que está plegado en su parte inferior. El pelo de la diosa está rigurosamente peinado y parte de sus rizos caen por sus hombros.

Por su parte, Marte, el dios de la guerra, aparece desnudo y sólo tapado por una tela blanca. Marte aparece sin armadura y está tumbado sobre su capa de color rojo. Encima de su cabeza y casi inapreciables aparecen varias avispas. Éstas hacen referencia la familia Vespucci, apellido que proviene de vespa, avispa en italiano.

Otras de las figuras que aparecen en el cuadro son pequeños faunos. Éstos aparecen jugando con las armas de Marte. Los tres traviesos faunos que rodean a Venus y a Marte tienen piernas de cabra, cola y cuernos. Esta obra del pintor italiano es uno de los primeros ejemplos que presenta seres híbridos en el Renacimiento.

Algunos críticos opinan que Sandro Botticelli se podría haber inspirado en un sarcófago en los que aparecen Baco y Ariadna en actitud similar y que se conserva en los Museos Vaticanos.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL BAUTISMO DE CRISTO de Piero della Francesca

Mon, 31 Aug 2009 14:14:24 +0200

El Bautismo de Cristo está considerada como una de las obras más reconocidas del pintor italiano Piero della Francesca. Este cuadro está ejecutado mediante la técnica pictórica del temple al huevo sobre tabla.

El Bautismo de Cristo posee unas dimensiones de 167 centímetros de alto por 116 centímetros de ancho. Según los expertos, este tríptico fue pintado hacia el año 1450 y dividido en partes para adornar diferentes iglesias y catedrales.

En cuanto a la representación del cuadro, El Bautismo de Cristo, como su propio nombre indica, capta el momento en el que Cristo es bautizado por San Juan Bautista. A su derecha se pueden contemplar tres ángeles y al otro lado, a su izquierda a San Juan Bautista. Cristo por su parte es el eje vertical de la composición. Sobre Cristo una paloma con las alas desplegadas plantea la prefiguración de la señal de la cruz.

Los ángeles poseen características propias y personales que les hacen adquirir relevancia en el cuadro. Los tres ángeles están vestidos de colores diferentes algo inusual para la época. Además, cada uno de los ángeles tiene un peinado y posturas diferentes algo que al igual que con la vestimenta, no solía ser habitual y que llama mucho la atención.

Además de los personajes centrales del cuadro y que dan sentido al mismo, hay un paisaje que enmarca la escena del que cabe destacar algún detalle importante. En el suelo del cuadro esta pintado el río Jordán en forma de S invertida algo que caracteriza al autor y que empleará en más cuadros convirtiéndose en un signo de identidad de Piero della Francesca.

El paisaje y el cielo se unen con los personajes para formar el conjunto. Son dos las formas que se pueden apreciar un círculo que envuelve el cielo y por otro lado, un cuadrado que encuadra y delimita la tierra del paisaje inferior.

Piero della Francesca va a cuidar mucho en El Bautismo de Cristo tanto la perspectiva como el volumen de las figuras. En cuanto a la perspectiva, son las propias figuras las que configuran el espacio donde se desarrolla la escena y que dotan de perspectiva al cuadro. Y por su parte, el volumen es conseguido a través del empleo de la luz que resalta su anatomía de manera magistral.

Otro detalle en cuanto a las líneas que podemos encontrar en la obra y que es de señalar, es la forma que Piero consigue con el brazo y derecho y la pierna izquierda que tanto le gustaba al artista.

Para finalizar el análisis también hay que destacar el detalle minucioso al que atiende Piero della Francesca. Esta técnica detallista se puede apreciar en las montañas, los árboles y sus hojas…etc.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

UN BAGNO EN ASNIERES de Georges Pierre Seurat

Mon, 31 Aug 2009 14:07:41 +0200

El pintor francés Georges Pierre Seurat pintó el cuadro Un baño en Asnieres, su primera obra de grandes dimensiones en 1884.

El cuadro, perteneciente a la corriente Neoimpresionista esta ejecutado mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y posee unas dimensiones de 200 centímetros de alto por 300 centímetros de ancho.

Nada más contemplar "Un baño en Asnieres", se pueden apreciar los rasgos que caracterizan la pintura de Georges Pierre Seurat. Elementos como el agua y la vegetación nos dan la pista de que estamos ante una pintura del neoimpresionista francés.

Respecto a la obra en sí, ésta representa una imagen cotidiana en la zona de los suburbios de París en Asnieres. Esta zona era a la que acudían los parisinos en los días de primavera y verano para navegar en las barcas o darse un chapuzón en las orilla del río Sena. Si nos fijamos en las ropas así como en el bombín del hombre que aparece tumbado en primer plano, se puede descifrar que las figuras del cuadro representan a los miembros de la clase obrera y el artesanado que vivían en las afueras de París.

La mera contemplación de la pintura nos transmite una sensación de calor propia de una tarde estival. Georges Pierre Seurat no olvida en su obra de incluir detalles urbanos propios de una ciudad desarrollada e industrial como era París en la época y pintará en su cuadro chimeneas y vías ferroviarias entre otros elementos característicos y propios de la ciudad. Aunque Seurat intenta plasmar una imagen realista de la ciudad y de las personas en su tiempo de ocio y en una tarde de verano, su método puntillista hace que las personas se alejen de realidad.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD de J.M.W. Turner

Mon, 31 Aug 2009 13:59:07 +0200

El cuadro Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste es una de las obras más conocidas del pintor romántico Joseph Mallord William Turner.

El artista británico pintó este cuadro mediante la técnica pictórica del óleo sobre tela. Lluvia, vapor y velocidad posee unas dimensiones de 91 centímetros de alto por 121,8 centímetros de ancho. Los expertos coinciden en señalar que probablemente esta pintura se realizó antes de 1844.

El gran ferrocarril del Oeste era una de las diversas compañías privadas de ferrocarril creadas para desarrollar este novedoso medio de transporte en Gran Bretaña. El puente Maidenhead Railway Bridge es según los críticos el lugar que representa la obra, su localización. Este puente se encuentra sobre el río Támesis y une las ciudades de Taplow y Maidenhead.

Turner representa un tren que corre a lo largo de las vías. El paisaje que rodea a esta escena está definido muy vagamente, casi no se aprecia. Esta forma de pintar va a ser una de las características de Turner y podrá verse en alguna de sus obras. Los impresionistas marcarán la pincelada del pintor británico y las repercusiones de éstos se reflejarán en sus obras. Lluvia, vapor y velocidad fue realizado mediante la observación real del puente pero creado en taller.

La indefinición del paisaje y la excesiva luz que provocan los colores elegidos por el pintor británico hace que el cuadro desprenda más emoción que la representación real de un objeto. El tren y el puente se funden con el paisajes y desaparecen dentro del cuadro que aparenta estar cubierto por una niebla entre la que se distingue el vapor de la locomotora.

Finalmente, es de destacar la técnica que Turner utiliza para obtener efectos lumínicos cambiantes. Según los expertos, el creador de Lluvia, vapor y velocidad. El Gran Ferrocarril de Oeste, aplicaba los colores rascándolos hasta extraer del fondo las formas figurativas. A través de esta técnica Turner va a conseguir una textura inconfundible.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MR. AND MRS. ANDREWS de Thomas Gainsborough

Mon, 31 Aug 2009 13:51:51 +0200

Traducido al castellano, El señor y la señora Andrews, es uno de los cuadros más reconocidos del pintor Thomas Gainsborough. Esta obra está ejecutada mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y posee unas dimensiones de 69,8 centímetros de alto por 119,4 centímetros de ancho.

"El señor y la señora Andrews" fue pintado cuando el artista británico tenía unos veinte años, concretamente en 1749.

Thomas Gainsborough es un pintor muy conocido por sus composiciones de retratos con paisajes como fondo y va a evidenciar su intención de juntar los retratos y los paisajes como un nuevo género en un solo cuadro. Hasta entonces se había colocado a los retratados en interiores de palacios y casas pero Gainsborough va a sacar al retratado al aire libre y va a dar importancia tanto al paisaje como a los personajes de la composición.

Según los expertos, el pintor británico sentía una especial predilección por pintar paisajes y es posible al contemplar sus composiciones ver el domino de la técnica en pintar paisajes que esta mucho más depurada que la técnica del retrato.

El cuadro representa a Robert Andrews y Frances Carter. Poco después del matrimonio entre ambos, Thomas Gainsborough los retrató sentados frente a un roble. Robert Andrews aparece de pie y su joven mujer sentada, pero ambos en una postura informal.

El paisaje que aparece de fondo pertenece a la propiedad del matrimonio, una finca llamada Auberies. No cabe duda de la situación de la finca de Robert y Frances debido al paisaje que se extiende en la composición. No cabe duda que es un paisaje de estilo inglés que es inconfundible con otro tipo de paisaje de otro sitio del mundo. En este entorno en concreto, podemos contemplar campos de trigo, árboles en grupo colinas que delimitan el horizonte y que dan sensación de profundidad en el paisaje.

Algo que llama la atención al contemplar este cuadro es que está inacabado y esto se aprecia en el regazo de Frances Carter. Se desconoce el porqué de este vacío. Algunos expertos apuntan que quizá Thomas Gainsborough tenía pensado pintar en ese hueco un animal (que ya en la composición aparecen representados varios), quizá un objeto como un libro o incluso un niño.

Finalmente en cuanto a las tonalidades hay que destacar el azul del vestido de Frances Carter que resalta por encima del resto de colores del conjunto en el que predominan los colores cálidos como el amarillo ye el verde suave.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LOS EMBAJADORES de Hans Holbein el Joven

Mon, 31 Aug 2009 13:43:27 +0200

El cuadro Los Embajadores es una de las obras maestras del pintor Hans Holbein el Joven. Esta pintura pintada al óleo sobre tabla de roble pertenece a la época renacentista y posee unas dimensiones de 209 centímetros de alto por 207 centímetros de ancho.

La pintura ejecutada en 1533, representa a Jean de Dinteville y a su amigo Georges de Selve, obispo de Lavaur. La pintura inmortaliza la toma de posesión de un embajador francés recientemente nombrado en la corte de Inglaterra y la visita que le hace por este motivo su amigo. Aunque después del análisis del cuadro el mensaje que éste nos quiere mostrar es que lo importante en la tierra, no lo es en el reino de los cielos. Lo que hemos hecho en vida, la muerte lo deshace.

En cuanto a los personajes, ambos están apoyados sobre un mueble. Este mueble llama la atención por la cantidad de objetos que se amontonan en él. Al contemplar los objetos se puede apreciar que todos están relacionados con la ciencia y con alguna de sus disciplinas. Así, pueden verse objetos como: utensilios de medición del tiempo, un globo terráqueo, un reloj de arena, un laúd y cuatro flautas en un estuche entre otros.

Pero sin duda lo que más llama la atención del cuadro es un objeto que aparece en primer plano y que se caracteriza por su forma y su difícil interpretación. Según expertos este objeto que parece salir del cuadro y que no tiene relación alguna con el resto de la composición es un hueso de sepia.

Aunque después de diversas investigaciones y comparativas se ha determinado que ese supuesto hueso de sepia es un cráneo muy deformado. En este aspecto hay que señalar que el cráneo hace posiblemente referencia al nombre del artista ya que hohle bein significa “hueso hueco”, según las opiniones de algunos expertos en arte.

En cuanto a las tonalidades y las telas, Hans Holbein el Joven pintará el fondo del cuadro con una cortina de terciopelo verde. La figura de Jean de Dinteville aparece vestida con ropa que denota riqueza como un abrigo de piel. En la cabeza lleva puesta una boina. En su figura destaca una cadena dorada que pende de su pecho con una medalla. Esto es prueba de su pertenencia a la Orden de San Miguel. Georges de Selve por su parte, está totalmente vestido de negro con un abrigo de piel. Su cabeza también estará adornada por un tocado y en su mano derecha sostiene un par de guantes.

En esta pintura podemos reconocer las características típicas de la pintura renacentista. En esta concretamente vemos estos rasgos en la abundancia de los símbolos y las indicaciones ocultas.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA CARRETA DEL MERCADO de Thomas Gainsborough

Mon, 31 Aug 2009 13:30:42 +0200

Thomas Gainsborough pintó la obra "La carreta del mercado" en 1786. Esta pintura es una de sus obras más reconocidas. El pintor británico Thomas Gainsborough llevó a cabo esta obra mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo. Perteneciente al estilo Rococó, La carreta del mercado posee unas dimensiones de 184 centímetros de alto por 153 centímetros de ancho.

A través de obras como ésta y otras de su colección se aprecia como el pintor británico Thomas Gainsborough tenía gran interés por pintar paisajes. Este interés ha provocado que Gainsborough sea célebre por sus retratos y por sus paisajes.

En alguna ocasión ha combinado estos dos elementos desarrollando un novedoso estilo que consistía en sacar a los retratados fuera de las habitaciones y representarles en espacios abiertos donde el paisaje también cobra importancia dentro del cuadro.

La obra "La carreta del mercado" representa como su propio nombre indica una carreta llena de productos frescos. En la parte derecha del cuadro se puede vera un leñador. Esta figura no esta puesta al azar en al composición, ya que será uno de los temas favoritos de las pinturas de Gainsborough. Aunque hay que decir que la figura del leñador y de la carreta se quedan ensombrecidas y “escondidas” por dos elementos: la grandeza de los árboles y los tonos oscuros que se aprecian. Estos dos elementos van dominar la composición en su totalidad.

La carreta del mercado es uno de los últimos paisajes que pintó Thomas Gainsborough en su carrera como artista. La casa de Pall Mall sirvió de escenario para mostrar este cuadro al público por primera vez en 1786, en el mismo año en el que el pintor británico lo pintó.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL SASTRE de Giovanni Battista Moroni

Mon, 31 Aug 2009 13:26:08 +0200

El sastre, es un retrato realizado sobre lienzo por Giovanni Battista Moroni. Esta obra es una de las más conocidas del pintor italiano y posee unas dimensiones de 97 centímetros de alto por 74 centímetros de ancho.

El sastre fue pintado entre 1570 y 1575 siendo este tipo de cuadros, los retratos, la especialidad de Giovanni que pintaba tanto a nobles pertenecientes a la clase alta y ligados a la riqueza, como a artesanos y gente de los niveles más bajos de la sociedad. El pintor italiano va a caracterizarse por su capacidad para plasmar los rasgos más personales de sus retratados captando a la perfección los rasgos psicológicos de los personajes.

Giovanni Battista Moroni nos presenta en su composición a un sastre que se muestra sin ocultar su actividad artesanal, dirigiendo su humilde mirada al espectador. En una de sus manos porta una de sus herramientas de trabajo, unas grandes tijeras con las que corta la tela y con su otra mano sostiene un trozo de tela con intención de cortarla.

Es una escena muy natural con una amplia luz que resalta mucho los colores e ilumina también los gestos del modelo que al mismo tiempo le dota de un cierto atractivo que nada tiene que envidiar a otros retratos de nobles de la época.

La representación de personas humildes y de clase baja en situaciones cotidianas es una de las principales características que van a diferenciar los retratos de Giovanni del resto de retratistas del Renacimiento de la época y que sólo van a pintar a burgueses ya que el retrato era un privilegio exclusivo de la clase aristocrática.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL ESTANQUE DE LOS NENUFARES de Claude Monet

Mon, 31 Aug 2009 13:22:06 +0200

El estanque de los nenúfares de Claude-Oscar Monet es un cuadro que el pintor francés ejecutó tras su traslado a Giverny en 1890.

Giverny, pueblo cercano a la capital francesa, le dio la posibilidad de construir un jardín japonés que le servirá de inspiración para pintar una serie dedicada a este espacio de su residencia a partir de 1906. En esa serie van a destacar las ninfas y nenúfares por encima de lo demás y trabajará en ellas hasta su muerte en 1926.

El pintor francés se sintió siempre muy orgulloso de su jardín japonés y llegó incluso a convertirse en una obsesión para él llegando incluso a afirmar que esta serie que representaban su jardín eran sus obras maestras.

Los problemas de visión en la última etapa de vida del pintor que casi le llevan a la ceguera son visibles en la abstracción que usa en alguna de sus obras y que evidencian esta carencia tan importante para un pintor que Monet intentaba cubrir de esta forma.

Esta obra presenta una de las numerosas versiones del puente japonés que Monet tenía sobre el estanque de su jardín. Es una composición cuidada en la que predomina el color verde en diferentes tonalidades para pintar la vegetación y el agua del estanque. Tiene una iluminación magistral que consigue a través de los contrastes y de la luz del sol que representa el momento del día en que fue ejecutado.

El estanque de los nenúfares, una de las obras más conocidas de Monet, invita al espectador a pasear por el jardín japonés de Monet. Es una obra llena de vida, de luz y de color.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

BACO Y ARIADNA de Tiziano

Mon, 31 Aug 2009 13:11:27 +0200

Baco y Ariadna es un lienzo pintado al óleo del artista italiano Tiziano. Este cuadro fue llevado a cabo alrededor de 1520 y posee unas dimensiones de 176 centímetros de alto por 191 centímetros de ancho y pertenece a la corriente artística del Manierismo.

Baco y Ariadna está considerada como una de las obras maestras de Tiziano y pertenece a un conjunto de pinturas de temas mitológicos cuyo destinatario sería el Duque de Ferrara, Alfonso I de Este.

Originariamente el encargo de algunos de los cuadros de este ciclo se le encomendó a Rafael y a otros pintores de la época pero tras su muerte y tras haber dejado incompletas las obras, el encargo pasó entonces a Tiziano. Durante cuatro años el pintor italiano realizaría tres cuadros mitológicos: la Ofrenda a Venus, la Bacanal y Baco y Ariadna.

El centro del cuadro lo ocupa la figura del dios Baco. Éste se dirige hacia Ariadna que está a la izquierda de la composición. Ariadna tiene el cuerpo orientado hacia el mar que ocupa una parte del fondo en su parte izquierda y que da sensación de profundidad. A lo lejos de ese mar también se puede observar un barco por donde se ha ido Teseo. En el cuadro también se aprecian multitud de figuras que siguen a Baco y que se encuentran a su alrededor, sátiros, ninfas y músicos entre otros.

Según la mitología Teseo abandonó a Ariadna en la isla de Naxos quedándose ella desconsolada. Baco, al escuchar sus lamentos, se hizo cargo y consoló a la joven Ariadna. Fue entonces cuando Baco se enamoró de Ariadna.

En la obra Baco y Ariadna de Tiziano se representa el momento justo en el que el dios del vino llega hasta la joven Ariadna. También con él llega una carroza tirada por tigres, danzantes, sátiros y músicos y que completan la parte derecha del cuadro que aparece desordenada por la cantidad de figuras que aparecen.

En cuanto a las figura concreta de Ariadna, ésta se sitúa en la parte izquierda de la composición mitológica, se observa en ella un gesto de desprecio al que más tarde y según la mitología, se convertirá en su marido.

Finalmente merecen especial atención, como antes hemos adelantado, la parte derecha del cuadro, sus figuras y la técnica pictórica que emplea el pintor italiano. Encontramos a Laoconte con las serpientes rodeando su cuerpo y provocando una sensación de tensión, fuerza y movimiento que recuerda a obras como las de Miguel Ángel.

Es también destacable el color y la luz del cuadro. Llaman mucho la atención y enriquecen mucho el cuadro las tonalidades brillantes y las calidades de las telas. Este estilo va a ser característico de Tiziano y va a considerarse como técnica alusivas a su estilo pictórico.

Consulta más obras de la National Gallery o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA GALERIA DE LOS UFFIZI

Tue, 04 Aug 2009 18:28:42 +0200

La Galería Uffizi, traducido al castellano como la Galería de los Oficios, es un palacete museo en forma de U situado en Florencia, entre el Palazzo Vecchio, el Palazzo Pitti y el río Arno, en cuyo interior se albergan algunas de las más increíbles colecciones mundiales de pintura renacentista italiana, así como antiguas y famosas colecciones de arte de todo el mundo.

Su construcción, de estilo manierista, data de 1560, siendo encargada a Giorgio Vasari por Cosme I de Médicis, el cual quería fundar las nuevas oficinas de las magistraturas florentinas, tras quedarse sin espacio el Palazzo Vecchio. De ahí su nombre de “Galería de los Oficios”. Tras la finalización de las obras en 1581, la Galería de los Uffizi, sirvió durante cierto tiempo como espacio de almacenaje de las piezas de arte de la magnífica colección de la familia y dinastía Médicis, justo antes de su ocaso en el siglo XVIII.

Las obras de arte corrieron el riesgo de ser enviadas a Viena, debido a que el ducado pasó a ser dominio austriaco. Sin embargo, gracias a que la última duquesa Ana María decretó la permanencia de la colección en Florencia, la Galería Uffizi se convirtió en uno de los primeros museos modernos del mundo.

Durante el siglo XVI abría únicamente sus puertas a aquellos visitantes que lo solicitaban, siendo a partir de 1765 cuando abrió oficialmente al público como museo.

Como consecuencia de la enorme y amplia cantidad de obras de la colección, muchas de ellas tuvieron que ser entregadas a otros museos de la ciudad. En la actualidad, la limitación principal de este museo es su escaso tamaño para poder albergar la gran muestra que posee, aunque las remodelaciones de ampliación que se llevan dando a cabo en los últimos años harán aumentar su superficie de exposición, permitiendo a los visitantes el poder contemplar los hasta ahora desconocidos fondos del museo.

Un hecho relevante en la vida de la Galería Uffizi acaeció en el año 1993, cuando explotó un coche-bomba colocado por la mafia en Via dei Georgofili, asesinando a cinco personas y provocando graves daños al palacio, sobre todo en la Sala de esculturas clásicas de Níobe, teniendo su decoración neoclásica que ser restaurada.

La Galería Uffizi es una de las atracciones turísticas más visitadas de Florencia y de toda Italia, pudiendo en temporada alta (especialmente en julio) tener que esperar cerca de cinco horas para poder entrar, por lo que recomendamos reservar previamente, ya sea por teléfono o internet, para no tener que hacer cola.

La exposición de los Uffizi se encuentra distribuida de manera cronológica en las dos plantas de las que consta el museo, comenzando el público curiosamente su recorrido por el segundo piso. Aparecen magníficas obras de Paolo Ucello, Domenico Veneziano, Filippo Lippi y Boticelli. De éste último hay dos obras maestras: El nacimiento de Venus y La primavera.

También hay interesantes lienzos de Leonardo da Vinci, Durero, Correggio, Miguel Angel, Rafael, Tiziano, Andrea del Sarto, Tintoretto, Rubens, Caravaggio, etc.

Entrando por vía Lambertesca, por el ala derecha de la galería, podrás ver expuesta la magnífica colección Contini Bonacossi, donada al museo durante los años 90, la cual amplia de forma considerable el patrimonio y capital del museo, gracias a las terracotas de Luca Della Robbia y a las increíbles esculturas y pinturas toscanas.

Al otro lado, en el ala derecha, podrás ver la sala de las postas reales de la planta baja, la cual es empleada por la asociación Amici degli Uffizi, que organiza asiduamente exposiciones temporales gratuitas sobre diversos temas, como por ejemplo, las últimas muestras de erotismo y autorretratos.

Consulta las obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL NACIMIENTO DE VENUS de Sandro Botticelli

Tue, 04 Aug 2009 18:19:17 +0200

El nacimiento de Venus está considerada como una de las obras de mayor importancia del pintor más influyente del estilo florentino renacentista, Sandro Botticelli. Al mismo tiempo, El nacimiento de Venus es una de las obras maestras florentinas con más reconocimiento en todo el mundo.

Se desconoce la fecha exacta de la composición de la obra aunque según expertos, debió pintarse entre 1482 y 1484. Tampoco está claro y existen discrepancias sobre la persona que pudo encargar esta obra a Botticelli y el cometido de la misma.

El lienzo mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 centímetros de ancho y está realizado mediante la técnica pictórica del temple. La representación microscópica de los detalles y la perfecta proporción de los personajes, dotan a esta pintura de una extraordinaria calidad de estructura rigurosa y llena de movimientos armónicos.

Esta obra expresa simbólicamente el nacimiento de la Venus Humanitas, el nacimiento de la armonía y la unidad. Una armonía y una unidad que se enmarcan dentro de los elementos tierra, mar y aire representados claramente sobre el lienzo.

El título de la obra como es apreciable, no responde a la imagen representada ya que no está pintado el nacimiento en sí de la diosa Venus. El título, pues, no es fiel a la imagen, ya que ésta responde a la llegada de Venus a la playa sobre una concha empujada por el aire de dioses alados bajo una lluvia de flores.

Aunque la diosa Venus flotando sobre una concha es el centro de atención del lienzo, a ambos lados de la misma, aparecen personajes que adquieren gran importancia en el contexto. Uno de ellos es Céfiro, el Dios del viento del oeste. Junto a Céfiro se puede observar a Cloris, la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro. La unión entre Céfiro y Cloris representada mediante el abrazo entre ambos, simboliza la unión de la materia y del espíritu. La lluvia de flores a la que habíamos hecho alusión anteriormente, responde según la leyenda a la posterior transformación de esas rosas en seres.

A parte de Céfiro y Cloris, aparece representada otra ninfa que espera a Venus en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Según los expertos, se trataría de la representación de la estación del renacer, la Primavera.

La ninfa lleva un traje floreado blanco con bordados. En el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, la planta sagrada de Venus que al mismo tiempo, es el símbolo del amor eterno.

Si analizamos a la diosa Venus, vemos como se cubre con su larga y rubia cabellera sus partes íntimas, sujetando con su mano izquierda los cabellos y con su mano derecha, se tapa el pecho de forma delicada. El cabello en la época renacentista va a considerarse como un ornamento claramente erótico. Botticelli, un maestro de la técnica, pinta de forma suave y sinuosa los cabellos de la diosa que parecen acariciar su cuerpo.

En cuanto a la posición de Venus, ésta aparece en contrapposto, es decir, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho más atrasado y un poco levantado. Esta postura recuerda a las antiguas estatuas del helenismo por lo que se considera una actitud inspirada en éstas. Algo que nos puede indicar que las estatuas del helenismo le sirvieron a Botticelli de inspiración, es el color de la piel de Venus. El color marfil con una ligera tonalidad amarillenta sugiere la superficie de una estatua y no la tonalidad de la piel.

En lo referente al rostro, hay que decir que responde a los cánones y al prototipo de belleza botticelliana. La cara de Venus recuerda al de las vírgenes propias de Botticelli que se caracterizan por se muy jóvenes, aparecer con la boca cerrada y los ojos claros.

Venus sustituye a la Virgen y expresa la fascinación de muchos artistas del Renacimiento hacía la mitología. Aquí la diosa no representa por tanto el amor o el placer sino la inteligencia y el saber simbolizados con sus delicada postura y suaves facciones.

Finalmente, sobre el paisaje cabe decir que no recibe un especial interés por parte del maestro Botticelli, algo que es típico de su pintura. En este lienzo, prima el dibujo sobre la imitación de la naturaleza. Los árboles que están representados, forman parte de un pequeño bosque de naranjos en flor. El bosque de naranjos en flor corresponde en la mitología griega al jardín sagrado de las Hespérides. Al mismo tiempo, éste árbol también pueden entenderse como alusiones a la familia Médicis.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA MEDUSA de Caravaggio

Tue, 04 Aug 2009 17:19:34 +0200

La Medusa es un cuadro pintado por el primer gran exponente de la pintura barroca, el artista italiano Caravaggio en 1597.

En la obra se representa la cabeza de Medusa que esta plasmada sobre una tela sobre tabla en forma de tondo (forma redonda). Considerada como la obra más sangrienta salida de los pinceles de Caravaggio, se recrea la figura de Medusa, la bestia mitológica que por ofender a la diosa Atenea, quedó reducida a escoria.

Según la mitología clásica, la figura de la Medusa era un monstruo con cuerpo de mujer y cabellera que en vez de cabello, está compuesta por serpientes venenosas. La mirada de Medusa hacía quedar paralizado a todo aquel que se atreviera a acercarse o mirarla.

Perseo se enfrentó a Medusa usando el reflejo de su escudo de lucha para no quedar petrificado con su mirada. Según la mitología clásica, Perseo decapitó y empleó la cabeza de la bestia mitológica como escudo. A raíz de esta historia, el rostro de Medusa será utilizado como adorno para el escudo en las peleas de la época. Sin embargo el cuadro de Caravaggio no fue empleado como escudo circular para ningún torneo sino que su fin era el de ser emblema para el cliente que encargó la Medusa al pintor italiano.

De la cabeza de mujer y más concretamente de la sangre que le brotaba del cuello, nacería Pegaso, el caballo alado.

Con esta obra Caravaggio consigue evocar la mitología clásica y petrificar la sensibilidad de aquellos que contemplan la obra a través del rostro distorsionado de Medusa, la sangre y las serpientes, se alcanza un gran dramatismo.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA PRIMAVERA de Sandro Boticelli

Tue, 04 Aug 2009 17:02:51 +0200

La Primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Esta obra posee unas dimensiones de 203 centímetros de alto por 314 centímetros de ancho y responde la técnica pictórica del temple sobre tabla.

La fecha en la que se llevó a cabo es incierta y los expertos apuntan varias posibilidades. Algunas corrientes dicen que se pintó entre 1476 1477, otras sin embargo, hablan de fechas cercanas a 1482, es decir, después de la experiencia romana de Botticelli.

El matrimonio entre Lorenzo di Pierfrancesco de Médici y Semiramide Appiani fue posiblemente la causa de este encargo.

Antes de entrar en el análisis detallado de la pintura, hay algo que destaca mucho del cuadro y es su enorme formato en relación con lo habitual de la época. Las pinturas de estas dimensiones, se reservaban siempre para la representación de los temas sacros.

Se trata de una obra de difícil interpretación simbólica y filosófica, para ello es preciso un amplio conocimiento de la literatura y simbología renacentista. La Primavera representa a los dioses clásicos casi desnudos y a tamaño natural. La escena responde a una atmósfera de fábula de carácter mitológico en la que se está celebrando un rito de primavera alejándose así de la pintura religiosa.

Los expertos no se ponen de acuerdo sobre su alegoría y sobre los significados que tiene esta obra. Hay una interpretación clásica que describe las figuras del cuadro empezando desde la parte izquierda:

Mercurio: Este dios se identifica por su calzado con alas. Tiene una actitud de mirar hacía el cielo, que se interpreta como una unión con el más allá. Esta vestido con un manto rojo que cae de forma asimétrica, señal de que se estaba representando una escena mítica.

Las tres Gracias: Están representadas como tres jóvenes casi desnudas y luciendo elaborados peinados. Son las servidoras de Venus y reciben el nombre de Gracias debido, danzando en corro, se las representó en el arte grecorromano.

Cupido: Revolotea sobre la figura central de La Primavera de Botticelli, Venus. Cupido se dedica a lanzar sus pequeños dardos hacía una de las tres Gracias.

Venus: Es eje a la composición. Está representada como una Madonna. Aparece enfundada en un vestido y un manto, que caen de forma asimétrica, como en el caso de Mercurio. Es el centro físico del cuadro y también el centro moral, al simbolizar y ser representada como la creadora de la Naturaleza, que hace nacer y crecer a los seres vivos.

Flora: Es la única figura del grupo que mira al observador y que tiene la intención de esparcir sus flores más allá de la escena meramente representada.

La ninfa Cloros: Flora recoge en su vestido las flores primaverales que brotan de la boca de la ninfa Cloros.

Céfiro: Dios del viento benigno representado con colores fríos mientras busca el amor de la ninfa. Sopla la dulce brisa que hace posible la primavera.

Todas las figuras destacan en la composición por el contraste que ejercen con el fondo oscuro y la claridad de su piel y sus ropajes. Botticelli opta claramente por un formato monumental, con figuras a tamaño natural, y todo esto lo compagina con una gran atención al más mínimo detalle.

Todos los personajes están situados en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médicis. En suelo es una capa de hierba muy oscura con flores típicamente toscanas. También existen otros tipos de flores que Flora porta en su cabeza y ropaje como las violetas.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

TONDO DONI de Miguel Angel

Tue, 04 Aug 2009 16:42:10 +0200

El Tondo Doni es un cuadro del pintor renacentista Miguel Ángel. Esta obra responde a la técnica pictórica de la témpera y el óleo y posiblemente fue pintada entre los años 1503 y 1504. Esta Sagrada Familia tiene unas dimensiones de 120 centímetros de diámetro.

Agnolo Doni fue quien encargaría este cuadro al pintor italiano. Este rico tejedor lo pidió para celebrar su matrimonio con Alex Cecala, una joven proveniente de una famosa y rica familia de banqueros. El cuadro, que tiene forma redonda (de tondo y de ahí el nombre del cuadro) tenía en el Renacimiento relación con el matrimonio.

Algo que diferenciaba a Miguel Ángel de los pintores flamencos era el efecto colorista que conseguía mediante la aplicación de óleo en capas, primero con los colores más intensos hasta llegar los más suaves de la paleta. Los artistas flamencos harían lo opuesto, partirían de los tonos más ligeros a los más oscuros.

El cangianti, es el nombre que se le da al efecto conseguido por Miguel Ángel y que definirá gran parte de su estilo pictórico. Hablando de estilos, a pesar de la prematura fecha en la que fue pintado el Tondo Doni, Miguel Ángel adelanta en la obra el Manierismo, técnica de la que se le considera precursor.

El primer plano corresponde a la Virgen María que aparece girándose sobre sí misma hacia la derecha con el objetivo de entregar la figura del Niño a un San José de enormes proporciones. Miguel Ángel vuelve a utilizar en esta composición algo que le caracteriza, “el equilibrio inestable” que emplea en el Niño.

La figura de San José también está en movimiento siguiendo la estela de las otras dos figuras representadas, la Virgen y el Niño. San José balancea su cuerpo hacia la izquierda, con ese “equilibrio inestable” que Miguel Ángel consigue sin apoyar a San José de manera estable en ninguna parte.

En general, el efecto que se produce en el conjunto de la composición, es un efecto de movimiento, de inestabilidad, de algo que se cae, que puede derrumbarse en cualquier momento. Sin embargo, a pesar de lo inusual de esta técnica para la época, lo más llamativo del Tondo Doni es el friso de desnudos que puede apreciarse en el fondo del conjunto.

Al fondo de la composición se distingue a San Juan y a un grupo de ignudi. El significado de estas figuras desnudas masculinas es objeto de muchas opiniones y reflexiones que buscan dar un significado a estas representaciones, debido a que no existe relación ni antecedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre el primer plano.

Sin embargo esto no debería considerarse del todo sorprendente ya que Miguel Ángel ya habría introducido en otras ocasiones y de manera ilógica figuras desnudas como las que se pueden contemplar en el techo de la Capilla Sextina.

Otro detalle en el que pararnos, es el libro que la Virgen tiene apoyado en las rodillas. Esto simboliza la actividad teológica y divulgativa de los contenidos doctrinales, es decir, la Virgen como heredera privilegiada para difundir la palabra de Dios a el resto de la humanidad.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA LIBERACION DE ANDROMEDA de Piero di Cosimo

Tue, 04 Aug 2009 16:23:46 +0200

La Liberación de Andrómeda es un cuadro del artista renacentista italiano Piero di Cosimo. Fue pintado en torno al año 1513 y responde a la técnica pictórica del óleo sobre maderera. Con unas dimensiones de 70 centímetros de alto por 123 centímetros de ancho, este cuadro se pintará a la vuelta de los Médicis a Florencia en 1512.

Piero di Cosimo colaboró en la ejecución de las pinturas de la Capilla Sixtina debido a su condición de discípulo de Cosimo Rosselli en cuyo honor cambió su nombre. Las fuentes bibliográficas que hablan del pintor, le describen como extravagante y con extraños rasgos en su conducta.

Sus obras pueden dividirse en distintas temáticas: pintura religiosa, retratos, mitología…y esto es provocado por las múltiples influencias que recibió el pintor italiano.

En La Liberación de Andrómeda, Piero juega con la ingenuidad y el erotismo. Es apreciable en esta obra su gusto por los seres extraños característica que hará que los surrealistas le califiquen de excéntrico.

El célebre arquitecto, pintor y escritor italiano Giorgio Vasari será quien aporte los datos más fidedignos sobre la vida y la obra de Piero di Cosimo. Según Vasari La Liberación de Andrómeda es posiblemente su última obra. El cuadro representa a Perseo liberando a Andrómeda del monstruo.

Para Vasari La Liberación de Andrómeda es la obra más bella y mejor acabada de Piero. El cuadro representa el feroz gesto de Perseo que se encuentra sobre un monstruo marino y sostiene una espada en sus manos. Cerca de Perseo está representada Andrómeda. En la parte inferior del cuadro se puede ver a varias personas que con gestos variados que tocan instrumentos y cantan de alegría al ver liberada a Andrómeda.

De este cuadro también cabe destacar el paisaje y los colores empleados que dotan a la pintura de Cosimo de una habilidad extrema. Se representa un paisaje bello y cuidado al detalle y los colores se unen, se fusionan creando un conjunto vistoso y armonioso.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

RETRATO DE LEON X de Rafael Sanzio

Tue, 04 Aug 2009 16:18:03 +0200

El retrato de León X es una pintura al óleo sobre tabla realizada por el pintor italiano Rafael Sanzio. Esta obra data del año 1518 y posee unas dimensiones de 155 centímetros de alto por 118 centímetros de ancho.

La armonía compositiva que desprende la obra hacen de este cuadro una de las obras más admiradas y significativas de Rafael Sanzio.

Los expertos opinan que el artista renacentista realizó de su propia mano y pinceles, El retrato del Papa León X y posteriormente serían añadidos los dos personajes que le acompañan: Giulio de Médici y Lorenzo Rossi como guardianes del pontífice aunque se desconoce la autoría de ambas figuras.

En El retrato de León X, el Papa está representado marcando una acentuada diagonal. Aparece sentado sobre silla frente a una mesa. En la mesa se puede observar un códice, la campana con la que el papa llama a sus sirvientes y un libro de oraciones abierto. En la mano izquierda León X sostiene una lupa.

La figura del Papa centra el retrato del grupo, Luis de Rossi y Giulio de Médici aparecen representados como su escolta real. Algo muy importante en esta pintura es la expresión que muestran las figuras. León X tiene un gesto duro y desprende inteligencia con su mirada. La mirada de los otros dos cardenales es también de destacar ya que destilan interés y sabiduría.

Los hábitos pontificales también llaman la atención en el conjunto por resaltar los variados tonos rojizos que contrastan con el fondo de la obra. La ropa de esta obra que anticipa a la época barroca, dota al conjunto de poder, el poder que posee la figura del Papa.

Por último, hay que hablar del fondo del conjunto. Un fondo que contrasta con el resto de la composición por el contraste que tiene respecto al las figuras representadas en el primer plano. Además se intuye una cornisa que según expertos, hace referencia a la Biblioteca Vaticana, algo que se intuye por la bola del respaldo.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA ANUNCIACION de Leonardo da Vinci

Tue, 04 Aug 2009 15:52:36 +0200

La Anunciación de Leonardo da Vinci, es uno de los cuadros más célebres del pintor renacentista italiano. Esta obra maestra esta pintada mediante la técnica del óleo sobre tabla. La madera de álamo sobre la que está ejecutada la obra, posee unas dimensiones de 100 centímetros de alto por 221 centímetros de ancho.

Se estima que fue realizada entre 1472 y 1475 aunque se desconocen muchos detalles de la misma y hay muy pocas informaciones acertadas de todas las que circulan respecto a La Anunciación de Leonardo da Vinci. Los expertos señalan que esta obra la llevó a cabo Leonardo en colaboración con Domenico Ghirlandaio.

Para hacer esta afirmación se basan en una serie de hechos: la cabeza del ángel aparece pintada con los cabellos de forma compacta y no esfumados, característica típica de Leonardo. También existen características florentinas como que la Virgen esté a la derecha y el ángel se sitúe a la izquierda. Algo que si que se intuye, es que posiblemente La Anunciación de Leonardo sea se uno de los primeros encargos que el artista consiguió mientras estaba en el taller de Verrocchio.

Este cuadro presenta pues la influencia de la pintura detallada de manera realista y del estilo acabado, unas disciplinas adquiridas en el taller de Verrocchio.

El cuadro simboliza de forma clara el tema de la Anunciación, de la venida de Cristo a María por el ángel Gabriel, conforme a la Biblia cristiana. Acontecimiento que se recoge en el Evangelio de Lucas, 1:26-38:

La escena representada en La Anunciación se desarrolla dentro de un jardín de una villa florentina. Aquí encontramos un rasgo muy moderno y nuevo para la época, ya que en la tradición medieval la ambientación era siempre realizada en un interior. Pero Leonardo no se desligará del todo de esta tradición y mantendrá la prudencia del encuentro dejando entrever el lecho y delimitando el jardín a través de un pequeño muro.

Leonardo da Vinci emplea en este cuadro la técnica de la perspectiva aérea que si bien no está del todo lograda debido a la juventud del pintor, si que se aprecia la importancia que se le otorga a este tipo de perspectiva en la que se observa como los detalles más alejados están envueltos en una niebla. Los cipreses del fondo están representados de manera sistemática a través de columnas, algo que parece dividir matemáticamente la escena pintada por Leonardo da Vinci.

La figura de la Virgen aparece con un dedo de su mano derecha sobre la Biblia para marcar el lugar donde interrumpe su lectura y con su mano izquierda, saluda al inesperado mensajero. La Virgen se encuentra en una mesa de mármol que pone de manifiesto las enseñanzas del maestro Verrocchio.

Por su parte, otra de las figuras más importantes, el ángel, aparece batiendo sus alas y porta una azucena blanca en una de sus manos, símbolo de la virginidad de María y de la ciudad de Florencia, mientras que con la otra mano bendice.

A diferencia de los ángeles que se representaban tradicionalmente, no tiene alas de pavo real sino las alas de un pájaro. Se estima que Leonardo copió originalmente las alas de un pájaro en pleno vuelo. Respecto a las alas también hay que decir que las originales eran más cortas, pero fueron alargadas por un artista posterior. Esta modificación acaba con la investigación de Leonardo sobre la anatomía de las aves y con la representación realista del ala.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MADONNA DE SANTA TRINITA de Cimabue

Tue, 04 Aug 2009 15:43:56 +0200

El cuadro Madonna de Santa Trinitá, conocido también con el nombre de Maestà di Santa Trinitá es una obra Cimabue, pintor considerado como uno de los fundadores del arte moderno y según expertos, posible maestro de Giotto.

Esta obra presente en la Galería de los Uffizzi de Florencia, aunque anteriormente estuvo en la Iglesia de Santa Trinitá, es habitualmente comparada con cuadros como la Virgen de Ognissanti de Giotto o la Madonna de Rucellai de Duccio.

Realizada sobre la técnica pictórica de temple sobre madera, ésta acaba de forma puntiaguda y posee unas dimensiones que alcanzan los 385 centímetros de alto por 223 centímetros de ancho.

La Madonna de Santa Trinitá fue pintada entre los años 1285 y 1286 aunque no existe consenso por parte de los expertos y hay otras fuentes que datan a esta obra en 1280. Tampoco se sabe de manera exacta quién hizo el encargo a Cimabue.

El centro de la composición lo ocupa la Virgen que se encuentra sentada con el hijo apoyado sobre sus rodillas, enseñándoselo y mostrándolo a los fieles. El tipo de Virgen representada, es el de odegitria, la Virgen señala al Niño como el camino de la salvación. Su rostro posee unas líneas suaves y dulces a diferencia de los demás rostros de la composición. Se puede decir que la escultura románica presenta aquí su influencia al quedar evidenciadas formas con perfectos matices.

En la zona inferior del cuadro, se pueden apreciar cuatro profetas con actitud de sorpresa seguramente provocada por la aparición de la Virgen con el Niño. Estos cuatro profetas son: Isaías, David, Jeremías y Abraham. Los cuatro presentan rostros llenos de expresión y realismo.

Otras figuras que aparecen en el cuadro son los ángeles representados a ambos lados del trono en el que se sienta la Virgen. Los ángeles aparecen en planos superpuestos y a diferentes alturas rodeando a la Virgen y al Niño.

La profundidad del cuadro de tanta importancia para los pintores de la época aparece representada gracias a la forma del trono donde reposa la Virgen. Otro elemento que dota de profundidad a la composición, es la posición en la que aparecen representados los ángeles.

A parte de la influencia románica anteriormente mencionada, en La Madonna de Santa Trinitá también se aprecia influencia bizantina. El uso del fondo dorado y el heratismo de las figuras representadas, así lo indican. Al mismo tiempo, son otros los rasgos que evidencian esta influencia: el color de la ropa las figuras y la Virgen y el Niño bendiciendo.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA VENUS DE URBINO de Tiziano

Tue, 04 Aug 2009 15:36:22 +0200

La Venus de Urbino esta considerada como una de las obras más espectaculares de Tiziano, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Pintado al óleo sobre lienzo y con unas dimensiones de 119 centímetros de alto por 165 centímetros de ancho, este cuadro fue realizado en 1538 durante la estancia de Tiziano en la Corte de Urbino y es sin duda la Venus de mayor belleza salida del pincel del artista italiano.

Guidobaldo della Rovere, hijo del duque de Urbino, fue quien encargaría esta obra a Tiziano. Aún no se sabe el motivo ni la intención de este cuadro y existen varias interpretaciones sobre el mismo: que responde al retrato de una cortesana de la ciudad, a una alegoría nupcial o que es sencillamente el retrato de la esposa de Guidobaldo.

La Venus de Urbino representa a una joven desnuda recostada en un diván rojo cubierto con una sábana blanca en el interior de un palacete veneciano. La Venus, situada en primer plano, mira de forma directa al espectador con cierta provocación.

Con sus manos sujeta unas flores y se cubre sus partes íntimas, el cabello que cae sobre sus hombros refleja erotismo intencionado por parte del pintor.

La imagen de esta Venus pone en evidencia el alejamiento que quiere plasmar Tiziano del idealismo del Renacimiento italiano. Estaríamos delante de una representación real de una mujer concreta, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza.

Es evidente que la mayor diferencia con la Venus típica y tradicional, es que la joven del cuadro aparece consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez. La joven mira de un modo cómplice y decidido al espectador y algo también a destacar es la situación del pubis de la joven que aparece justo en el centro de la composición.

El color pálido del cuerpo contrasta con la oscuridad del fondo y del colchón. Esta combinación de contrastes persigue y consigue que la mirada del espectador se centre única y exclusivamente en el cuerpo de la mujer. Además el artista proyecta un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus que hace que el conjunto adquiera una mayor veracidad.

Otro elemento a destacar es el perrito que descansa a los pies de la joven. Esta es otra señal de que no nos encontramos ante una diosa sino ante una mujer real, una mujer de carne y hueso. Respecto al perro también hay que decir que es símbolo de fidelidad aunque en la imagen de la Venus de Urbino aparece dormido.

Una vez que hemos analizado el primer plano y a la Venus, hay que hablar del fondo de la estancia. En este fondo se puede apreciar una ventana que permite ver el cielo, un árbol, leves reflejos de una laguna y a dos jóvenes que se afanan en buscar ropas en un arcón.

Finalmente, respecto a la perspectiva, el gran maestro Tiziano no podía descuidarla y en este caso la consigue perfectamente a través de las baldosas, el árbol y la columna situada al fondo.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MADONNA DEL CUELLO LARGO de Parmigianino

Tue, 04 Aug 2009 15:21:30 +0200

La Madonna del cuello largo es un cuadro del pintor manierista italiano Parmigianino. Esta obra que responde a la técnica pictórica del óleo sobre lienzo tiene unas dimensiones de 216 centímetros de alto por 132 centímetros de ancho. Se estima que fue realizado entre el año 1534 y 1540.

Esta pintura es de las más importantes del pintor italiano debido a que en ella plasma su manera de entender el Manierismo. Parmigianino utiliza figuras alargadas que consigue mediante el empleo de lentes aberrantes.

El cuadro representa a una Virgen con Niño, acompañados por ángeles. La virgen sostiene al Niño de proporciones bastante grandes y da la impresión de que puede caerse de un momento a otro. La Virgen aparece sentada en un pedestal y envuelta en lujosos ropajes, alrededor de ella, unos ángeles contemplan la escena y adoran a Cristo.

Esta pintura recibe el nombre de Virgen del cuello largo, debido a que Parmigianino quería plasmar en su obra a una elegante Virgen, algo que consiguió mediante un largo cuello que recuerda a un cisne y una alargada mano de finísimos dedos.

Se puede observar fácilmente que la pintura está inacabada debido a la muerte de Parmigianino en 1540 en rostros como el del ángel de la parte inferior derecha. Con la restauración del cuadro, se llevaron a cabo modificaciones en varios puntos de la obra.

En la parte izquierda del cuadro y al lado de la Virgen, hay una escena misteriosa, enigmática y surrealista que responde a la representación de una fila de columnas de mármol y la figura muy delgada de san Jerónimo quien porta en sus manos la traducción de las Sagradas Escrituras.

Mediante la iluminación el pintor italiano crea contrastes que refuerzan el volumen de los personajes y además emplea la técnica de los paños mojados pegando las telas al cuerpo para mostrar su anatomía.

Las figuras alargadas del Manierismo y de Parmigianino, serán estudiadas y servirán como fuente de inspiración a las figuras estilizadas que pintará El Greco posteriormente.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA VIRGEN DEL MAGNIFICAT de Sandro Botticelli

Tue, 04 Aug 2009 15:11:43 +0200

La Virgen del Magnificat es un cuadro pintado por el maestro renacentista italiano Sandro Botticelli. Está considerado como uno de sus cuadros más destacados. La técnica pictórica empleado en este cuadro es el temple sobre tabla y posiblemente responda a un encargo de algún miembro de la familia Médici o la familia Rucellai.

Pintado en 1481, este tondo (cuadro de forma circular), posee una dimensión de 118 centímetros de diámetro. En toda la obra van a dominar las curvas que ayudan a enmarcar las figuras de manera natural. Las curvas vamos a verlas en los rizos, los brazos, las manos…etc.

El título del cuadro proviene de la escena que él mismo representa. La Virgen compone el salmo Magnificat bajo los dictados de su hijo, que dirige la mano de la Virgen sobre el libro de pergamino. La Virgen María aparece coronada por dos ángeles, figuras que a la vez representarían según expertos a la familia de Pedro de Cosme de Médici.

Su esposa, Lucrezia Tornabuoni, correspondería a la figura de María, Lorenzo de Medici como el joven con el tintero, rodeado por su hermano Giuliano de Medici quien sostiene un libro. Las otras dos hermanas Bianca y Nannina, aparecerían sosteniendo la corona en la parte trasera. El recién nacido sería la hija de Lorenzo, Lucrezia de Medici.

Es visible el tamaño desproporcionado de las figuras. Esto se explica por la tradición que dotaba de mayor importancia a aquellas figuras con mayor tamaño. Los colores del cuadro son muy luminosos y como era tradición en la época, la gran cantidad de pan de oro empleada indica al mismo tiempo, la riqueza del cliente que encargó la obra.

En el fondo se puede apreciar una vista campestre a través de una ventana de forma circular que condiciona la forma circular del resto de las figuras de la obra. El paisaje campestre denota las influencias de la pintura flamenca de artistas como Van Eyck o Rogier van Der Weyden.

Botticelli presta gran atención al detalle como se puede observar en la corona, las orlas de los mantos y el velo, todo esto indica su aprendizaje como orfebre en su etapa juvenil.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MADONNA DE OGNISSANTI de Giotto

Tue, 04 Aug 2009 15:01:49 +0200

La Madonna de Ognissanti es una obra del pintor italiano Giotto. Posee unas dimensiones de 204 centímetros de alto por 325 centímetros de ancho y esta realizada sobre tabla.

A principios del siglo XIV le encargaron a Giotto la realización de un retablo que decoraría el altar mayor de la iglesia Ognissanti de Florencia, y de ahí su nombre. La mayoría de los expertos coinciden en señalar que este retablo fue pintado por Giotto tras su regreso de Asís. Otros sin embargo, sitúan la ejecución de la obra en una época más tardía, entre 1310 y 1315.

En el cuadro están representados la Virgen y el Niño. La Virgen aparece sentada en un trono ornamentado con motivos góticos y al mismo tiempo sostiene al Niño sobre sus rodillas.

Respecto a la Virgen hay que decir que ésta presenta un volumen único que Giotto consigue mediante los pliegues de la túnica. Las telas en La Madonna de Ognissanti van a jugar un papel de gran importancia, Giotto cuidará de manera especial tanto los colores como los movimientos de cada tela.

Por su parte, la figura de Jesús también presenta al igual que la Virgen una fuerte corporeidad y volumen. Jesús aparece vestido con finas telas y bendiciendo con la mano. La mano de Jesús bendiciendo es el punto central de la composición. Alrededor de la parte central de la composición citada, se crea un espacio de profundidad a través de grupos de santos que dirigen su mirada a la Virgen. Cada ángel tiene su propia fisonomía y están colocados en perspectiva.

Por último las otras figuras que aparecen en la Madonna de Ognissanti, son dos ángeles arrodillados que ofrecen jarrones con lirios y rosas a al Virgen como símbolo de pureza.

La obra se caracteriza por su elegancia y luminosidad que viene dada en gran parte por el fondo de color oro que simboliza la divinidad. Aunque quizá lo más llamativo del cuadro y lo más importante a la vez, es la confluencia de miradas hacia el centro de la composición, a través de ello se establece una relación entre todos los personajes que aparecen representados. Al mismo tiempo, la mirada de la Virgen hacia el exterior invita al espectador a formar parte del cuadro.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA MADDONA DEL JILGUERO de Rafael Sanzio

Tue, 04 Aug 2009 14:56:30 +0200

La Maddona del jilguero o Virgen del jilguero, es una pintura al óleo de Rafael Sanzio, reconocido artista del Renacimiento italiano. La obra esta datada en 1505 y posee unas dimensiones de 107 centímetros de alto por 77 centímetros de ancho.

Lorenzo Nasi sería quien encargaría La Maddona del jilguero con motivo de su matrimonio con Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani para la decoración de su palacio y coincidiendo con la estancia de Rafael en Florencia.

El cuadro no luciría mucho tiempo su belleza sobre las paredes del palacio, un terremoto destrozaría años más tarde la pintura partiéndola en 17 fragmentos. La primera restauración del cuadro se le atribuye a Ridolfo del Ghirlandaio, aunque no esta del todo claro.

Los análisis realizados con rayos X permitieron ver las numerosas fracturas que presentaba el cuadro entre las piezas. Entre 2000 y el 2002 se hicieron investigaciones para una nueva restauración, que finalmente terminó en el año 2005. La restauración llevada a cabo sobre la Maddona del jilguero supuso modificaciones en partes del cuadro como el paisaje, el escote del traje de la Virgen y en la oreja de Juan Bautista.

En la obra están representadas las tres figuras (Virgen María, Niño Jesús y San Juanito) dentro de un encuadre geométrico formando un triángulo, tal y como lo hacía con la mayor parte de sus composiciones en las que aparecían Vírgenes.

En la belleza y el humanismo de las figuras y de la composición Rafael Sanzio muestra el estilo que le definiría durante su estancia florentina. A parte de esta belleza y humanismo, se puede decir que la escena está inspirada en Leonardo. Esto se deduce de la composición piramidal representada y de los contrastes entre las luces y las sombras.

Las figuras están situadas dentro de un amplio paisaje con el que se consigue un admirable efecto de perspectiva. El maestro Miguel Ángel serviría de inspiración a Rafael al colocar la figura del Niño entre las rodillas de su madre. Otro elemento a destacar y que realza y aumenta el humanismo antes mencionado, es la relación existente entre los personajes y el dulce y armonioso juego de miradas entre ellos.

A parte de las tres figuras representadas, es preciso detenerse en otros objetos presentes en la composición. Uno de ellos, es el libro que sostiene la Virgen. Esto pone de manifiesto y permite identificar a la Virgen sobre el Sedes Sapientiae (El Asiento de la Sabiduría). También es necesario hablar sobre el jilguero, que al mismo tiempo da parte del nombre a la composición. El jilguero es un símbolo de la futura y violenta muerte de Cristo. En la pintura San Juan aparece ofreciéndole un jilguero a Cristo como advertencia a lo que le deparará el futuro.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA BATALLA DE SAN ROMANO de Paolo Uccello

Tue, 04 Aug 2009 13:41:59 +0200

La Batalla de San Romano es un tríptico del pintor italiano Paolo Uccello y una de sus obras más famosas y reconocidas. Se estima que se llevó a cabo entre 1456 y 1460 aproximadamente mediante la técnica pictórica del temple al huevo sobre tabla. Según expertos en arte, la Batalla de San Romano fue ejecutada poco después de la muerte de Micheletto de Cotignola.

Para Uccello la perspectiva se convierte en un elemento primordial y junto con el movimiento, en toda una obsesión que es claramente visible en las escenas que componen la Batalla de San Romano. Paolo Uccelo identifica claramente la perspectiva con el volumen a diferencia de otros muchos artistas.

En este tríptico, como en otras obras de Uccello, se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas, junto a otros elementos de tradición gótica. Las figuras que representan a los hombres y a los animales son de forma geométrica y altamente precisas, aunque al mismo tiempo se puede destacar en ellas la irrealidad debido a los colores empleados. Los caballos y loa hombres están pintados con colores como el rojo, el blanco y el azul.

El centro de la obra lo ocupa Micheletto da Cotignola que aparece montado en un caballo negro y dando la señal de ataque. Micheletto tiene una actitud de mando y una grave expresión en el rostro, que contrasta profundamente con el gesto embravecido que presenta el caballo. La descripción que Paolo hace de esta secuencia esta considerada como un pretexto para conseguir una expresión totalmente detallada del movimiento surgido de la situación. Gracias al escorzo empleado en la representación de las figuras Uccello consigue crear sensación de profundidad en el espacio.

En la parte derecha del cuadro se puede apreciar como los guerreros esperan el asalto mientras que preparan sus armas. El ejército comienza a moverse, a situarse y a la izquierda, la caballería carga contra el enemigo, esto esta representado mediante la posición de las lanzas que aparecen bajadas y simbolizan la posición de ataque. Estas lanzas y la caballería, van a otorgar la profundidad al cuadro además de un dinamismo magistral.

Los caballos de Ucello plasma en esta obra, van a ser fuente de inspiración para la mayor parte de los maestros del Quattrocento. A través de ellos quieren mostrar su deseo de plasmar la monumentalidad de las figuras y el volumen de las mismas.

También es preciso destacar de esta obra la presencia de los mazzochi, los sombreros florentinos que Uccello pinta de forma detalla. Otro elemento que aparece pintado de forma precisa y minuciosa, son las armaduras de los soldados.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA ANUNCIACION de Simone Martini

Tue, 04 Aug 2009 13:19:34 +0200

La Anunciación es un tríptico pintado por el artista italiano Simone Martini mediante la técnica pictórica del temple. Esta obra esta datada en 1333 y fue ejecutada con la colaboración de Lippo Memmi. Está considerada como una de las obras maestras de la pintura gótica y una de las pinturas más influyentes de Simone Martini.

A diferencia de otras obras cuya fecha de realización y autores queda en el aire y sin confirmar, de La Anunciación de Simone Martini existen documentos que corroboran su fecha de ejecución y autores. En una esquina del cuadro esta plasmada la fecha y la firma de los autores.

Lo que se desconoce es la parte de la obra que realizó cada uno. Tras estudios e investigaciones se ha determinado que la parte central fue realizada por las pinceladas de Simone y Lippo se encargaría de poner color a las figuras de los santos y los profetas.

Este tríptico, llevado a cabo para decorar un altar de la catedral de Siena, posee tres partes diferenciadas. La parte central mucho más alta que las laterales. Posee unas dimensiones de 184 centímetros de alto por 114 centímetros de ancho. Por su parte los compartimentos laterales tienen unas dimensiones de 105 centímetros de alto por 48 centímetros de alto.

La parte central y más amplia es la más importante. En ella aparece representada La Anunciación. En los otros dos compartimentos aparecen San Ansano (izquierda) y Santa Margarita (derecha). Otras figuras que aparecen en las obras son las representadas en los tondos. Son los profetas Jeremías, Ezequiel, Isaías y Daniel.

En la escena central se aprecia la figura del ángel aterrizado, con la capa todavía en movimiento. Las alas están representadas al más mínimo detalle y son de plumas doradas. Por su parte, la Virgen está sentada en un trono. Tiene una actitud de asombro tras ser sorprendida por el ángel durante su lectura. Por ello mantiene una posición tensa tapándose con la capa que le cubre y con un gesto asustadizo en el rostro.

Del ángel Gabriel es de destacar las palabras doradas del Evangelio de San Lucas, que salen de su boca. En su mano porta una rama de olivo. Otro elemento que aparece en esta parte de la composición, es una jarra dorada con algunos lirios, símbolo de pureza y virginidad, y en la parte superior se encuentra la paloma del Espíritu Santo rodeada por cabecitas de querubines.

Todas estas figuras están pintadas sobre un fondo color oro deslumbrante que dota a la obra de una gran espiritualidad.

La figura de San Ansano, patrón de Siena, está representado en la parte izquierda del tríptico. Debido a este cargo, está representado con los atributos que le caracterizan: la bandera de la Resurrección que simboliza la victoria sobre la muerte y la hoja de palma que representa el martirio que padeció durante su muerte.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA ADORACION DE LOS MAGOS de Leonardo da Vinci

Tue, 04 Aug 2009 12:56:25 +0200

La Adoración de los Magos se considera la primera gran obra del pintor renacentista Leonardo da Vinci. Este cuadro responde a la técnica pictórica del óleo sobre tabla. Se estima que la pintura podría haber sido pintada entre 1481y 1482, y posee unas dimensiones de 246 centímetros de alto por 243 centímetros de ancho.

Es una compleja composición inspirada en la Adoración de los Magos del pintor italiano Botticelli y pone de manifiesto el dominio de Leonardo en retratar la anatomía humana.

La Adoración de los Magos fue un encargo de los monjes agustinos de San Donato de Scopeto cuando Leonardo no estaba reconocido como un gran artista. El pintor italiano realizó diversos estudios antes de pintar la obra que nunca completaría del todo. Posteriormente sería el artista Fra Filippo Lippi quien terminase de pintar el retablo que pasaría por diversas manos hasta descansar en la Galería de los Ufizzi.

En este cuadro la Virgen María y el Niño Jesús están representados en primer plano y forman un triángulo con los Magos que aparecen arrodillados en adoración. Detrás de estas figuras hay un semicírculo de personajes que los rodean.

El sentido circular domina y afecta a todos los elementos representados en el cuadro. La posición de las piernas de la Virgen, ligeramente movidas hacia la izquierda, y con la cabeza inclinada hacia la derecha provoca una sensación de movimiento rotatorio del triángulo antes mencionado y formado por la Virgen, el Niño y los Magos.

En La Adoración de los Magos, Leonardo emplea con maestría su juego de luces y sombras y consigue que el espectador tenga una ilusión de profundidad al contemplar el cuadro. También en esta obra se puede observar como Leonardo introduce el claroscuro en las imágenes, lo que más tarde se convertirá en uno de sus elementos diferenciadores.

Respecto al fondo hay que decir que aparecen diferenciadas dos escenas. A la izquierda, un edificio clásico en ruinas y a la derecha jinetes peleando y caballos. También en el fondo se aprecian dos árboles (un laurel y una palmera) que forman una diagonal.

El templo en ruinas puede entenderse como una alusión a la caída del Templo de Jerusalén aunque también puede aludir a las ruinas de la Basílica de Majencio. Por su parte, la escena protagonizada por los jinetes suele interpretarse como un símbolo de locura por no haber recibido el mensaje cristiano.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

BACO de Caravaggio

Tue, 04 Aug 2009 12:45:00 +0200

Baco de Caravaggio, es un cuadro de una excelente calidad técnica realizado al óleo sobre lienzo.

Algunos autores sitúan la fecha de su ejecución entre 1596 y 1598 aunque no se sabe con exactitud. El cuadro posee unas dimensiones de 98 centímetros de alto por 85 de ancho.

Caravaggio pintaría este cuadro poco después de unirse a su primer patrón, el cardenal Del Monte, Caravaggio. Al parecer el motivo de este encargo sería la boda de Cosme II, hijo de Fernando I de Médicis. El cardenal Del Monte se lo pediría a Caravaggio como regalo de boda.

Probablemente nos encontramos de nuevo ante un autorretrato al igual que ocurriría con la obra del mismo autor, Baco enfermo. Esto se deduce de la posición que presenta Baco, una pose frontal que responde a la perspectiva típica del pintor que se mira en un espejo para pintar sus rasgos.

La pintura de Caravaggio representa a un joven dios del vino, Baco, con uvas y hojas de parra en el pelo. La imagen no responde a la manera tradicional de la representación de Baco, sino que en esta ocasión Caravaggio parece pintarse a sí mismo como si se hubiera disfrazado con los emblemas de Baco para expresar a través de esto su propia actitud.

Con esta obra, el pintor italiano continúa su evolución hacía la naturalidad en sus obras. Con ello, pone de manifiesto su maestría a la hora de retratar la realidad mediante la captación espontánea de aquello que retrata.

Baco ofrece una copa de vino con su mano izquierda a modo de invitación y con la derecha se sujeta el cordón de la toga que cubre parcialmente su cuerpo. Tanto las manos como las mejillas de Baco aparecen sonrojadas a diferencia del resto del cuerpo que presentan una total palidez, la enrojecida piel simbolizaría una ligera ebriedad.

La copa de vino que Baco ofrece presenta una cierta inestabilidad e inseguridad, da la sensación de que nos va a volcar la copa encima. Este es otro elemento más que representa la espontaneidad reflejada en el movimiento de la superficie del líquido.

A parte de la figura de Baco y la copa que sostiene en su mano, hay que destacar la magnífica representación del cesto de frutas maduras y la jarra redonda de vino tinto que vuelve a mostrar una vez más la habilidad del pintor italiano para describir los materiales y dar una clara sensación de realidad.

Aunque la figura central del cuadro es el joven dios Baco, para los expertos la fruta y la jarra han relegado a Baco a un segundo plano. En el caso de la fruta, que la mayor parte de la misma no pueda comerse debido a su avanzado estado de maduración, simbolizaría la fugacidad de las cosas mundanas. Por su parte, en la jarra hay que destacar el hecho de que tras la limpieza que se hizo de esta pintura, apareció en el vidrio de la jarra un minúsculo retrato del artista pintando en su caballete.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

AUTORRETRATO CON ISABELLA BRANDT de Rubens

Tue, 04 Aug 2009 12:10:14 +0200

Autorretrato con Isabella Brandt es un cuadro del pintor flamenco Rubens realizado mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 1,78 metros de alto por 1,36 metros de ancho.

En esta obra Rubens se autorretratará con su primera esposa, Isabella Brandt hija de un noble de Amberes. Esta datada en 1609 durante el primer año de matrimonio y pone de manifiesto el bienestar de la pareja. Rubens e Isabella se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes.

En el año en que realizó este cuadro, 1609, el pintor fue contratado como pintor de la corte del archiduque Alberto y su esposa, gobernadores españoles en los Países Bajos.

En el cuadro aparecen referencias al amor como la planta de madreselva que se halla en frente de la pareja y que simbolizaba la fidelidad. Sus manos derechas aparecen unidas e indican que están casados. La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de ambas figuras en el que se cuida al máximo el detalle de las calidades de las telas y de todos los objetos representados.

El cuadro va a poner de manifiesto la influencia de la pintura veneciana, y en concreto de la pintura de Tiziano. Las influencia del artista italiano podrá verse en el colorido intenso de los ropajes (las medias de Rubens) y en el lujoso tratamiento de las telas.

Esta representación detallada de las telas y las cualidades de los vestidos se traduce en su intención de alardear de la riqueza material que poseía. La luz es un elemento importante en la composición. Este cuadro tiene una luz dorada, que recuerda al otoño, y va a caer principalmente en los rostros del matrimonio.

Consulta más obras de la Galería de los Uffizi o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MUSEO BRITANICO DE LONDRES

Tue, 07 Jul 2009 14:47:03 +0200

Londres, como una de las más importantes metrópolis europeas, es considerada una de las ciudades culturalmente activas más significativas del mundo. De entre los cientos de museos con los que cuenta, en el mes de Julio le toca el turno al más importante de todos ellos, el Museo Británico.

Desde su inauguración en 1759, en plena calle Great Russell, con su fachada de estilo neoclásico, es el museo más conocido de Inglaterra, recibiendo durante sus primeras décadas unos 5.000 visitantes al año, sin embargo, actualmente acoge cada año aproximadamente 6 millones de turistas, convirtiéndose en uno de los museos más visitados del mundo.

En sus inicios, el Museo Británico contaba únicamente con algunas curiosidades e investigaciones, como fósiles, alguna escultura, monedas y medallas. Sin embargo, la arquitectura del museo está inspirada en Grecia, con sus grandes columnas jónicas y pórticos. Y a esa cultura quería dedicar sus interiores, alcanzando en la actualidad, y tras haber recuperado miles de piezas donadas y no siendo expuestas todas las obras, una colección con más de 8 millones de objetos, entre donaciones y compras.

El Museo Británico está formado por tres niveles bien distribuidos, centrándose en muchas de las más bellas antigüedades de toda la historia, sobre todo, las pertenecientes a Grecia, Roma y Egipto, con obras tan famosas y espectaculares como los frisos del Partenón.

La sección del Antiguo Egipto es la más importante del planeta después de la del Museo Egipcio de El Cairo. Otras grandes obras exhibidas en el Museo Británico, son las esculturas del Imperio Asirio, las salas egipcias, dotadas de momias, esculturas y una gran cantidad de objetos sustraídos de las tumbas o su pieza más magnífica, la piedra Rosetta, fundamental para la interpretación de jeroglíficos.

De las muestras romanas, su mayor importancia radica en los tesoros y artesanías celtas, tales como el hombre Lindow o la Vasija de Portland. En el espacio dedicado a oriente, podemos encontrar preciosas obras chinas de marfil y porcelana, así como una espectacular y soprendente exposición de dioses hindúes, Buda y otras piezas.

Además de Museo, contaba además, hasta 1973, con la mayor sala de lectura de la Biblioteca Británica. Incluso llegó a albergar el Museo de Historia Natural de Londres, antes de que éste cambiase a su propia sede en el año 1963.

El Museo Británico no ha dejado de abrir ni un solo día, exceptuando durante las dos guerras mundiales, fechas en las que se cerró por miedo a posibles deterioros en sus obras.

La entrada al museo y a gran parte de las salas, como la de lectura, son libres y gratuitos, a excepción de algunas exposiciones temporales.

Consulta las obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA COLECCION STEIN DE ASIA CENTRAL

Tue, 07 Jul 2009 14:44:08 +0200

Sir Aurel Stein fue un arqueólogo muy conocido por sus exploraciones en Asia Central, China e India. La mayor parte de la carrera de Stein se desarrolló asociado a instituciones británicas e indias, consiguiendo la mayor parte de sus colecciones y publicaciones revolucionar los estudios orientales en el siglo XX.

Stein era húngaro, lo que le llevó a una colaboración continua con la Biblioteca de la Academia de Ciencias de Hungría, a la que donó muchas de sus fotos y sus proyectos.

La Colección Stein de la Biblioteca Británica se centra en manuscritos chinos, tibetanos y de Tangut, además de muchos tipos de documentos recopilados en sus viajes por Asia Central en los años veinte y treinta. Fue el descubridor de los manuscritos de la lengua Tocharian, una lengua perdida de los oasis de Tarin Basin y descubrió muchos yacimientos en Irán y Balochistan.

Su mayor descubrimiento fueron las cuevas de Mogao, conocidas como las “cuevas de cien budas”, cerca de Dunhuang. Allí se descubrió el diamante Sutra, el texto impreso más antiguo del mundo, además de otros 40.000 pergaminos.

Muchos de estos increíbles descubrimientos fueron donados a la Biblioteca Británica y ahora pueden contemplarse allí, en la zona central del Museo Británico. Gracias a esta Colección Stein, la Biblioteca Británica es la más importante y la más consultada en este tipo de documentos.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

PIEDRA DE ROSETTA

Mon, 06 Jul 2009 12:54:39 +0200

La piedra de Rosetta es la obra más conocida y visitada del Museo Británico. Su mejor característica reside en que recoge tres modalidades de textos, los cuales han tenido una vital importancia y han sido piezas clave para poder interpretar y descifrar los secretos enmascarados en los jeroglíficos de los antiguos egipcios. Es la piedra más famosa del mundo, junto con la de la Kaaba (en la Meca) y la de Scone (en Escocia).

Grandes estudiosos como Jean-François Champollion (1790-1832) o Thomas Young (1773-1829), expertos en la escritura antigua egipcia, nos enseñaron la que hoy es la joya en la historia del lenguaje y la trascripción. Proeza intelectual como hay pocas comparables.

La piedra de Rosetta es una lámina en granito negro de 756 kg., con diversos epígrafes bilingües (egipcio y griego) referidos a un decreto del faraón Ptolomeo V, con tres caracteres de escritura: egipcio demótico (idioma que entonces no se conocía), egipcio jeroglífico y griego uncial (con letras mayúsculas, era la lengua oficial del Egipto tolemaico).

Con sus 114 cm. de alto, 73 cm. de ancho y 28 cm. de grosor, está formada por 92 renglones, recogidos de manera que los 14 primeros están escritos con caracteres jeroglíficos, los posteriores 32 en signos demóticos, para acabar con los últimos 54 en griego.

La piedra, con su color gris oscuro rosado, tiene una veta rosácea atravesándola, con ciertos residuos marrón-rojizos en el texto, debidos al mineral hidroxiapatita y a ciertas vetas de hierro, resultantes de la aplicación de pigmentos para las pruebas.

La piedra de Rosetta fue encontrada cerca del delta de río Nilo, en la ciudad de Rashid, conocida por los franceses como Rosette, el 15 de julio de 1799, por el capitán de las tropas de Napoleón, Pierre-François Bouchard, en su batalla contra las fuerzas inglesas en tierras egipcias al ser derruida una de las paredes del pueblo. Entre los dos países más cultos de Europa andaba el juego.

La pieza que se encontraba de viaje a Francia, a cargo de los estudiosos del Instituto de Egipto, fue confiscada por los ejércitos ingleses, a pesar de las encrespadas y frenéticas discusiones entre Étienne Geoffroy Saint-Hilaire y el general británico Hutchinson. Desde 1802, la piedra de Rosetta está expuesta en el Museo Británico de Londres, sólo siendo sacada de éste en 1972, con motivo de la celebración del 150 aniversario del descifrado de los jeroglíficos, teniendo como afortunado, el Museo de Louvre de París.

Como detalle interesante, podemos ver en su lateral izquierdo una especie de leyenda realizada en pintura blanca con la inscripción «Captured in Egypt by the British Army in 1801» ('Capturada en Egipto por el ejército británico en 1801'), mientras que en lado derecho existe otra etiqueta, «Presented by King George III» ('Presentada por el rey Jorge III').

A pesar de que los ingleses les robaran la magnífica pieza a los franceses, al menos los galos pueden disfrutar de una reproducción de la misma en el Distrito de Figeac (Lot), la ciudad donde nació Champollion. La obra de granito negro realizada por el artista Joseph Kossuth, no sigue la escala de la piedra original, mide 11 x 8.5 m, y sus tres peldaños llevan inscritos los textos en jeroglífico, demótico y griego. Otra copia también es expuesta en el Museo Egipcio de El Cairo.

El encabezamiento del texto escrito en griego antiguo: «El nuevo rey, habiendo recibido el reino de su padre...» relata la sentencia acerca de la revocación de impuestos establecida por Ptolomeo V, quien establecía que el decreto fuese publicado en el lenguaje de los dioses (jeroglíficos) y en la escritura del pueblo (demótica).

Se demuestra entonces, que el hallazgo de la piedra de Rosetta ha sido un milagro genuinamente laico, pues la lectura de textos egipcios, sumerios y babilonios, amén de persas antiguos, es posible gracias a esta piedra, la cual ha puesto al descubierto más de una posible contradicción bíblica.

A continuación, adjuntamos una pequeña traducción de un segmento del texto de la piedra de Rosetta.

“Bajo el reinado del joven, que recibió la soberanía de su padre, señor de las insignias reales, cubierto de gloria, el instaurador del orden en Egipto, piadoso hacia los dioses, superior a sus enemigos, que ha restablecido la vida de los hombres, Señor de la Fiesta de los Treinta Años, igual que Hefaistos el Grande, un rey como el Sol, gran rey sobre el Alto y el Bajo País, descendiente de los dioses Filopáteres, a quien Hefaistos ha dado aprobación, a quien el Sol le ha dado la victoria, la imagen viva de Zeus, hijo del Sol, Ptolomeo, viviendo por siempre, amado de Ptah. En el año noveno, cuando Aetos, hijo de Aetos, era sacerdote de Alejandro y de los dioses Soteres, de los dioses Adelfas, y de los dioses Evergetes, y de los dioses Filopáteres, y del dios Epífanes Eucharistos, siendo Pyrrha, hija de Filinos, athlófora de Berenice Evergetes; siendo Aria, hija de Diógenes, canéfora de Arsínoe Filadelfo; siendo Irene, hija de Ptolomeo, sacerdotisa de Arsínoe Filopátor, en el (día) cuarto del mes Xandikos (o el 18 de Mejir de los egipcios)”.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MARMOLES DE ELGIN

Mon, 06 Jul 2009 11:52:28 +0200

Los Mármoles de Elgin es el nombre con el que se conoce a una de las mejores colecciones de mármoles provenientes del Partenón griego.

La compilación de obras arribó a Londres entre los años 1801 y 1805 por parte de Thomas Bruce, conde de Elgin, de quien toma su nombre, un oficial británico habitante de la Atenas otomana, quien dictaminó la retirada de las piezas del Partenón. Desde el año 1939, los mármoles de Elgin se exhiben en una sala especial y única dentro del Museo Británico.

En su totalidad, la colección cuenta con más de la mitad de las figuras decorativas del Partenón: 75 m. de los 160 m. del friso original, 15 de las 92 metopas y 17 esculturas parciales de los pedimentos además de muchas otras piezas de arquitectura.

Elgin, así como se hizo con parte del Partenón, adquirió también piezas de algunos edificios más importantes de la Acrópolis ateniense: el Erecteión, en ruinas tras la guerra de independencia de Grecia (1821–1823), los Propileos y el Templo de Atenea Niké.

Dentro de los mármoles de Elgin se incluyen ciertas esculturas provenientes de los pedimentos, los paneles de Metopa que representan las luchas entre centauros y lapitas, además del friso del Partenón, el cual adornaba la parte interior del templo.

Actualmente, y siendo motivo de muchos debates y polémicas entre sí está bien o mal su ubicación, cerca de 2/3 del friso están en Londres, manteniéndose el otro tercio en Atenas. Atendiendo a comentarios y estudios de los expertos, se ha descrito su representación como la procesión de los juegos atenienses celebrados en la capital griega cada cuatro años.

La última parte del friso acaba al este del Partenón personificada mediante dioses griegos recostados a ambos lados del templo con los sirvientes en el centro.

Lord Elgin no es el primero, ni será el último, en disgregar y diseminar los elementos históricos de sus emplazamientos originales. Además, el Museo Británico es dueño de otras muchas piezas y esculturas del Partenón provenientes de otras colecciones no referidas a Elgin.

Elgin, tenía un propósito, y era salvaguardar los mármoles del ambiente contaminado de la ciudad, pero en la actualidad muchas personas y, sobre todo, el gobierno griego, consideran que estas obras se tendrían que devolver a Atenas para mostrarse en el Museo de la Acrópolis. A pesar de ello, el Museo Británico continúa amparándose en su legitimidad a conservar y exponer los mármoles.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

HOMBRE LINDOW

Mon, 06 Jul 2009 11:16:59 +0200

El hombre Lindow, fue descubierto en 1984, en el condado de Cheshire, cuando dos extractores de turba, Andy Mould y Stephan Dooley, trabajaban en la ciénaga buscando piedras grandes o maderas escondidas, sin embargo, encontraron sorprendentemente un cráneo humano. En un primer momento, ambos descubridores pensaron que habían encontrado a un hombre asesinado, y en verdad era así, pero en un crimen acaecido 2000 años atrás.

Tras ser investigado por la policía, llamaron finalmente al cuerpo asesinado del pantano, Lindow Man. Días después, y tras ser analizada la turba por paleobotánicos y biólogos mediante las pruebas de carbono-14, se comenzaron a descubrir las causas de su muerte.

Según éstas, Lindow Man, de unos 25 años, 1,69 m. de altura y 60 Kg. de peso, falleció entre el año 2 a.C. y el 119 d.C.

El examen de los científicos mostró que el hombre Lindow fue liquidado tras recibir en la cabeza tres golpes mediante un objeto contundente, se dice que con una pequeña hacha, así como un fuerte palo en la espalda, lo que le causó la rotura de una costilla.

Pero no esto no fue todo, posteriormente le enrollaron una cuerda al cuello, soga tan fuertemente atada que todavía se encontraba en el fallecido, produciéndole la rotura de dos vértebras. Tras morir, siguió sufriendo los martirios de lo que hacía pensar en venganza, ya que le cortaron la garganta, para posteriormente, ser enterrado en la ciénaga boca abajo.

A pesar de todas estas atrocidades, los científicos revelaron que, días antes de la muerte del hombre Lindow, le habían cortado el pelo, cuidado las uñas y había sido afeitado con tijera, un instrumento inusual de aquel periodo y reservado exclusivamente a las clases sociales más altas. Es decir, dentro de todas las suposiciones, las más admitidas son las que el hombre era miembro de la aristocracia o un condenado de cierta relevancia importancia sacrificado a los dioses.

Al encontrarse desnudo, sus ropajes no pudieron discernir cuál de estas causas es más cierta. No obstante, al ser explorado su interior por lo investigadores, se descubrió que su última comida estuvo constituida fundamentalmente por pan de cereales sin levadura y, más extrañamente, por polen de muérdago, sustancia que causa convulsiones, y que le debió ser suministrada a través de la bebida.

Por lo tanto, la mayoría de historiadores son de la opinión de que Lindow Man fue víctima de un sacrificio humano a los dioses celtas, con el principal propósito de asegurarse una buena cosecha de verano.

Según ciertos relatos, y nuevas investigaciones llevadas a cabo por la arqueóloga Anne Ros, el sacrificio se iniciaba con una hoguera ardiendo en lo más alto de la montaña. En ese ritual, se preparaba un pastel de harina de avena, conocido como bannock, el cual era dividido en muchos trozos, los cuales se guardaban en un saco. Aquella persona que tras meter la mano, elegía el pedazo churruscado del pastel, se convertía en la víctima del sacrificio.

Estos sacrificios a favor de los dioses eran bastante habituales entre los celtas, quienes realizaban estos ritos en honor de sus dioses más temidos: Taranis, Esus y Teutates. Este hecho puede ser el caso de Lindow Man. Primeramente, fue sacrificado a Taranis, donde le dieron tres hachazos en el cráneo. En segundo lugar, sacrificio a Esus, siendo estrangulado y degollado. Finalmente, fue sacrificado a Teutates, siendo puesto en la ciénaga.

Otras especulaciones, basadas en las manos, manifiestan que Lindow Man no era un cualquiera sino un sacerdote celta, también conocido como Druida, o un rey. Sus extremidades no tenían callos, sus uñas estaban limpias y en su cuerpo no se encontraron más heridas que las causadas en la ceremonia del sacrificio.

Es posible que la invasión de los romanos fuese la causa de que los celtas tomasen la medida radical de sacrificar una persona relevante en su conato de tranquilizar a los dioses y conseguir la victoria sobre los romanos. Pero aun así, lo increíble es que Lindow Man eligió morir de esa forma tan brutal y cruel.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL SARCOFAGO DE LA SACERDOTISA HENUTMEHYT

Fri, 03 Jul 2009 19:45:04 +0200

La sacerdotisa Henutmehyt fue enterrada como una auténtica princesa. En el Museo Británico se conservan tanto el sarcófago interior como el exterior, además de todos los tarritos canópicos donde ser guardaban sus vísceras.

El sarcófago interior está cubierto por entero de oro, lo que nos indica la importancia de esta mujer. En el sarcófago, los brazos de Henutmehyt están cruzados sobre su pecho, algo inusual por aquella época. Además, sus manos están representadas en 3 dimensiones, con los dedos cruzados. Además aparece la diosa del cielo Nut, protegiéndola.

La parte de debajo de su cuerpo está dividida en una larga sección vertical por una banda, que además también la cruza varias veces de forma horizontal. Así se divide la superficie en 6 partes. Las 4 de arriba contienen los hijos de Horus, que protegían los órganos internos de la fallecida y que invocaba a Horus para que la protegiese.

En las 2 partes de abajo, sobre los pies, contienen figuras adorando a Isis y Nephthys que también protegían a la fallecida. Su sarcófago es uno de los más bellos de todo Egipto, igualando al de Tutankhamon.

Gracias a los estudios que se han hecho de la momia se ha comprobado el mal estado de salud de la sacerdotisa Henutmehyt. Sus pulmones han sido seriamente atacados por el polvo inhalado en Egipto, algo común por aquella época, pero también se constató que sufría una severa artritis.

También sus riñones se encontraban en mal estado, lo que nos viene a decir que, probablemente, tuviese fuertes dolores al final de su vida.
Sin embargo, en el sarcófago se representa su belleza en apogeo, durante su juventud, dando una imagen idealizada de quien fue.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

OBELISCO DE NECTANEBO II

Fri, 03 Jul 2009 17:06:25 +0200

El Obelisco de Nectanebo II, es un monolito creado en el año 350 a.C., durante el período faraónico de Senedyemibra Najthorhabet, o Nectanebo II (nombre helenizado), el último faraón de la dinastía de reyes egipcios.

Como características técnicas fundamentales del obelisco, destacar el bloque de piedra negro de 2,7 metros de altura, a pesar de que inicialmente sus dimensiones doblaban prácticamente la actual, con más de 5,5 metros.

Aunque este obelisco es más famoso, al ser considerado un símbolo solar, tiene un hermano gemelo. Ambos formaban parte de la puerta del templo de Tot (dios de la Luna y señor de Hermópolis), a los que hacen referencia sus inscripciones, ubicado en la antigua Hermópolis Magna, actualmente ciudad egipcia de El-Ashmunein.

A lo largo de los años, la piedra, desde sus orígenes en el santuario de Tot, ha tenido diferentes ubicaciones hasta acabar en el Museo Británico. Por ejemplo, destacaremos como en 1737, Richard Pococke, uno de los primeros expedicionarios británicos a Egipto, descubrió el obelisco en la ciudadela de El Cairo. Cincuenta años más tarde, gracias a las expediciones de Napoleón en sus descripciones de Egipto, fue catalogada y clasificada.

El año 1801, fue un año crucial tanto para este obelisco Nectanebo II, como para su gemelo y otras obras, algunas tan importantes como la Piedra de Rosetta, ya que fueron trasladadas a Alejandría, para posteriormente ser llevadas a Francia. Justamente ese mismo año, tras firmarse el tratado de Alejandría, los dos obeliscos se enviaron a Gran Bretaña.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MOMIAS EGIPCIAS EN EL MUSEO BRITÁNICO

Fri, 03 Jul 2009 15:05:14 +0200

Las momias egipcias son muy populares en el Museo Británico, siendo siempre las que más visitas reciben, además de ser una fuente de datos científicos que aportan importantes conocimientos en la antropología física, las relaciones familiares, las expectativas de la vida, la nutrición y la salud, además de las enfermedades que les aquejaban y el porqué de su muerte. Por ello, proporcionan muchos conocimientos sobre el complejo proceso de momificación y la vida en el antiguo Egipto.

Antiguamente, la única manera de poder apreciar cualquier dato de las Momias era quitándoles las bandas que las envolvían, pero era una técnica muy destructiva e irreversible. Pero gracias a las nuevas técnicas no invasivas, como los rayos X y los TACs, se ha hecho posible que no se destruyan las momias para conocer sus secretos y así, se exponen actualmente. Gracias a estas técnicas se consigue una visión 3D de todo el cuerpo, que permite visualizar cada características de la momia.

Una de las momias que ha sido recientemente estudiada es la del sacerdote Nesperennub, una de las momias más importantes y que lleva siendo exhibida durante los últimos 100 años. La caja donde se encuentra es una de las más bellamente pintadas y no fue abierta desde que salió de Tebas hace 300 años.

Gracias a las nuevas técnicas de investigación se ha conseguido un molde perfecto de la cara del sacerdote.

Nesperennub vivió sobre el 800 a.C y murió a la edad de 40 años. Su calavera tiene un pequeño agujero debajo de su ojo izquierdo que indica que tenía una enfermedad que le provocaría la muerte.

Después de su muerte se le extirparon todos los órganos a excepción de su corazón, para después embalsamarlo con resina. Su cuerpo fue decorado con joyería (con los rayos X se averiguó que tenía dos anillos y amuletos) y gracias a la decoración de su sarcófago se supo que trabajaba en el complejo religioso de Karnak.

Las imágenes en 3D aportaron otra información valiosa: fue momificado con un bol poco profundo en su cabeza. Lo peculiar es que esto no pertenece a ninguna técnica ritual, sino que probablemente se tratase de algún aparato de trabajo de sus embalsamadores. Pero el cuerpo debió de empezar a descomponerse y para evitar que se notase las irregularidades en su cabeza, se mantuvo el cuenco.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL BUSTO DE PERICLES

Fri, 03 Jul 2009 13:24:31 +0200

Pericles nació el 495 a.C, siendo un importante e influyente político y orador ateniense en los momentos de la edad de oro de la ciudad, convirtiéndose en el principal estratega de Grecia. Pericles fue uno de los grandes dirigentes de Atenas, un hombre honesto y virtuoso, tan importante que se le llegó a llamar “el primer ciudadano de Atenas”, llegando a considerar el periodo en el que Pericles gobernó Atenas como el “Siglo de Pericles”.

La estatua de Pericles se encontraba en la Acrópolis de Atenas. Sólo nos han llegado copias de la cabeza, pero era una estatua de cuerpo entero y estaba hecha en bronce. En ella Pericles estaba representado con los atributos propios del estratega: lanza y casco corintio.

En las copias romanas de mármol se reproduce sólo la cabeza y se muestra sólo como un retrato ideal, es decir, un conjunto de rasgos tipo, en este caso, el del hombre maduro en el apogeo de su vida y facultades, pero sin características propias del propio Pericles.

Aunque es cuestión susceptible de numerosos matices, el aspecto primordial de esta obra de Krésilas consiste en comprender que en la estatua, y más especialmente en la cabeza, los contemporáneos y la posteridad debían reconocer la obra de Pericles, su "ethos", lo mismo que la estatua de Anacreonte hecha por Fidias representa el carácter de la poesía anacreóntica más que los rasgos individuales del poeta. Ese es el objetivo básico, aunque no único, del retrato de época clásica.

El autor de tan afamado busto de Pericles fue Krésilas. Este artista de Kydonia vivió en el siglo V a.C, trabajando en Atenas durante las guerras del Peloponeso, siendo un gran seguidor de la escultura idealizada de Mirón. Por ello, el busto de Pericles lleva el casco Corintio, como símbolo de su posición de estratega. Se han hecho numerosas copias, que se recogen en los Museos Vaticanos, el Museo Británico y el Altes Museum de Berlín.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL TESORO DE OXUS

Fri, 03 Jul 2009 12:04:31 +0200

El tesoro de Oxus de Persia data de los siglos V y IV antes de Cristo y fue encontrado en la región de Takht-i Kuwad, Tadjikistan, siendo la colección más importante de arte en oro y plata del periodo persa de Achaemenid que sobrevive en nuestros días.

En el Museo Británico hay 170 objetos, que probablemente se hallasen en un templo. El tesoro de Oxus contiene muchos tipos de piezas: vasijas, pequeñas copias de carros tirados por caballos, sellos, anillos, diferentes tipos de objetos personales, monedas…

Sin duda, los elementos más destacados del tesoro de Oxus son los brazaletes de oro, donde todavía hay incrustadas piedras semipreciosas. De todos ellos, el Brazalete de Oxus es el más importante. Data del año 500 a.C., en época de la dinastía Aqueménida fundada por Ciro II el Grande, que dominó Persia y gran parte de Mesopotomia desde el año 550 a.C. hasta su caída provocada por Alejandro Magno.

Este magnífico brazalete de Oxus está hecho de oro y en él podemos ver las influencias del arte asirio y urartias. Este peculiar brazalete está formado por dos grifos, donde aparece una criatura mitológica, cuya parte superior es la de un águila gigante, con plumas doradas, afilado pico y poderosas garras, mientras que en la parte inferior hay un león, con pelaje amarillo, musculosas patas y cola.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

GRABADOS DE ALBERTO DURERO

Fri, 03 Jul 2009 11:28:59 +0200

La fama de Alberto Durero traspasó fronteras y épocas gracias a su dominio de las técnicas de estampación y su maestría en el dibujo. Con el desarrollo del grabado se consiguió el primer método moderno de difusión, paralelo a la imprenta en las letras, permitiendo que sus iconografías y composiciones sirvieran de modelo generación tras generación.

Muchos de sus grabados se encuentran en el Museo Británico, siendo el más importante el del Rinoceronte, hecho en 1515.

Se trata de una descripción escrita y un boceto completo, pero el autor nunca vería en realidad al Rinoceronte, sino que se basaría en una obra previa de algún autor para poder realizar la obra.

Se sabe que a finales de 1515, el rey de Portugal, Manuel I, le envió el animal como regalo al Papa León X, pero murió al naufragar el barco.

A pesar de las imprecisiones anatómicas, el grabado de Durero cobró una gran popularidad en Europa y fue copiado en muchas ocasiones durante los tres siglos siguientes. Estuvo considerado una representación fiable de un rinoceronte hasta finales del siglo XVIII.

La vasta obra de Durero abarca también tratados teóricos relacionados con los problemas de perspectiva, conocidos por: "Underweysung der Messung". Alberto Durero estuvo muy influido por la escuela flamenca y la tradición gótica alemana. Pero a comienzos del s. XVI, Durero realiza un viaje al norte de Italia entrando en contacto con Bellini, Mantegna y la escuela veneciana, con lo que asimiló los fundamentos artísticos y teóricos del Renacimiento italiano.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA VASIJA DE PORTLAND

Fri, 03 Jul 2009 10:56:56 +0200

La Vasija de Portland es un increíble vaso romano de vidrio y porcelana del siglo I. Debido a las escenas representadas y al modo de diseño trabajado, se ha datado su construcción en Alejandría entre el año 20 a.C. y el 100 d.C.

Tiene una altura de unos de 26 centímetros y un diámetro de 56 cm. Fabricada en cristal azul violáceo, se encuentra envuelta por un camafeo de cristal blanco encarnando misteriosas escenas de dioses y humanos. En una de ellas, cuenta la historia del emperador Augusto y el dios Apolo, mientras que al otro lado la vasija, se representa el sueño premonitorio de Hécuba acerca de la destrucción de Troya.

Desde 1945, la vasija de Portland se exhibe en el Museo Británico, pero en su larga vida, hay cientos de episodios misteriosos, entre ellos, donde se produjo su primer descubrimiento. Se dice que fue en Roma, alrededor del año 1581, en el sepulcro del emperador Alejandro Severo, sin embargo, no es hasta 1601, cuando se conoce su primera referenciación histórica, cuando la vasija es citada en una carta entre Nicolás Claudio Fabri de Peiresc y el pintor Pedro Pablo Rubens.

Otra leyenda nos revela que la vasija de Portland fue descubierta entre 1623 y 1644, en una zona cercana a Roma, dentro de un sarcófago en el Monte del Grano. Tras pertenecer más de 200 años a la familia Barberini, William Hamilton la compró para llevársela a Inglaterra.

Finalmente, acabó siendo posesión del tercer duque de Portland y Primer Ministro británico, William Cavendish-Bentick, del que le viene el nombre, gracias a que su dueño la cedió al Museo para que la conservara, tras rompérsele la base.

William Lloyd, en plena borrachera un 7 de febrero de 1845, fragmentó la vasija en numerosísimos pedazos, al caérsele una escultura vecina, que hizo que se rompiera la vitrina y la propia vasija de Portland. Un siglo más tarde, la vasija fue reparada, con una restauración final en 1986, cuando se repusieron ciertos trozos que se habían guardado durante más de 150 años. Si se la observa detenidamente, casi no se puede apreciar ninguna señal del incidente o del paso del tiempo.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

BRONCES DE BENIN

Fri, 03 Jul 2009 10:33:57 +0200

Los Bronces de Benin son la suma de una de las mejores series y colecciones mundiales, formadas por más de 1.000 láminas conmemorativas provenientes del palacio real de la capital del Reino de Benin. Datan del siglo XIII, aunque muchas otras se remontan a los siglos XV y XVI. Todas estas placas, como otras muchas obras, fueron decomisadas y confiscadas por los ejércitos británicos durante la Expedición Punitiva en Benin de 1897. Cerca de 200 de estas chapas se donaron al Museo Británico, mientras que el resto de ellas se dividieron entre varias colecciones.

Los bronces de Benin ayudaron en aquella época a conocer más profundamente la cultura africana, ya que antes de su hallazgo, media Europa pensaba que todo el arte africano, a excepción del creado en África del Norte, consistía en un arte salvaje y tribal con poca técnica.

Lo más destacado de estos bronces de Benin es el gran detalle que representan, con su gran pluralidad de escenas, las cuales incluyen todo tipo de diversidad animal, seres humanos y otros acontecimientos normales de la vida en la corte.

Aunque se realizaron a pares, cada uno de los bronces de Benin se efectuó de manera individual. Primeramente, se encontraban como componentes ornamentales al estar clavados en los muros y las columnas del palacete, sirviendo en algunos de los casos como preceptos o disposiciones acerca de reglas de conducta y protocolo.

Al igual que ocurre con los Mármoles de Elgin y su polémica con Grecia, es ahora Nigeria, país en donde se encontraba emplazado en aquel tiempo el Reino de Benin, el que reclama la devolución de la totalidad de los bronces al Museo Británico, tras haberse hecho con 50 de los mismos entre los años 1950 y 1970.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

EL TESORO DE SUTTON HOO

Fri, 03 Jul 2009 10:14:07 +0200

Sutton Hoo ha sido de vital importancia para los historiadores de la Edad Media ya que aportó información de un periodo muy poco documentado en la Historia de Inglaterra, por ello, es uno de los descubrimientos arqueológicos más importantes de todo el Reino Unido (Suffolk).

En 1938, la propietaria del campo en el que se encontró la nave funeraria contrató a un excavador, Basil Brown; bajo la supervisión del Museo de la vecina ciudad de Ipswich, decidiendo excavar las antiguas sepulturas, tras lo cual se abrieron tres túmulos.

Uno contenía tan sólo las cenizas de un hombre. Otro presentaba, junto a los restos de la cremación, fragmentos de objetos preciosos de procedencia bizantina. El tercero había sido saqueado antiguamente, pero era posible apreciar que en el túmulo se había sepultado una barca de ocho metros de longitud.

Allí se encontraron unas monedas de oro del año 625, dentro de un barco de tres metros de largo. Este tenía una cubierta abierta y una cámara funeraria pero se desconoce si llegó a navegar.

Dentro de este barco se encontró el enorme tesoro de Sutton Hoo, cuya gran mayoría de hallazgos se exponen en el Museo Británico. Allí podremos ver desde adornos personales realizados en oro y plata como armas, espadas y cascos, una lira o artículos domésticos como un caldero.

Pero, además, dentro de estos hallazgos del tesoro de Sutton Hoo, se encuentran objetos de muy diferentes procedencias: platos realizados en plata con inscripciones datadas en Bizancio; objetos de plata y bronce más recientes procedentes de la zona mediterránea; algunos arcos encontrados de origen Celta; e incluso, objetos con detalles cristianos.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

COPA WARREN

Thu, 02 Jul 2009 19:43:28 +0200

La copa Warren es un vaso romano de plata semiesférico del siglo I D.C. Este escifo es realmente particular al estar adornado con formas homoeróticas, representadas con una calidad inigualable por dos actos sexuales llevados a cabo entre hombres. Su nombre es debido al primer propietario de la misma en la era moderna, el escritor y experto en coleccionismo Edward Perry Warren.

La copa Warren es obra de un artesano griego a petición de un comprador de la élite romana fuertemente helenizada. Está formada por cinco piezas: un cuenco exterior grabado finamente, tallado después con las figuras en bajo relieve, un cuenco interior de plata liso rodeado de un borde macizo, un pie hueco de plata maciza, y dos asas que actualmente han desaparecido.

Aunque la homosexualidad era frecuente en el arte romano, no se han conservado muchas piezas con escenas del amor entre hombres, de ahí su peculiaridad.

Esta copa fue empleada en convites y fiestas durante un cierto tiempo, lo que le ha acarreado la perdida de dichas asas o el dorado de los detalles. A pesar de que se hubiera realizado una copa similar, con el propósito de ser usadas por parejas, amantes o matrimonios, sólo se conoce la conservación de una de ellas.

Para explicar su particularidad, la copa Warren tiene en una de sus caras la grafía de una pareja practicando sexo anal. La representación viene marcada por un hombre sentado con barba, denominado erastés o participante activo, junto a un chico joven, eromenos o catamita, quien sostiene una cuerda colgada del techo. A su lado, un esclavo, quien tras una puerta, espía y observa de manera encubierta al estilo voyeur. En el otro lado de la copa, la escena de dos hombres jóvenes recostados lateralmente manteniendo un acto sexual.

Ambas escenas, con hombres portando coronas de laurel, nos muestra la modalidad de las convenciones griegas, rodeados de lechos, telas plegadas e instrumentos musicales como una lira o un aulos.

Warren obtuvo la copa en 1911 de un comerciante romano por un precio de 2000£, quien la había hallado en Bittir, cerca de Jerusalén, junto a monedas del emperador Claudio, ocultada durante la primera guerra judeo-romana por su antiguo propietario.

Únicamente el mercado de colecciones privadas ha salvado muchos de los objetos y obras homoeróticas, y la copa Warren no es menos, ya que no recibió el análisis de expertos hasta 1993, debido a la controversia del tema simbolizado. Por ejemplo, los Estados Unidos prohibieron su entrada durante los años cincuenta y algunos museos, incluso el Museo Británico, se negaron a exponerla debido a que era considerada inexhibible.

Tras el cambio en la mentalidad de la gente respecto a la homosexualidad y a la muerte de algunos de los coleccionistas de este arte, muchas de las obras, comenzaron a ver la luz. La copa Warren comenzó a ser expuesta al público, gracias al préstamo de su dueño, en las exhibiciones del Museo de arte antiguo de Basilea y el Museo Metropolitano de Nueva York.

Tras ser tasada por expertos en varias ocasiones, la copa Warren pertenece desde 1999 al British Museum, costando 1.800.000£ (con aportaciones del Heritage Lottery Fund y el National Art Collections Fund), en uno de los mayores desembolsos producidos por un solo objeto. Su mejor muestra ocurrió en el 2006, con la exposición "La copa Warren: Sexo y sociedad en las antiguas Grecia y Roma".

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LOS BAJORRELIEVES DE LOS PALACIOS DE NINIVE Y NIMRUD

Thu, 02 Jul 2009 18:47:44 +0200

Nínive era una importante ciudad asiria, cercana a la actual Mosul en Iraq. Se encuentra en la orilla oriental del Tigris, a lo largo del cual se extiende durante 50 kilómetros, con una anchura media de 20 kilómetros o más desde el río hasta las colinas del este. Toda esta extensa área es ahora una inmensa zona de ruinas.

En cuanto a Nimrud fue una de las capitales de Asiria, junto con Assur, Nínive y Dur Sharrukin. Está situada junto al río Tigris, a unos 30 km al sudeste de Mosul.

Los asirios desarrollaron un gran imperio y se harán con el poder de Mesopotamia. Se trata de una monarquía militar. Los reyes más importantes son: Assurnasirpal II (s. IX, 883 - 859), quien instaura la capital en Nirnud; Salmanesar III (858 - 824) y mantiene la capital; Sargón II el Grande(721 - 705) que sitúa la capital en Khorsabad; Senaquerizo (705 - 631) que trasladan la capital a Nínive; y Assurbanipal (669 - 626) que mantienen la capital en Nínive.

En cuanto a la arquitectura asiria, nos ha llegado poca pero, en general, está relacionada con la sumeria. La más significativa es la arquitectura religiosa junto con la palatina. Los palacios, que eran amurallados, se construyeron sobre terrazas. Las estancias de los palacios se desarrollan en torno a patios. Mientras que la escultura Asiria es lo más se desarrolló, la mayoría en el interior de los palacios.

Los bajorrelieves de Nínive y Nimrud se llaman "ortostatos", hechos en piedra, mármol o alabastro yesoso. Se completaban con pinturas cuya finalidad era básicamente propagandística, pretendiendo realzar la figura del monarca. Los temas están en relación a esta finalidad ya que la temática religiosa es secundaria. Por tanto, predominan las acciones bélicas y los temas de caza, para exaltar la fuerza y el valor del monarca.

Las principales características del relieve son que las figuras se representan especialmente en tres cuartos y en ellas se pretende captar el movimiento, siendo más visible en los animales que las personas. Todos los relieves son narrativos y en ellos se busca el detallismo.

Las figuras más famosas son el toro alado que eran genios que protegían al palacio. El toro está representado de frente y a la vez de perfil, por eso tiene cinco patas, de frente está quieto y de perfil está andando. Otra característica importante son las alas: están hacia atrás y en posición horizontal. La cabeza es humana, con melena y barbas largas y tocado con cuernos, lo que le relaciona con la divinidad.

En cuanto a los relieves de los palacios son todos muy parecidos. Son frisos continuos esculpidos en bajorrelieve en los que siempre se representa al rey luchando, cazando, victorioso, etc.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LAS HUELLAS DE BUDA

Thu, 02 Jul 2009 17:05:11 +0200

Las huellas de Buda están representadas en un gran panel de piedra caliza, procedentes de la Gran Stupa de Amraravati, Andhra Pradesh, en la India. Se estima que son del siglo I a. C.

Pertenecen al periodo más temprano de la escultura budista en India, en el que Buda no es representado con forma humana. En su lugar se le indicaba a través de símbolos anicónicos, es decir, sin una decoración figurativa.

En la escultura budista, los pies representan el fundamento de lo trascendente, y han sido objeto de respeto en India. Se espera que los devotos lleven los pies desnudos en templos, capillas e incluso casas privadas.

La divinidad ha sido siempre indicada por símbolos especiales en la escultura budista. En el centro de cada pie podemos ver la dharmachakra, la rueda de la ley. En ella aparecen ocho radios que representan el noble camino polifacético del budismo. Se dice que son puntiagudos para cortar la ignorancia. También se entiende que la figura en su totalidad es un círculo (chakra) que representa la perfección de la enseñanza del dharma. En el centro está disciplina, la cual es esencial en la práctica de la meditación y el aro que une los radios, se refiere a la conciencia que sostiene todo el conjunto.

En los talones de las huellas de buda están los triratnas, flanqueados por simples esvásticas de ángulos cuadrados. El triratna representa las tres joyas del budismo: el mismo Buda, su dharma (enseñanzas) y el sangha, la comunidad de monjes.

En el área sobre los dedos del pie están grandes esvásticas ensortijadas entre dos emblemas con forma de reloj de arena. Un elaborado borde de capullos de loto y flores rodean las huellas. Sus vástagos ondulados emergen del lado izquierdo del panel de la boca de un makara (criatura acuática mitológica). En el ángulo derecho inferior del relieve se sienta un grueso enano.

Consulta más obras del Museo Británico de Londres o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

MUSEO DE ARTE MODERNO DE NUEVA YORK - MoMA

Fri, 29 May 2009 14:34:18 +0200

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, o más comúnmente conocido como MoMA, nació en 1929 y es de visita obligada en la ‘Gran Manzana’. Su creación se forjó gracias a la alta y rica aristocracia neoyorquina que suspiraba por contar con un espacio expreso sobre arte moderno.

Así comenzó la vida de esta importante galería, que por aquellos tiempos contaba únicamente con una planta del edificio Heckscher y reunía obras de arte consagradas pero lo más destacado que ofrecía era sobretodo, el dar cabida a artistas del momento que no gozaban aún de reconocimiento.

Debido a esta política más de centro o local de arte que de museo, el MoMA se fue haciendo con algunas de las obras más importantes de la historia del arte, muchísimo antes de que cualquier persona u otros museos del mundo se hubieran fijado en ellas.

De esta manera, la colección de obras del MoMa se incrementa tanto y de artistas de un prestigio tan sumamente importante, que a partir de 1950 comenzó a marcar tendencia, convirtiendo a Nueva York en el centro y nueva capital mundial del arte.

Ya se decía que todo lo que el MoMA compraba significaba calidad, así que si el Museo te tocaba, el lanzamiento a la fama como artista vendría de inmediato.

La colección permanente del MoMA abarca más de 100.000 pinturas, dibujos, esculturas, fotografías, grabados, objetos de diseño, maquetas y planos arquitectónicos.

Respecto a la importancia e historia que posee en pintura y escultura, su colección parte desde la época del postimpresionismo, con magníficas obras de Toulouse-Lautrec, Gauguin, Seurat, Van Gogh, etc., hasta el momento actual.

De la pintura y las vanguardias hasta los años 50, el MoMA cuenta, por no decirlo, con una de las mejores colecciones del mundo. Entre sus paredes podemos contemplar las excelentes obras de todos los pintores de este período de la historia, desde Kandinsky hasta Klimt, o desde Mondrian hasta Léger, no falta ninguno.

A modo de ejemplo, hasta el Guernica de Picasso estaba en el MoMA antes de ser trasladado finalmente al Reina Sofía.

En las últimas décadas, el MoMA está siendo uno de los principales promotores de arte, contando con todo tipo de estilos y tendencias, tales como el expresionismo abstracto o el pop art.

A día de hoy, el MoMA sigue ampliando e incorporando obras a sus colecciones, siendo un referente a nivel mundial.

Consulta las obras del Museo de Arte Moderno de Nueva York - MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

Más información sobre el Museo de Arte Moderno de Nueva York - MoMA en su página oficial.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON de Picasso

Fri, 29 May 2009 13:44:50 +0200

Pablo Picasso abandonó con el cuadro de las señoritas de Avignon, los temas más sensibleros de sus épocas azul y rosa a finales de 1906. Buscó entonces la justificación 'ancestral', inspirándose en la pintura romántica (tan abundante en Cataluña) y en la escultura ibérica.

Hay que decir que ambas manifestaciones del remoto pasado artístico español le daban una coartada a Picasso para ser un pintor moderno sin dejar de ser fiel a su origen nacional. Pero eso no basta para explicar la violencia innovadora de las Señoritas de Aviñón.

Parece que el tema de la obra surgió como una especie de homenaje a Casagemas, un amigo de Picasso que se había suicidado por amor hacía unos años: en efecto, algunos bocetos preparatorios nos muestran a un joven, con una calavera en la mano, penetrando en una habitación donde había varias mujeres desnudas. Era un Memento mori, una evocación de la muerte en lugar del placer.

Todas las implicaciones moralizantes desaparecieron en la obra final, donde hay solamente cinco mujeres en posturas insinuantes (se supone que estarían en un prostíbulo de la barcelonesa calle de Avinyó).

El hipotético actor masculino es ahora el espectador. Como una especie de punto intermedio entre el interior y el exterior, en la parte más baja del cuadro, hay un frutote. Todo está violentamente geometrizado, a base de triángulos, con agudos esquivamientos, y no es fácil determinar en todos los casos los límites entre el fondo y la figura.

Una cierta diferencia de estilo entre las dos mujeres centrales (más clásicas), y las otras tres, a derecha e izquierda (más violentas), ha hecho pensar en la influencia combinada de arte ibérico y de las máscaras africanas.

Con este trabajo, tan alejado de la tradición occidental. Picasso sentaba las bases de una pintura completamente nueva: el cuadro se regía por leyes que nada tenían ya que ver con las de la perspectiva renacentista.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

ANDY WARHOL

Thu, 28 May 2009 19:29:19 +0200

Andy Warhol está considerado el artista más provocador del siglo XX. Más que Duchamp, más que Dalí, más que Basquiat. Ningún otro intrigó tanto a los críticos y sedujo tanto a la opinión pública.

Las obras de Warhol son, aún hoy, un motivo de agrias discusiones. No faltan los que se resisten a considerarlo un artista. Para muchos sólo es un personaje, un mercader que hacía cuadros, pero no obras de arte. Pero muchos otros lo consideran un genio, una auténtica revolución del arte. Según estos últimos Warhol es, junto con Picasso y Dalí, el trío de genios indiscutibles del siglo XX.

¿A qué se deben opiniones tan alejadas? ¿Cuál es el motivo por el que unos lo adoran y otros tantos lo odian?.

Sopa Campbell
Cuando Andy Warhol presentó este cuadro en la Ferus Gallery de Los Ángeles de 1962, los críticos de arte pensaban que era una broma.

Le preguntaron al marchante, pero éste no supo responderles. Para muchos estaba claro: es una broma o un truco publicitario de los de Campbell, que le han pagado a Warhol para que pinte sopa. Con este cuadro, el artista y su sopa regeneraron, y con bastante ingenio, el género de la naturaleza muerta.

En este género, los objetos respondían a una clase social determinada, representando el lujo aristocrático burgués o la austeridad y espiritualidad del ámbito monacal.

Más adelante, también hubo naturalezas más simples, más humildes, pero igualmente bellas. En los años 60 el bodegón era un recuerdo del pasado. Así, Warhol recupera este género con un tratamiento muy original, en vez de frutas o magníficos despliegues de alimentos, pintó sopa; un alimento típico de la época en que se encontraba, enlatado y listo para comer. En Treinta y dos latas, por ejemplo, hace un claro guiño a los escaparates barrocos.

Marilyn Monroe
Andy Warhol dedicó muchas obras a Marilyn Monroe después de su trágica desaparición, pero no pensando en ella como un sex-symbol, sino formando parte de un ciclo sobre la muerte.

Este es el inicio de la serie de Warhol, Muertes y Desastres. Aún hoy hay que admirar la genialidad de Warhol: junto a los cuadros de sillas eléctricas y suicidas, incluyó más de cincuenta retratos de Monroe. Un tratamiento de la muerte insólito y descarado.

El retrato siempre fue uno de los géneros favoritos de Warhol, y uno de los que más éxito le dio. Funcionó especialmente bien con el mundo cinematográfico, algo que no deja de ser paradójico. Personas que vivían de que se las retratara delante de una cámara se convertían en verdaderos mitos cuando Warhol las plasmaba en el lienzo. Y más curioso aún: hacía los retratos a partir de fotografías.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA de Salvador Dali

Thu, 28 May 2009 17:40:13 +0200

Dalí convirtió los factores del absurdo y la locura simulada en un principio, más que cualquier otro surrealista.

La técnica de Dalí era brillante, propia de un clásico, correcta hasta la pedantería. Lo desagradable y obsceno, lo satánico y monstruoso se presentaban en una forma teatral. Sin embargo, usó el detalle naturalista para transmitir contenidos de una naturaleza monstruosa y antinatural.

La esencia de su arte, que Dalí denominó “paranoico-crítico”, era una exageración alucinatoria. No obstante, el arte de Dalí despliega claramente una gran cantidad de referencias y alusiones históricas, sobre todo a la pintura manierista, y finalmente, también fue incapaz de evitar la ineludible trasformación de un anti-arte en una forma de arte “positiva”, por así decirlo.

En La persistencia de la Memoria juega con el contraste entre lo duro y lo blando, incluyendo un variadísimo repertorio de símbolos psicoanalíticos.

También aparecen interesantes objetos “de funcionamiento simbólico”. Con el método paranoico- crítico, lo que hacía, en la práctica, era que una representación contuviese también otra completamente diferente.

Lo que la cámara de cine podía mostrar con el movimiento y el tiempo, aparecía en el espacio del cuadro de modo simultáneo. Esto aparece en su artículo “el asno podrido”, en él se refería a ello diciendo: “La obtención de una tal imagen doble ha sido posible gracias a la violencia del pensamiento paranoico que se ha servido con astucia y habilidad de la cantidad necesaria de pretextos, coincidencias, etc… aprovechando para hacer aparecer la segunda imagen que, en este caso, ocupa el lugar de la idea obsesiva”.

El óleo de La persistencia de la memoria, de dimensiones 24x33 cm. fue comenzado a pintar por Dalí en el taller de Portlligat en Cadaqués, cuando sólo tenía 27 años y en plena época surrealista.

En la primera etapa del trabajo, Dalí encuadra el escenario de la obra, es decir, las rocas del litoral del Cap de Creus, la playa, el mar o el cielo, junto a otros elementos de la pintura como sería la forma adormida localizada en el centro del cuadro y que podría ser un autorretrato del propio artista.

En el año 1931, Dalí y Gala viajan a París junto con el cuadro, aún inacabado para no retornar ya nunca más.

La obra se finalizó en la capital francesa un día en el que el pintor, como el propio Dalí explicó, se había citado con unos amigos para ir a ver una película al cine.

Pero el pintor se sintió cansado esa tarde y prefirió quedarse en casa descansando, mientras que su mujer salía con sus amigos. Cuando Gala volvió, Dalí había acabado el cuadro, gracias a una lucidez e inspiración producida, según sus propias palabras, por la visión de “dos relojes blandos, uno de los cuales colgaba lastimosamente de una rama de olivo”.

Al volver Gala, Dalí le mostró la obra concluida y le preguntó si con el paso de los años podría olvidar aquella imagen. " Nadie la podrá olvidar nunca una vez vista", fue la respuesta de la esposa.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA NOCHE ESTRELLADA de Vincent van Gogh

Thu, 28 May 2009 16:36:48 +0200

Vincent van Gogh ha pasado a la historia y a la leyenda como arquetipo del artista aislado e incomprendido. Pero la obra fulgurante de van Gogh en sus últimos años, aunque creada esencialmente en soledad, arranca del contacto con otros pintores en París desde 1886.

Allí aprendió las técnicas impresionistas y entabló amistad con Émile Bernard, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin o Paul Signac, entre otros.

Cuando se trasladó a vivir a Arlés en 1888, había asimilado estas influencias, integrándolas en un estilo personal, que después de su muerte se convirtió en estímulo para los pintores fauves y expresionistas.

Van Gogh se resistía a pintar composiciones de tema cristiano de su propia invención: pero no renunció a copiar cuadros religiosos de Rembrandt o Delacroix, ni a introducir un simbolismo místico latente en sus retratos y paisajes.

El tema de la noche estrellada le sirvió en este sentido. Ante todo, era un desafío a toda concepción estrictamente óptica y naturalista de la pintura; pues la oscuridad de la noche roza los límites de lo representable.

Además, el nocturno podía expresar la superación del tiempo y el anhelo de eternidad. Van Gogh creía que la muerte podía ser sólo el umbral de otra vida, el comienzo de un viaje a las estrellas, donde se continuaría la existencia en un nivel superior (en sus cartas compara el cielo estrellado con un mapa con las ciudades a las que uno puede dirigirse).

Este paisaje, pintado desde su propia ventana en el asilo psiquiátrico de Saint-Rémy, Francia, en junio de 1889, justo 13 meses antes de su suicidio, es una imagen de la muerte, pero no un memento mori pavoroso ni un Apocalipsis donde el cielo se viene abajo, como a veces se ha interpretado.

Van Gogh no quería pintar la noche en blanco y negro, como ausencia de color, sino con colores más intensos y exaltados que el día, entre los que predominan el verde y el azul. Con tales colores pretendía conjurar el terror y ofrecer una imagen embellecida, eufemística, de la muerte como promesa de paz y vida eterna.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

FORMAS UNICAS EN LA CONTINUIDAD DEL ESPACIO de Humberto Boccioni

Thu, 28 May 2009 14:23:21 +0200

Humberto Boccioni fue uno de los fundadores del movimiento futurista italiano, que nació en 1910, rechazando el pasado y con la inspiración de la tecnología, la vida moderna, el dinamismo, la nueva realidad de la ciudad urbanita e industrial.

El futurismo se asienta en dos manifiestos de 1910, el 'manifiesto de los pintores futuristas' y el 'manifiesto técnico del movimiento futurista'.

En ellos predican la liberación de los modelos y los modelos figurativos, que quieren romper con el pasado, centrándose en el mundo contemporáneo, donde la ciudad y los automóviles se convierten en una realidad caótica.

Aunque herederos del cubismo, lo consideran excesivamente estático, evitan la línea recta y utilizan la técnica de los colores complementarios para obtener un efecto de vibración en sus cuadros.

En la escultura Formas Únicas en la Continuidad del Espacio, se representan las dos máximas del futurismo, la simultaneidad y el dinamismo, por ello se captura el espacio, el movimiento de la figura y, con ello, el tiempo.

En esta obra está representado un hombre, una figura heroica que avanza al futuro, y en su movimiento queda reflejado su movimiento, su estela se mantiene, resplandeciente. Se parece a una máquina, ya que se representan las formas angulares gracias a la superficie pulimentada.

Boccioni acentúa la sensación de espacio y movimiento en Formas Únicas en la Continuidad del Espacio por la multiplicación de las formas, como extensiones, como ropajes movidos por el viento en contra. Esto se traduce en la sensación de que la figura, humana pero maquinizada, avanza con fuerza.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA TORMENTA de Edvard Much

Thu, 28 May 2009 14:07:18 +0200

Edvard Munch nació en Noruega, país nórdico desprovisto de una gran tradición artística.

Su formación inicial fue convencionalmente académica, y sólo empezó a orientarse por los nuevos derroteros tras su primer viaje al extranjero, a Bélgica y París, en 1885.

Munch, tras descubrir fascinado la pintura de Manet, acusó el impacto de los grandes maestros simbolistas. De ellos tomaría un gusto peculiar por los temas “literarios”, cargados de sugerencias biográficas y de sentimientos extremos.

Munch se vinculó con fuerza al ambiente artístico alemán desde que expuso por primera vez en Berlín en año 1892, provocando una verdadera tormenta en los ambientes artísticos más progresistas de aquella ciudad. Él fue, sin duda, un estímulo para el futuro desarrollo del expresionismo alemán.

De entre todos los movimientos de las vanguardias históricas, el expresionismo es el más difícil de definir y delimitar. Esto se debe, en primer lugar, a que desde muy pronto se empezó a calificar de expresionistas a manifestaciones artísticas muy variadas, tanto por su orientación temática como por su adscripción estilística.

Para muchos críticos y artistas que vivieron en los años diez y veinte, expresionista era casi todo lo que no podía reclamarse heredero del naturalismo impresionista. De ahí la posibilidad de confundiros con otros ismos muy bien caracterizados de las primeras décadas del siglo XX.

El expresionismo mostró perfectamente el lado oscuro de la conciencia humana, enfatizando lo trágico y sombrío, lo antisocial y lo degradado. Estas y otras características se dieron casi simultáneamente en diversos artísticas de diferentes países.

El rasgo característico de Edvard Munch es su preferencia temática por la enfermedad, el deseo insatisfecho, la soledad, y el miedo: ésta es la impresión que se desprende muchas veces de sus parejas de amantes o de personajes individuales.

El paisaje o los objetos que rodean a estos seres armonizan con sus emociones contribuyendo a reforzar la sensación de amenaza.

La tormenta representada en el cuadro del mismo nombre, La tormenta, es un tormenta de verano, pero en la pintura no aparece, ni siquiera su rastro; la tormenta en este caso es interna, de estrés y ansiedad psíquica.

Al lado del lago, una mujer se coge la cabeza entre sus manos, las mujeres al lado de ella, parecen preocupadas.

La mujer del vestido blanco, parece que se encuentra en un ritual antiguo pagano.

El arte de Munch sugiere la transformación de los recuerdos personales y las emociones propias en un estado de sueño, mito y enigmas.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

RETRATO A BALZAC de Auguste Rodin

Thu, 28 May 2009 13:44:23 +0200

La obra de Auguste Rodin fue conocida públicamente en su época. Y es que la personalidad de este escultor es tan grande que sus aspiraciones son mucho más complejas y, como toda figura genial, su obra se proyecta, desde la mejor tradición escultórica occidental, más allá de los iniciales problemas meramente realistas y visuales, hasta enlazar con el Simbolismo.

La carrera profesional de Rodin, es decir, su formación, promoción personal y reconocimiento público, siguió un proceso relativamente similar al vivido por cualquier otro escultor francés de su tiempo: es cierto que fracasó en sus intentos de entrar en la Escuela de Bellas Artes y trabajó como ayudante de decoración, al tiempo que asistía a los cursos de dibujo de Barye, pero sus obras más conocidas y populares están estrechamente relacionadas con su respaldo oficial.

Ello revela en qué medida un escultor moderno dependía de un sistema artístico completamente tradicional, al que los pintores más avanzados de su generación ya habían renunciado. De hecho, las primeras piezas que Rodin dio a conocer en los salones de los años setenta eran desnudos masculinos que conciliaban el realismo anatómico con una cierta sensualidad inspirada en Donatello y Miguel Ángel.

Sin embargo, con 'El monumento a Balzac' entra en una fase simbólica. Esto se debe a que la expresión creadora domina sobre la verosimilitud de la figura, es decir, la figura que representa a Balzac no es realmente él, sino su expresión, su alma.

Lo más importante de la figura es el gesto, su mirada, que nos transporta a una corriente que llega hasta ahora. Una corriente expresiva en los gestos y simbolista en los sentimientos.

Además, otra de las novedades representadas en esta escultura es que aparece sin pedestal. Es decir, está a la misma altura que quien lo ve, siendo su tronco una forma amorfa, que hace que la expresividad de su cara focalice toda nuestra atención.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

BROADWAY BOOGIE WOOGIE de Piet Mondrian

Thu, 28 May 2009 13:23:52 +0200

Piet Mondrian nació Amersfoort, Holanda en 1872. Fue miembro del De Stijl y fundador del neoplasticismo con Theo Van Doesburg.

Será una figura vital para la pintura no figurativa, siendo uno de los primeros que eliminen todas las referencias a los elementos representativos y evolucione desde el cubismo hasta la abstracción geométrica pura.

Bajo esta aparente sencillez, las teorías en las que se asienta este movimiento enlazan con estudios espirituales y filosóficos, especialmente del movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky.

Según esta teoría, se podría llegar a un conocimiento profundo de la naturaleza más allá de los datos empíricos. Y esto es lo que trata de conocer Mondrian, el conocimiento esencial de las cosas.

Para ello representa la estructura básica del universo con una “retícula cósmica” con un no-color blanco (color que tiene todos los colores) atravesado por líneas de no-color negro (ausencia de colores).

Repudia las características sensoriales de la textura y la superficie, elimina las curvas y todo lo referente a la realidad figurativa. Pero el movimiento De Stijl se rompe por diferencias entre Theo van Doesburg y Piet Modrian, porque Theo comenzó a pintar cuadros en los que gira los cuadrados 45º, en el marco del desarrollo de la teoría del elementarismo, que declaraba la diagonal como un elemento compositivo más dinámico que las horizontales y verticales.

A raíz de la Segunda Guerra Mundial, Piet Mondrian se ve obligado a abandonar Holanda y a trasladarse a Nueva York. Cuando llega, se enamora de la ciudad y cambia su pintura, aunque no hasta el punto de incluir líneas oblicuas.

Su pintura, dentro del hieratismo absoluto, se vuelve más dinámica.

En el cuadro Broadway Boogie Woogie, abandona las líneas negras por brillantes segmentos de colores primarios, pequeños trozos que rebotan entre sí, creando ritmo y vibración óptica, que resaltan las intersecciones, como en una calle, pues estaría representando la ciudad de Nueva York desde arriba. 'Broadway Boogie Woogie' fue su último cuadro.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

ESPEJO FALSO de Rene Magritte

Thu, 28 May 2009 12:04:08 +0200

El espejo falso (1928) de Magritte explora la idea del ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista.

En este cuadro, Magritte introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

Es una pieza fundamental de las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. Introduce la veracidad de la realidad, es decir, es real eso que vemos, tiene realmente ese objeto, es una herramienta para lo que nosotros creamos. Todas las relaciones anómalas y ambiguas tienen cabida en sus cuadros, una serie de relaciones absurdas entre objetos descontextualizados.

La difusión de las revistas surrealistas y el impacto de los viajes a París de muchos intelectuales de todo el mundo, permitieron que el movimiento liderado por Bretón alcanzase una difusión universal.

En todos los países occidentales surgieron grupos y figuras aisladas que se reclamaban surrealistas. Bélgica, depositario de una excelente tradición pictórica, vio aparecer a dos artistas fundamentales: René Magritte y Paul Delvaux. Practicaron una figuración impregnada de un erotismo de pesadilla: la técnica académica está puesta al servicio de una visión mágica del mundo que niega la sensación de estabilidad atribuida normalmente a la realidad.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA SEMILLA DE AREOI de Paul Gauguin

Thu, 28 May 2009 11:42:55 +0200

Paul Gauguin (1848-1903) admiraba a Cezanne, cuya factura imitaba (el propio Cezanne le acusó de plagiarlo).

En cuanto a Seurat, Gauguin se burla de sus ilusiones científicas, y llamaba a los neoimpresionistas “jovencitos químicos que acumulan puntitos”. Para Cezanne como para Seurat aporta la búsqueda de lo visionario.

Empleado en la oficina de un agente de bolsa, Gauguin comenzó cultivando la pintura como aficionado; en 1876 expuso un paisaje en el Salón y desde 1879 participó en las exposiciones impresionistas.

El hundimiento de la bolsa precipitó su decisión, y a partir de 1883 decidió dedicarse por entero al arte, cuyas dificultades económicas le llevaron después a separarse de su familia. Hacia 1886, Gauguin se alejaba del impresionismo, y buscaba un estilo menos naturalista, mas simplificado y abstracto.

Tras pasar una temporada en la Bretaña francesa viaja por Panamá, La Martinica, Tahití y Polinesia. Será allí, en 1892, cuando pinte a la diosa polinesia, con ropas de colores blancos y azules.

En este cuadro, Gauguin consigue un estilo en el que mezcla fuentes no europeas: el antiguo egipcio (por la postura hierática) el japonismo (en la presencia relativa de la sombra y el moldeado, además de las áreas de color plano típicas de las estampas japonesas), y el javanismo (por la posición de los brazos y la referencia al templo de Borobudur).

Pero también hay rasgos típicos de la pintura occidental, derivados del trabajo de los pintores simbolistas como Puvis de Chavannes; también en el color, pero de una forma ecléctica: aunque Gauguin decía que había encontrado la paleta de colores perfecta para el paisaje tahitiano, el exquisito cromatismo de 'The seed of the Areoi', es gracias a la genialidad del autor y no de la realidad visual de la isla.

El origen del mito del Areoi, una sociedad secreta en polinesia, es el dios del sol que se aparea con la mujer más bella, Vaïraümati, para crear una nueva raza.

En realidad pintó una mujer tahitiana Tehura como Vaïraïmati, con lo que consiguió la continuidad entre el pasado de la isla y su propia vida cuando el vivía allí. Y es que, esa zona fue fuertemente colonizada y el Tahití que presenta Gauguin es un espacio anacrónico e ideal.

Para él, esta zona era mucho más poderosa y mucho más bella que la zona occidental, pues creía que había caído en la decadencia.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

DESNUDO RECOSTADO de Amadeo Modigliani

Thu, 28 May 2009 11:11:39 +0200

El artista italiano Amadeo Modigliani tuvo la típica vida de la bohemia parisiense de principios de siglo. Modigliani nació en Livorno y se trasladó, en 1906, a París, donde pronto tomaría contacto con los artistas de la vanguardia francesa, integrándose en lo que es llamada “la Escuela de París”, que no es un movimiento uniforme, sino más bien, un grupo de artistas independientes que coincidieron en París durante los primeros años de siglo, pero manteniendo su estilo particular y no incurriendo en ningún movimiento vanguardista.

Llevó una vida bohemia marcada por los excesos y las enfermedades y nunca alcanzó la fama en vida. Entre sus amigos de Montmatre se encontraban: Soutine, Diego Rivera, Juan Gris o Jean Cocteau.

Al llegar a París toma contacto con el arte africano y camboyano, cuyas máscaras le dejarán profundamente marcado. Así, trasladó a sus piezas las caras ovaladas, con ojos almendrados y cuellos alargados.

Como vemos en el Desnudo Recostado, se geometriza, ligeramente y sin llegar al cubismo, la figura de la mujer.

Se alarga el torso y se enfatizan las curvas, dando cierto sensualismo al cuerpo femenino.

La modelo es su compañera sentimental, Jeanne Hèbuterne, que le acompañará hasta el final de sus días.

En el cuadro aparece recostada y transmite la placidez de una siesta. Modigliani acostumbraba a no retocar las pinturas, por lo que las hacía con un solo posado, de ahí que dijesen que desnudaba hasta el alma de sus modelos.

Al año siguiente de pintar este cuadro, en 1920, muere a causa de una meningitis tuberculosa, al lado de Jeanne Hebuterne, embarazada de 9 meses. A los dos días ella se suicida.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

CANCIÓN DE AMOR de Giorgio de Chirico

Thu, 28 May 2009 10:54:53 +0200

Giorgio de Chirico nació en 1888, en Grecia, en el seno de una familia italiana. Esta vinculación originaria con los dos países que forjaron el arte clásico se complementó con su educación alemana: en Munich.

Desde 1906, Chirico sufrió la influencia de pintores simbolistas (Böcklin, Maz Klinger) y de filósofos como Nietzche y Schopenhauer. A todos estos ingredientes hay que sumar su estancia en París, entre 1911 y 1915, donde conoció a Apollinaire y a muchos artistas de vanguardia.

El resultado de todo ello fue una pintura figurativa, de inspiración clásica, que no renunciaba a la perspectiva renancentista (como se ve en primer plano, que aparece una estatua clásica).

Sus espacios eran arquitectónicos, con una clara preferencia por las plazas “italianas”. Pero en estos cuadros, las sombras alargadas de los objetos y la desértica soledad de los inmensos espacios vacíos, sugerían una tristeza infinita. Giorgio de Chirico visualizó como nadie la sensación de lánguido extrañamiento.

En Canción de Amor, se ve un busto que responde a los parámetros de la escultura clásica. Una figura sin vida en un espacio arquitectónico.

La escena, con un cromatismo apagado, transmite una sensación de desamparo y tristeza, el objeto sin vida en vez de cobrarla se mantiene más hierática aún, como perdida en un espacio irreconocible.

La pintura en Canción de amor, muestra juntos una serie de objetos sin relación e incongruentes: una estatua del clasicismo griego, un guante de goma desproporcionado, una siluenta que refleja el azul del cielo. Así se crearon las pinturas metafísicas: representanciones de lo que yace más allá del mundo físico. Todo situado en una atmósfera de ansiedad y melancolía, con figuras humanoides y calles prolongadas que se traducen en lo absurdo del mundo después de la primera Guerra Mundial.

Chirico se trasladó a Ferrar en 1915 y allí forma la llamada “escuela Metafísica” en compañía del antiguo futurista Carlo Carrá.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones.

LA DANZA de Henri Matisse

Wed, 27 May 2009 19:49:24 +0200

Como 'Armonía en rojo', La danza, de Matisse, estaba destinada al rico coleccionista ruso Schukin, amante tanto del arte egipcio y micénico cuanto de la pintura de Cèzanne y Gauguin.

En 'Armonía en rojo' persisten indicios de profundidad espacial, como la mesa que tapa parcialmente la mujer y la silla del fondo. En La danza de Matisse es más plana: se evita la superposición de las figuras.

En Armonía en rojo, la composición asimétrica y los objetos cortados por el marco sugieren un fragmento casual. El cuadro es todavía una ventana al mundo. La danza es más simétrica y cerrada; el borde del cuadro sólo toca una cabeza y un pie; no se trata de una escena que continúe más allá del marco, sino de una composición ajustada al marco.

El motivo de La Danza viene de Alegría de vivir; pero si allí la ronda era circular, ahora se convierte en elipse por la presión de los lados del cuadro y la anatomía de las figuras se deforma para adaptarla a la composición (como en los Bañistas de Cezanne).

Los críticos rusos vieron en esta pintura una ferocidad primitiva: hablaron de “ingenuidad caníbal” y de “descenso a los valles de la prehistoria”.

Matisse explicaba así el cuadro:

“En esta composición, mi primer y principal elemento de construcción era el ritmo, el segundo, una superficie en azul sostenido (alusión al cielo del Mediterráneo en el mes de agosto) y el tercero una colina verde (el verde de los pinos mediterráneos, contra el cielo azul).

Con estos datos, mis personajes desnudos sólo podían ser así para obtener un acorde luminoso. Al contrario de lo que yo pensaba al ejecutarlo, la proporción de las superficies coloreadas por sí solas, independientemente de la materia, darían la expresión total de la obra, vi entonces que mi materia tenía su necesidad y que añadía mucho a la riqueza de la pintura por el juego de pincel que deja traspasar la luz de la tela blanca, y hace que esos colores lisos superficies vivas; una especie de moaré tornasolado”

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

AUTORRETRATO CON EL PELO CORTO de Frida Kahlo

Wed, 27 May 2009 19:27:42 +0200

Frida Kahlo nació en 1907, aunque siempre diría que nació con la revolución, pues quería nacer con el nuevo México, con la modernidad.

En 1913 contrajo poliomielitis, lo que le hará tener una pierna mucho más delgada que otra. Y en 1925 tendrá un grave accidente en un tranvía, que le dejará múltiples secuelas, además del paso por el quirófano unas 35 veces.

Pero fue una persona muy fuerte que consiguió superar la enfermedad y a raíz de los largos tiempos de reposo comenzó a pintar, sobretodo, autorretratos en la cama y el baño.

En 1929, contrajo matrimonio con Diego Rivera, lo que fue de profunda importancia en su obra, pues podemos considerarla una autobiografía. Estará influida por los surrealistas, aunque ella dirá que en su obra está representada ella misma.

Este cuadro, el autorretrato con pelo corto, será el primero después de su divorcio de Diego Rivera.

En él se representa a sí misma con ropas holgadas y masculinas, probablemente un traje de su ex-marido. Así, Frida se despoja de su feminidad, alejándose de los famosos vestidos mexicanos que serán su seña de identidad y también los que a Diego Rivera más le gustaban.

Asimismo, se ha cortado el pelo, olvidándose de la feminidad, sólo manteniendo los pendientes. El pelo permanece en el espacio representado en el cuadro, como flotando, con vida propia. Y sobre ella reposan unas líneas de una famosa canción: "Mira que si te quise, fue por el pelo, Ahora que estás pelona, ya no te quiero".

Para evidenciar su automutilación, Frida Kahlo se representa a sí misma sola en medio del espacio, símbolo de desesperación y soledad.

En 1938, el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York.

No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".

En 1939, Frida Kahlo expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés.

Por entonces, Frida era conocida en el mundo entero, dedicándose a partir de 1943, a dar clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

THE FLAME de Jackson Pollock

Wed, 27 May 2009 18:52:55 +0200

Pollock realizó entre 1947 y 1951 una serie de cuadros en los que dejó de emplear el pincel como mediador en las decisiones del artista, sustituyéndolo por el goteo incontrolado de la pintura sobre el lienzo.

En estas obras, concede un especial protagonismo al proceso de creación, al acto emocional y vital durante el que se construye la obra.

En su estado puro, la action painting es una acción llevada a cabo con los materiales y procedimientos de la pintura, y el cuadro, un residuo de este acto.

Los artistas norteamericanos que desde mediados de los cincuenta comenzaron a realizar happenings, como R. Rauschenberg, J. Dine, A. Kaprow, J. Cage o M. Cunninghan, son unánimes en proclamar la actitud de Pollock ante la pintura, su desbordamiento del marco, como percusora inmediata de sus acciones.

Echo (Number 25) se basa en una composición cerrada y uniforme que cubre ininterrumpidamente toda la superficie de la tela.

Este sistema compositivo, denominado all over, implica, en primer lugar, que el goteado de la pintura semi-líquida es el elemento clave, mientras la organización estructural de la imagen pasa a depender de él, y en segundo lugar, que el cuadro desborda el marco y se concibe visualmente como parte de un conjunto infinito.

De hecho, Pollock realizó una serie de grandes lienzos desplegados por el suelo que luego recortaba en función del resultado, desbaratando de esta forma los sistemas de composición sobre un rectángulo concreto.

El ritual de la pintura se plantea, en opinión de Pollock, como un diálogo entre artista y obra: “Mi pintura no nace en el caballete. Casi nunca, antes de comenzar a pintar, se me ocurre extender la tela sobre el bastidor. Sobre el suelo me siento más a gusto, más cerca, más parte del cuadro; puedo caminar en torno suyo, trabajar por cuatro lados distintos, estar literalmente dentro del cuadro. Es un poco el método usado por ciertos indios del oeste que pintan con arena. Cuando estoy dentro del cuadro no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de cierto periodo, empeñado, digámoslo así, en trabajar conocimiento, consigo ver qué dirección he tomado. Y no tengo miedo de hacer cambios, ni siquiera de destruir la imagen, porque se que el cuadro tiene una vida propia y yo trato de sacarla afuera. Solamente cuando pierdo contacto con la tela el resultado es un desastre. De otro modo se establece un estado de pura armonía, de espontánea reciprocidad, y la obra sale bien”.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

CALLE DE DRESDE de Ernst Ludwing Kirchner

Wed, 27 May 2009 18:36:30 +0200

El cuadro Calle de Dresde de Kirchner se inscribe dentro del Expresionismo alemán. Este movimiento, coetáneo a los Fauvistas, utiliza la misma exhortación de colores, fuertes y apasionados, ya que lo que pretenden no es reflejar la realidad fielmente, como los impresionistas, sino justo lo contrario.

Es decir, el expresionismo quiere responder a su alma y a sus sentimientos y no exponer la realidad como es, sino como ellos lo ven.

Por ello, se deforman la realidad, los espacios, los colores. Quieren reflejar una realidad asfixiante y aterradora. Una Alemania en transición.

El expresionismo tiene dos vertientes: la de la ciudad y la del campo.

La del campo como repulsa a la mediocridad y decrepitud de la ciudad, para poder recuperar la tradición y salir de los desmanes ocurridos en las ciudades. Si bien la otra vertiente, la de la ciudad, quiere manifestarse radicalmente en contra de lo que allí ocurre.

En este cuadro, la calle de Dresde, podemos ver la calle Königstrasse de Dresde, una de las calles más famosas de la ciudad.

En ella podemos ver varias mujeres en un entorno casi asfixiante, por las líneas oblicuas (como hará Munch). Pero a pesar de haber tantas mujeres, están solas. El ambiente opresivo se mezcla con la soledad de los habitantes de la ciudad. Una ciudad que entraña los peores deseos humanos y está hundida por los vicios.

Las mujeres aparecen perfectamente vestidas pero, sin embargo, sus rostros carecen de expresión, son como máscaras.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

LA GITANA DORMIDA de Henri Rousseau

Wed, 27 May 2009 16:57:37 +0200

Henri Rousseau nació en Laval, una ciudad del valle del Loira. Si bien careció de formación académica en pintura, fue capaz de desarrollar un estilo peculiar, un estilo Naif muy característico.

A pesar de su intención realista, el tono poético de sus ensoñaciones exóticas y su ingenuidad en las composiciones dan cierto aire de caricatura a toda su obra, a la cual consiguió dotarla de un ritmo sugerente y un colorido muy complejo, lo que le valdrá los elogios de sus coetáneos.

En 'la gitana dormida' observamos una clara diferencia, una maduración en el lenguaje que se viene dando desde 1890, ya que su obra entronca con el movimiento surrealista.

Advertimos en este cuadro un fondo sin forma, heredero de los de Tanguy, y una gitana dormida, que abstraída por el sueño no se da cuenta que detrás de ella se encuentra un león.

Al encontrarse por la noche, la luz es la de la luna, lo que le da un aspecto onírico, potenciado por la sinuosidad de la luz y los bordes de las figuras.

Como podemos ver, las perspectivas no son correctas, la gitana es más grande que el león, en general, Rousseau las desconoce o las olvida. Además, los claroscuros no sirven para dotar de profundidad a sus figuras, sino que consigue lo contrario, sus figuras son más planas de lo normal e hieráticas.

La técnica empleada es el óleo. Comienza por los cielos y el fondo, para continuar con las figuras. Pero lo más peculiar es el uso de un suave barnizado o satinado, que dota a las mismas de un aspecto fulgurante, muy sabiamente usado, que equilibra la obra.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

LA BANDERA de Jasper Johns

Wed, 27 May 2009 16:36:15 +0200

Jasper Johns nació en 1930 en Georgia, Estados Unidos, pero fue criado en Carolina del Sur. En 1948 sus profesores de la Universidad le dijeron que se fuese a Nueva York para poder desarrollarse correctamente.

Allí asistió a la famosa Parsons School of Design, pero luego fue a la guerra de Corea. No volvería a Nueva York hasta 1953, donde conocerá al artista Robert Rauschenberg, a Merce Cunningham y John Cage.

Jasper Johns pintó símbolos familiares, símbolos que estaban en el imaginario popular. Pero las renueva en su propio estilo, dándoles un nuevo significado, haciéndolos más frescos. Para él, una composición predeterminada le daba la oportunidad de hacer una nueva pintura que hablase en diferentes niveles.

La naturaleza de los “readymade” se ha interpretado como un nuevo dadaísmo, el neo-dada.

Este movimiento nació en los años 50 como reacción al expresionismo abstracto, que había absorbido el panorama artístico, pero desconectando absolutamente con el gran público, pues la sociedad se quedaba muy alejada de un arte basado en la personalidad del artista y en la que toda la profundidad y el lirismo no era accesibles.

El Neodadá continúa los principios del surrealismo pero llevados a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico.

Sus pinturas enfatizaban el poder de la superficie el lienzo, pero el significado real que evocaban era mucho más profundo. Cuando estudiamos uno de ellos, un observador se da cuenta de hasta que punto están sobre-representados estos símbolos, y no hay mejor ejemplo que la bandera de Estados Unidos.

Mientras que, a simple vista, la imagen representada es una mera bandera, ésta está muy empastada y barnizada, y debajo de la capa hay un collage, hecho con materiales encontrados (como los dadaístas), como comics o periódicos.

Por ello, este método hace casi imposible que se capte con una fotografía, sólo se puede ver en directo.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones

RETRATO DE JOSEPH ROULIN de van Gogh

Tue, 26 May 2009 18:42:38 +0200

Vincent Van Gogh es considerado uno de los grandes genios de la pintura vanguardista. Se le considera postimpresionista, como también a Toulouse Lautrec o Paul Gauguin, este último un gran amigo del pintor.

Van Gogh nació en Groot-Zunder, Holanda, en 1853, en el seno de una familia de clase media, su padre era predicador y su madre pertenecía a una familia de encuadernadores. Van Gogh no desarrollará ninguna dote especial para la pintura en su juventud y se dedicará al negocio familiar, el comercio de arte.

Tras un desencuentro amoroso, se convierte en una persona peculiar y taciturna, y se va a las oficinas de París, donde entrará en contacto con los artistas parisinos como Pizarro o Gauguin. Pero vuelve a Holanda, con su familia, y allí comenzó sus estudios en teología. Tras diversos avatares, se dedicó a ayudar a los más desfavorecidos, siendo cuando pinte su primera obra maestra: “los comedores de patatas”.

Tras una estancia en París de 2 años, se traslada a Arlés, al sur de Francia, y se instala en el “Hotel-Restaurant Carrel”. Allí conocerá al cartero Joseph Roulin y su familia, con los que entablará gran amistad y serán sus modelos en muchas ocasiones. Gracias a esta familia, Van Gogh podrá usarlos como modelos. Lo que ofrecerá un cambio en la monotonía de sus autorretratos y naturalezas muertas.

Este cuadro del MoMA, es de 1889. Podemos observar las influencias de los autores postimpresionistas que conoció en París. El decorativismo del fondo es heredero de las estampas japonesas, a la vez la pincelada larga y ondulante, una de sus principales características, es heredera del puntillismo de Signac, pero alargándola, para aumentar el volumen en las barbas.

Así mismo, el fondo, ondulante y sinuoso, será de gran influencia para los nabi, último movimiento antes de entrar en la vanguardia en 1907.

Aquí, el uso del color no es antinatural ni contrastado, hecho que marcará su pintura posterior, como podemos ver, esta obra es de las primeras que hará al llegar a Arlés, antes de sus problemas con Gauguin y su traslado al sanatorio de Saint- Remy.

Consulta más obras del MoMA o visita nuestra agenda de arte y exposiciones